[뉴스컬처 이상완 기자] 빠른 음표와 춤의 리듬에는 차이가 있다. 반복되는 박자에 악기가 교대하고 화성이 이동하며 소리의 크기가 달라지면 음악에는 발걸음과 회전, 가속의 감각이 생긴다. 베토벤의 교향곡 제7번은 네 악장을 관통하는 반복 리듬이 특징이다. 슈베르트의 이탈리아풍 서곡에는 오페라 극장의 경쾌한 박동이, 이지수의 ‘아리랑 랩소디’에는 한국 민요를 새로 다룬 리듬 감각이 담겼다.

서울선율 심포니 오케스트라는 내달 1일 서울 영산아트홀에서 정기연주회 ‘춤추는 교향곡’을 갖는다. 지휘는 김채림, 악장은 김지영이다. 프로그램은 베토벤의 ‘교향곡 제7번 가장조 작품번호 92(Symphony No. 7 in A Major, Op. 92)’, 프란츠 슈베르트의 ‘이탈리아풍 서곡 다장조 D.591(Overture in the Italian Style in C Major, D. 591)’, 이지수의 ‘아리랑 랩소디(Arirang Rhapsody)’다. 서로 다른 시대와 지역에서 태어난 세 작품은 리듬의 움직임을 각기 독특한 작곡법에 담았다.

서두는 슈베르트의 1817년작 ‘이탈리아풍 서곡 다장조 D.591(Overture in the Italian Style in C Major, D. 591)’이다. 1808년 교향곡 제5·6번을 초연한 뒤 약 3년 만에 작곡한 새 교향곡이다. 1813년 12월 8일 빈 대학 강당에서 베토벤의 지휘로 초연했다. 당시 공연은 나폴레옹 전쟁 중 하나우 전투에서 다친 오스트리아와 바이에른 병사들을 돕기 위한 자선 음악회였다.

제1악장 ‘포코 소스테누토–비바체(Poco sostenuto–Vivace)’는 교향곡 가운데서도 유난히 긴 느린 서주를 갖는다. 제2악장 ‘알레그레토(Allegretto)’는 가단조다. 장중하게 들리는 탓에 장송행진곡을 떠올리는 청중도 많지만 알레그레토는 지나치게 느리지 않은 속도를 지시한다. 제3악장은 ‘프레스토–아사이 메노 프레스토(Presto–Assai meno presto)’다. 바장조의 빠른 스케르초와 라장조의 느긋한 트리오가 대조된다. 제4악장 ‘알레그로 콘 브리오(Allegro con brio)’는 가장조의 빠른 2/4박자 음악이다. 강하게 내리치는 화음과 급박한 현악기 음형이 시작부터 속도를 높인다.

이어 이지수의 2007년작 ‘아리랑 랩소디(Arirang Rhapsody)’를 연주해 밀양아리랑 특유의 세마치장단과 메나리토리 선율을 현대 서양 관현악과 피아노의 복합적 텍스처로 치환한다. 후반부 메인 프로그램은 베토벤이 1812년 완성한 ‘교향곡 제7번 가장조 작품번호 92(Symphony No. 7 in A Major, Op. 92)’다. 1악장 6/8박자의 탄력적인 주제, 2악장 가단조의 무게감 있는 반복, 3악장 스케르초(Scherzo)의 예측 불허한 악센트를 거쳐 종악장 알레그로 콘 브리오(Allegro con brio)의 폭발적 금관과 팀파니 타격에 이르기까지 4개 악장을 관통하는 극단적 추진력과 운동감을 전개한다.

서울선율 심포니 오케스트라는 서울선율예술단 산하 단체로 청소년 교육과 재능 나눔 등 폭넓은 활동을 전개하고 있다. 지휘자 김채림은 독일 뮌스터 음악대학(Musikhochschule Münster) 석사 졸업 후 이탈리아 로마에서 지휘를 수료했으며 현재 서울선율예술단 음악감독으로 재직 중이다.

뉴스컬처 이상완 prizewan2@nc.press

[뉴스컬처 이상완 기자] 사랑하는 사람이 남긴 편지를 불태우는 여인, 연인의 맹세를 의심하는 오페라 속 인물, 죽음을 생각하며 우정을 노래하는 화자가 등장한다. 이별을 앞둔 성악가를 위해 쓴 아리아에서는 피아노가 노래의 상대역을 맡는다. 모차르트의 성악 작품은 사랑과 우정, 질투, 풍자, 삶과 죽음에 대한 사색을 짧은 가곡과 극적인 아리아에 담았다.

‘시문학과 예술가곡 리더아벤트 시리즈 11’이 내달 3일 서울 금호아트홀 연세에서 열린다. ‘모차르트 예술가곡과 콘체르토 아리아의 밤’을 주제로 소프라노 강명주, 김경원, 김수진, 오진현, 정연경이 21곡을 나누어 연주한다. 프로그램은 모차르트가 열두 살이던 1768년 발표한 초기 가곡부터 1780년대 빈에서 작곡한 콘체르토 아리아까지 폭넓게 다룬다. 독일어와 프랑스어, 이탈리아어 작품이 포함됐으며 원전의 성악 편성도 서로 다르다. 독일어 가곡은 대부분 성악과 건반악기를 위해 쓰였고, 콘체르토 아리아는 독창 성악가와 관현악을 전제로 한다. 마지막 작품에는 독주 피아노까지 참여한다.

공연은 열두 살 모차르트가 1768년 작곡한 초기 가곡 ‘기쁨에게(An die Freude, K.53)’로 출발해 18세기 가정음악 양식을 묘사한다. 이어 1787년작 ‘루이제가 변심한 연인의 편지를 불태울 때(Als Luise die Briefe ihres ungetreuen Liebhabers verbrannte, K.520)’의 분노, ‘저녁의 감정(Abendempfindung, K.523)’의 죽음에 대한 담담한 사색을 거치며 짧은 가곡 안에서 폭발하는 극적 심리를 전개한다. 후반 무대는 화려한 콘체르토 아리아로 확장된다. 이탈리아어 아리아 ‘당신은 충실한 마음을 가졌지만(Voi avete un cor fedele, K.217)’에서 구사하는 빠른 콜로라투라(Coloratura) 기교, ‘비참한 나여, 나는 어디에 있는가?(Misera, dove son!, K.369)’의 절박한 레치타티보(Recitativo)를 통해 오페라 극장의 긴장감을 구사한다.

종곡은 1786년 소프라노 낸시 스토레이스(Anna Selina Storace)의 송별 공연을 위해 쓴 콘체르토 아리아 ‘그대를 잊으라고? 두려워하지 마오, 사랑하는 이여(Ch’io mi scordi di te? … Non temer, amato bene, K.505)’다. 본래 소프라노, 독주 피아노, 관현악 편성이지만 이번 공연에서는 피아노 한 대가 성악과 팽팽한 주제 교환을 이루는 독주 역할을 짊어진다.

특히 쾨헬 번호 K.151로 알려졌으나 레오폴트 모차르트의 가곡으로 밝혀진 ‘낮은 신분의 만족’, 요제프 미슬리베체크(Josef Mysliveček)의 아리아 편곡판인 ‘웃음 짓는 평온(K.152)’, 미완성 베이스 아리아를 편곡한 ‘경고(K.433)’ 등을 포함해 모차르트 문헌의 치밀한 역사적 오류 정정까지 시도하는 학구적 기획이 돋보인다.

뉴스컬처 이상완 prizewan2@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 애플뮤직에서 재생된 음악의 저작권료가 장기간 정산되지 못한 가운데, 밀린 사용료를 창작자에게 지급하기 위한 협상이 마무리 단계에 접어들었다. 약 5년간 이어진 정산 공백이 해소될 수 있을지 관심이 쏠린다.

한국음악저작권협회(이하 '음저협')는 애플뮤직과 미정산 저작권료 협의를 진행하고 있으며, 연내 합의를 목표로 세부 조건을 조율하고 있다고 16일 밝혔다.

대상 기간은 2021년 2분기부터 2025년까지다. 합의가 이뤄지면 해당 기간 애플뮤직에서 이용된 음악에 대한 사용료를 작사·작곡가 등 권리자에게 분배하는 절차가 진행된다. 다만 현재는 협의가 마무리 단계에 있는 만큼, 실제 지급 시점과 구체적인 정산 규모는 확정되지 않았다.

정산이 지연된 배경에는 계약 문제가 있었다. 음저협은 2024년 당시 전임 사무총장의 계약 해지 통보 이후 사용료 정산에 차질이 발생했다고 설명했다. 이후 올해 출범한 제25대 집행부가 애플뮤직과 협상을 이어가면서 논의가 진전됐다.

합의 과정에서 눈여겨볼 부분은 저작권료를 계산하는 기준이다. 스트리밍 서비스는 무료 체험, 재구독, 이용권 종류 등 이용 형태가 다양하다. 음저협과 애플뮤직은 이러한 서비스 방식을 반영하면서 음악 이용에 따른 보상이 적정하게 이뤄질 수 있도록 세부 조건을 논의하고 있다.

음악이 글로벌 플랫폼을 통해 유통되는 환경에서 저작권료 정산은 창작자의 수익과 직결된다. K팝의 해외 소비가 확대되더라도 음악을 만든 이들에게 돌아가는 보상이 명확하지 않다면 산업의 성장과 창작자의 수익이 반드시 함께 늘어난다고 보기 어렵다. 플랫폼의 서비스 방식이 달라지는 만큼 이용 내역을 어떻게 산정하고 보상에 반영할지도 중요한 과제다.

애플뮤직과 협의는 과거 이용분에 대한 정산을 마무리하는 데 그치지 않는다. 장기간 미뤄진 지급 절차를 해소하고, 글로벌 플랫폼과의 저작권료 정산 기준을 구체화하는 계기가 될 수 있다. 다만 실질적인 성과는 최종 합의와 실제 지급이 이뤄진 뒤 확인할 수 있다.

이시하 음저협 회장은 창작자들에게 미지급 저작권료를 돌려줄 수 있게 된 데 의미를 두면서, 남은 절차를 마무리해 실제 지급으로 이어지도록 하겠다고 밝혔다.

음저협은 애플뮤직과의 협의를 연내 마무리하는 한편, 국내외 주요 음악 플랫폼과의 협력도 확대할 계획이다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] 가수 지드래곤(G-DRAGON)의 감각에서 탄생한 두 개의 독보적인 지식재산권(IP)이 오프라인 공간에서 만나, 패션과 캐릭터의 경계를 허무는 새로운 시너지를 창출한다.

16일 디지털 IP 엔터테인먼트 기업 IPX는 지드래곤과 협업해 만든 글로벌 캐릭터 IP 'ZO&FRIENDS(조앤프렌즈)'와 그가 설립한 브랜드 'PEACEMINUSONE(피스마이너스원)'의 첫 컬래버레이션 팝업 'PEACEMINUSONE X ZO&FRIENDS POP-UP'을 케이팝스퀘어 홍대에 오픈했다고 밝혔다.

이번 프로젝트는 지난해 캐릭터 IP 공개로 1주년을 맞은 'ZO&FRIENDS'와 올해 론칭 10주년을 맞은 'PEACEMINUSONE'이 각자의 뜻깊은 이정표를 함께 기념하기 위해 기획됐다. 지드래곤이라는 하나의 구심점에서 출발해 각기 다른 영역에서 확고한 팬덤을 구축해 온 두 브랜드가 처음으로 서로의 상징을 교차한다는 점에서 남다른 의미를 지닌다.

실제 팝업 공간과 오브제 전반에는 두 브랜드의 세계관이 유기적으로 녹아들었다. '블루밍 스텝(BLOOMING STEP)'이라는 콘셉트 아래 조아(ZOA)의 '꽃발자국'과 피스마이너스원의 '데이지'가 만나 꽃길로 피어나는 여정을 시각화했다. 검은색 후드를 입은 조아 캐릭터의 발바닥에 데이지와 꽃발자국을 나란히 새기고, 두 IP의 상징적인 컬러와 걸음을 융합해 로고를 완성하는 등 서로의 언어로 재해석된 디테일을 선보인다.

이러한 융합은 지드래곤이 탄생시킨 두 아이콘을 각각 지지해 온 팬들이 하나의 취향으로 이어지는 입체적인 교감의 장을 제공한다. 글로벌 캐릭터와 패션 브랜드의 결합이 단순한 공간 연출을 넘어 이종 산업 간의 트래픽을 결합하는 오프라인 시너지로 이어지며, 향후 이들의 독보적인 IP 파급력이 글로벌 마켓에서 어떤 새로운 지형도를 그려낼지 업계의 관심이 쏠리고 있다.

한편 이번 'PEACEMINUSONE X ZO&FRIENDS POP-UP'은 오는 25일까지 케이팝스퀘어 홍대, 잠실, 부산을 비롯해 상하이, 베이징 등 글로벌 거점에서 동시 전개되며, 이후 홍콩, 타이베이, 싱가포르, 도쿄 등 아시아 주요 도시로 이어질 예정이다. 

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] 해외 기술에 의존해 온 국내 버추얼 싱어 지식재산권(IP)이 순수 국산 인공지능(AI) 음성 엔진을 장착하며 새로운 창작 생태계 확장에 나선다.

16일 보이스 AI 솔루션 기업 오드아이(AudAi)는 SBS A&T와 협력해 한국어 보컬로이드 캐릭터 '시유(SeeU)'에 자사의 가창 음성 합성 엔진 '복스팩토리(VOX Factory)'를 탑재했다고 밝혔다.

오드아이의 '복스팩토리'는 별도의 프로그램 설치 없이 웹 기반 클라우드 환경에서 구동되는 가창 음성 합성 엔진이다. 허밍 음원 기반의 작업 시작 기능과 4개의 파라미터를 활용한 보컬 세부 조율 기능 등을 지원해 작업 환경을 간소화한 것이 특징이다.

이러한 엔진의 특성은 2011년 해외 기술을 빌려 탄생했던 캐릭터 '시유'를 15년 만에 온전한 국산 기술 기반으로 전면 개편하는 작업에 고스란히 투영됐다.

엔진의 간소화된 작업 환경과 시유의 상징적인 보이스가 맞물려 한층 효율적인 창작이 가능해진 만큼, 국내외 음악 창작자들의 자연스러운 유입을 이끌어 버추얼 콘텐츠 생태계의 자생력을 다지는 토대가 될 전망이다.

한편 오드아이는 '복스팩토리' 운영과 함께 신규 음성 편집 솔루션 '글루언트(Gluent)'의 출시를 준비하는 등 관련 사업 영역 확장을 추진 중이다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] 국내 최대 규모의 애니메이션·게임 서브컬처 축제 'AGF 2026'이 막강한 스폰서 라인업과 함께 본격적인 개최 카운트다운에 돌입했다.

16일 애니플러스, 대원미디어, 소니 뮤직 솔루션즈, 디앤씨미디어 등 'AGF 2026(Anime X Game Festival 2026)' 주최 측은 오는 12월 4일부터 6일까지 3일간 일산 킨텍스에서의 행사 개최를 공식화하며, 축제의 볼륨을 키울 공식 스폰서 라인업을 공개했다.

올해로 7회째를 맞이하는 'AGF'는 애니메이션과 게임을 주축으로 한 대형 서브컬처 행사다. 이번 'AGF 2026'은 일산 킨텍스 제1전시장 1~5홀 전 공간을 활용해 역대 최대 규모로 치러지며, 전국 단위 코어 팬덤의 대규모 결집을 예고하고 있다.

행사의 구심점으로는 마스코트 '샤야'가 '페스티벌 내비게이터(Festival Navigator)' 콘셉트로 전면에 나선다. 새롭게 공개된 키 비주얼 속 '샤야'는 관람객들을 다채로운 전시와 콜라보 카페 등 방대한 서브컬처 축제의 항해로 이끄는 역할을 맡아 촘촘한 오프라인 경험을 시사한다.

본격적인 카운트다운과 함께 합류를 알린 스폰서 라인업은 축제의 뼈대를 더욱 단단하게 구축한다. 올해는 '갤럭시 스토어', 'SOOP', '엘리멘타', '메가박스', '컬쳐랜드' 등 5개사가 참여해 현장 생태계를 입체적으로 채운다.

우선 '갤럭시 스토어'는 전년도의 호응에 힘입어 행사장 내 3개의 리프레시존을 조성해 쾌적한 관람 인프라를 지원한다. 첫 참가를 알린 라이브 스트리밍 플랫폼 'SOOP'은 버추얼 스트리머와 팬들의 오프라인 팬미팅을 주도하며, 글로벌 게임사 '엘리멘타'는 글로벌 1500만 사전예약을 돌파한 신작 '실버 팰리스'의 첫 오프라인 시연과 추리 어드벤처 체험 무대를 단독으로 선보인다. 여기에 '메가박스'의 킨텍스점 연계 스페셜 상영회와 '컬쳐랜드'의 문화 혜택 이벤트가 맞물려 관람객의 체류 시간과 만족도를 동시에 끌어올린다.

이러한 전방위적 인프라 확장은 지난해 'AGF 2025'가 공식 집계 10만 518명이라는 역대 최다 관람객을 동원하며 입증한 폭발적인 산업 파급력과 궤를 같이한다. 글로벌 IP의 집결과 대형 스폰서십, 그리고 고도화된 스테이지 운영 노하우가 결합된 이번 행사가 서브컬처 시장의 코어 트래픽을 얼마나 더 거대하게 확장해 낼지 업계의 이목이 쏠리고 있다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 경남 함안의 공원과 문학관, 공연장이 지역 예술을 만나는 공간으로 바뀐다. 시를 읽고 그림을 감상하는 야외 전시부터 연극과 국악, 합창 공연까지 다양한 장르가 군민의 일상 가까이 다가선다. 예술가들의 창작 활동을 선보이는 데 그치지 않고, 지역 주민이 여러 형태의 문화예술을 경험할 기회를 넓힌다는 점에서 의미가 있다.

제22회 함안예술제가 16일부터 25일까지 함안문화예술회관과 함안복합문학관, 함주공원 등을 무대로 열린다. 경남예총 함안지회가 주최하고 국악·문인·미술·연극·연예·음악협회가 주관하는 행사로, 전시와 공연, 경연을 통해 지역 예술인들의 활동을 소개한다.

올해 예술제에서 눈여겨볼 대목은 예술을 접하는 공간의 확장이다. 공연장에 관객을 모으는 방식에서 벗어나 공원과 문학관 등 일상적으로 찾는 장소에서도 작품을 만날 수 있도록 프로그램을 배치했다. 문학과 미술, 음악과 공연예술이 각기 다른 공간에서 펼쳐지면서 군민들이 취향에 따라 문화예술을 경험할 수 있도록 구성했다.

첫날에는 입곡군립공원과 악양생태공원에서 ‘내 마음의 시화전’이 열렸다. 함안문화예술회관에서는 함안미술협회 작품전시회와 축하 콘서트 ‘김현철의 웃음과 감동 클래식 무곡’이 진행됐다. 문학 작품과 미술 전시, 음악 공연을 함께 배치해 예술제의 시작을 알렸다.

17일에는 문학과 야외 전시 프로그램이 이어진다. 함안복합문학관에서는 시낭송대회가 열리고, 입곡군립공원에서는 ‘무빙갤러리’를 만날 수 있다. 함주공원 다목적잔디구장에서는 개막식에 이어 ‘휴(休) 콘서트’가 진행된다. 작품을 감상하는 데서 나아가 시를 소리 내어 읽고 음악을 듣는 경험까지 마련한 일정이다.

18일에는 함안문화예술회관에서 연극 독백대회와 ‘가을밤의 랩소디’가 열리며, 함주공원 야외공연장에서는 함안예술제 가요제가 펼쳐진다. 20일에는 연극 ‘나의 말금씨’가 함안문화예술회관 대공연장에 오른다. 경연과 공연을 병행해 지역 예술인들이 기량을 선보일 기회를 마련했다.

문학 프로그램은 후반부까지 이어진다. 23일 함안복합문학관에서 예술제 기념 백일장이 열리고, 24일에는 함안문화예술회관 대공연장에서 아라가야합창제가 개최된다. 글쓰기를 통한 창작 참여와 합창을 통한 공동의 무대가 차례로 마련되는 셈이다.

마지막 날인 25일에는 함주공원 야외공연장에서 함안아라가야 전국국악경연대회와 함안국악협회 정기연주회, ‘7080 추억의 콘서트’가 잇따라 열린다. 전국 단위 경연과 지역 국악인들의 연주, 대중음악 공연을 한자리에서 선보이며 열흘간의 일정을 마무리한다.

지역 예술축제의 지속 가능성은 행사의 규모뿐 아니라 창작자와 관객이 얼마나 자주 만날 수 있는지에 달려 있다. 지역 예술인에게는 작품을 발표하고 관객과 만날 기회가 필요하며, 주민에게는 생활권 안에서 문화예술을 접할 수 있는 환경이 중요하다. 전시와 경연, 공연을 아우르는 함안예술제는 이러한 만남을 마련하는 지역 문화행사다.

다만 축제가 열리는 기간의 관심이 일회성 방문에 그치지 않으려면 행사 이후에도 지역 예술인들의 활동을 알리고, 주민들이 공연과 전시를 지속적으로 접할 수 있는 기반을 이어가는 일이 중요하다. 축제를 통해 형성된 관심이 지역 문화예술에 대한 꾸준한 참여로 연결될 때, 예술제의 의미도 더욱 커질 수 있다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 도덕은 옳고 그름을 가르는 기준으로 여겨진다. 그러나 같은 행동을 두고도 평가는 엇갈린다. 타인의 부정행위에는 엄격한 잣대를 들이대면서 자신이 저지른 부정행위에는 예외를 허용하고, 폭력을 비판하면서도 자신이 속한 집단이 행사하는 폭력에는 침묵한다. 옳다고 믿는 원칙과 실제 행동 사이에는 이처럼 간극이 존재한다. 도덕적 판단은 누구에게나 동일하게 적용되는 규칙이라기보다 개인의 이해관계와 가치관, 자신이 놓인 상황에 따라 달라지는 복잡한 판단의 과정이다.

도덕적 기준이 시대에 따라 달라진다는 사실은 역사에서도 드러난다. 과거 미국 사회에서 노예제는 오랫동안 경제와 사회를 지탱하는 제도로 유지됐다. 미국 독립선언문 초안 작성에 참여한 토머스 제퍼슨 역시 수백 명의 노예를 거느리고 농장을 운영했다. 인간의 자유와 권리를 천명한 독립선언문의 정신과 노예 소유라는 현실은 한 인물 안에서도 공존했다. 노예제는 남북전쟁을 거친 뒤 1865년 수정헌법 제13조의 비준으로 폐지됐다. 당시 사회에서 용인되던 관행이 훗날 중대한 부정의로 평가받게 된 것이다.

이러한 역사적 사례는 도덕적 판단이 언제나 일관되게 작동하지 않는다는 사실을 보여준다. 인간은 자신이 지지하는 원칙을 모든 상황에 똑같이 적용하지 않는다. 기존의 관습이나 사회적 통념을 받아들이기도 하고, 자신에게 유리한 해석을 선택하기도 한다. 어떤 행동을 옳다고 판단하는 데에는 행위 자체에 대한 평가뿐 아니라 그 행동을 둘러싼 시대적 조건과 개인의 이해가 함께 작용한다.

오둔 달의 '왜 나는 항상 옳고 너는 그른가'은 노예제와 여성의 권리, 트롤리 딜레마, 아동 체벌 등 여러 사례를 통해 도덕적 판단이 형성되고 변화하는 과정을 살핀다. 역사 속 제도에 대한 평가부터 일상에서 마주하는 윤리적 선택까지 폭넓게 다루며, 사람들이 무엇을 근거로 옳고 그름을 판단하는지 들여다본다. 사례마다 쟁점은 다르지만, 도덕적 원칙이 현실에서 어떻게 해석되고 적용되는지 살펴본다는 공통점이 있다.

특히 책은 사람들이 중요하게 여기는 가치와 판단의 대상이 달라지면 결론도 달라질 수 있다고 설명한다. 개인의 자유와 공동체의 안전, 평등과 관습, 개인의 권리와 사회적 책임처럼 서로 충돌하는 가치 가운데 무엇을 우선하느냐에 따라 같은 사안에 대한 평가가 달라진다. 새로운 정보와 경험을 접하면서 기존의 믿음을 수정하기도 한다. 도덕적 판단은 한 번 정해지면 변하지 않는 답이 아니라, 여러 가치를 비교하고 우선순위를 조정하는 과정에서 달라질 수 있다.

그러나 판단이 달라진다는 사실이 모든 선택을 정당화하지는 않는다. 서로 다른 배경을 이해하는 일과 그 배경에서 비롯된 행동을 옳다고 인정하는 일은 구분해야 한다. 타인의 판단이 어떤 경험과 가치관에서 나왔는지 살펴보면 그 사람을 이해하는 데 도움이 되지만, 그 행동이 다른 사람에게 가한 피해까지 사라지는 것은 아니다. 책이 주목하는 대목도 도덕적 차이를 무조건 받아들이는 태도보다 판단의 근거를 살펴보는 데 있다.

이러한 접근은 도덕적 논쟁을 바라보는 방식에도 변화를 요구한다. 의견이 다르다는 이유만으로 상대를 비난하거나, 자신이 믿는 원칙만을 유일한 기준으로 내세우면 판단이 형성된 배경을 살피기 어렵다. 반대로 상대의 입장을 이해하려는 노력은 자신의 기준을 점검하는 계기가 될 수 있다. 어떤 가치를 우선했는지, 판단에서 배제된 사람은 없는지, 자신에게 유리한 예외를 허용하지는 않았는지 돌아보는 과정이 필요하다.

책의 문제의식은 과거의 잘못을 평가하는 데서 끝나지 않는다. 오늘날 당연하게 받아들이는 가치와 관행 역시 미래에는 비판받을 수 있기 때문이다. 노예제가 한때 사회적으로 용인됐다는 사실을 현재의 관점에서 끔찍하게 받아들이듯, 후대 역시 지금의 선택을 다른 기준으로 평가할 가능성이 있다. 현재의 도덕적 확신만으로 미래의 평가까지 보장할 수는 없다.

책은 낙태와 기후위기, 전쟁, 경제적 불평등을 둘러싼 오늘의 입장 가운데 무엇이 후손들의 가장 혹독한 비판을 받을지 미리 알 수 없다고 짚는다. 이 주장은 모든 도덕적 판단이 상대적이라는 선언과는 다르다. 오히려 지금 옳다고 믿는 판단이 어떤 근거 위에 세워졌는지 살피고, 그 판단이 다른 사람에게 미치는 결과를 검토해야 한다는 요청에 가깝다. 사회가 당연하게 받아들이는 제도와 관행도 비판과 검토의 대상에서 제외될 수 없다.

결국 도덕적 판단을 돌아보는 일은 타인의 잘못을 찾아내는 데서 완성되지 않는다. 자신의 원칙이 실제 행동에서도 일관되게 적용되는지, 익숙한 관습이라는 이유로 부당함을 외면하고 있지는 않은지 살펴야 한다. 과거의 판단을 현재의 기준으로 평가하는 동시에, 현재의 기준 역시 비판받을 수 있음을 인정하는 태도가 필요하다.

옳고 그름을 판단하는 능력은 인간 사회를 유지하는 데 중요하지만, 자신의 판단이 언제나 옳다는 확신은 오히려 성찰을 가로막을 수 있다. 책은 다양한 윤리적 사례를 통해 도덕적 확신과 실제 행동 사이의 간극, 시대에 따라 변하는 가치의 기준을 함께 살핀다. 타인의 판단을 이해하려는 노력은 자신의 판단을 검토하는 일과 맞닿아 있다. 오늘의 도덕을 지키는 일은 그것을 의심 없이 반복하는 데 있는 것이 아니라, 그 기준이 누구에게 어떻게 적용되는지 끊임없이 확인하는 데 있다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] K팝은 전 세계에서 가장 강력한 팬덤 경제를 구축하는 데 성공했다. 하지만 그 거대한 팬덤을 정교하게 이해하고 증명하는 산업으로까지 진화했는지에 대해서는 여전히 물음표가 뒤따른다.

플랫폼과 SNS를 통해 데이터가 폭발적으로 축적되는 가운데, 업계 안팎에서는 팬덤 규모를 넘어 움직임과 구조를 읽어내는 '팬덤 인텔리전스(Fandom Intelligence)'가 새로운 경쟁력으로 주목받고 있다.

◇ "100만 장 팔려도 누가 샀는진 몰라"… '규모'에서 '구조'로 이동하는 시선

오랜 기간 K팝 산업의 성장을 증명한 것은 음반 판매량, 공연 관객 수, 플랫폼 가입자 수 같은 물리적 규모였다. 그러나 최근 시장에서는 이러한 외형적 수치만으로는 IP의 진짜 기초체력을 설명하기 어렵다는 냉정한 진단이 나온다.

최근 PwC컨설팅이 발간한 '데이터 기반 K팝 밸류 극대화' 보고서에 따르면, 전체 팬덤의 약 30%에 불과한 코어 팬덤이 전체 소비의 64%를 창출하는 것으로 분석됐다. 이는 단순한 팬 수나 판매량보다 어떤 팬들이 소비를 만들어내고 있는지를 이해하는 것이 더욱 중요해지고 있음을 보여주는 대목이다.

같은 '밀리언셀러(100만 장)' 타이틀을 달더라도 소수 코어 층의 반복 구매로 만들어진 숫자인지, 폭넓은 소비층이 고르게 참여한 결과인지에 따라 향후 공연 동원력과 재구매율, IP의 장기적 수명은 전혀 다른 궤적을 그리기 때문이다.

결국 팬 수 자체보다 중요한 것은 팬덤의 규모가 아니라 구조를 이해하는 일이다. 누가 소비를 주도하고, 누가 콘텐츠를 확산시켜 신규 유입을 만들며, 누가 장기적으로 생태계에 남는지를 파악하는 것이 점점 더 중요해지고 있다는 분석이다.

이 같은 변화와 함께 업계의 관심 역시 단순한 규모 집계에서 팬덤 데이터를 축적하고 분석하는 방향으로 옮겨가고 있다.

흥미로운 점은 K팝 산업이 결코 데이터 부족에 시달리는 시장이 아니라는 사실이다. 위버스(Weverse)는 2026년 2분기 기준 월간활성이용자(MAU) 1443만 명을 기록하며 글로벌 대표 팬덤 플랫폼으로 자리잡았다. 과거 공연장과 팬카페, SNS에 파편화되어 있던 팬 활동을 하나의 생태계로 묶어내며 팬덤을 단순 소비 집단이 아닌 '데이터 자산'으로 전환한 상징적 사례다. 위버스의 등장은 팬덤을 모으는 것을 넘어 팬덤을 기록하는 시대가 열렸음을 보여준다.

위버스 이후 등장한 후발 플랫폼들 역시 데이터의 밀도를 높이고 있다. 서비스 1년 만에 202개국 이용자(해외 비중 80%)를 확보하며 누적 응원 6000만 건, 좋아요 1300만 건을 기록한 카카오엔터테인먼트의 베리즈(Berriz)나, 230여 개국에서 아티스트별 독자 플랫폼 구축 인프라를 제공하는 비마이프렌즈의 비스테이지(b.stage) 등은 더 이상 단순 가입자 수만 내세우지 않는다. 방문 빈도와 체류 시간, 콘텐츠 소비량, 라이브 참여 수치, 멤버십 전환율 등 팬들의 실질적인 '움직임' 자체를 핵심 데이터로 기록하고 있다.

플랫폼 바깥에서 생성되는 데이터의 팽창도 매섭다. 2024년 미국 빌보드 '글로벌 200' 진입곡의 84%가 차트 진입 이전에 틱톡 등 숏폼 플랫폼에서 먼저 바이럴을 경험했다는 통계는, 유튜브·틱톡·X(구 트위터)·인스타그램 등 SNS가 곧 팬덤의 실시간 확산력과 자발적 참여를 보여주는 핵심 관측 창구임을 증명한다.

올해 5월 빅크(BIGC)가 스페이스오디티로부터 팬 활동 연결 플랫폼 '블립'과 SNS 기반 분석 서비스 '케이팝레이더'를 인수하며 13억 건 이상의 글로벌 팬덤 데이터를 확보한 것 역시, 플랫폼 데이터와 SNS 데이터를 결합해 사업 전략에 활용하려는 산업적 흐름을 보여준다. 업계에서는 이를 월드투어 입지 선정이나 굿즈 수요 예측 등에 활용할 수 있을 것으로 보고 있다.

◇ 데이터 홍수 속 '가치평가 언어'의 부재… 투자 시장이 K팝을 주저하는 이유

문제는 이처럼 방대한 데이터가 안팎으로 쌓이고 있음에도, 이를 산업적 통찰과 재무적 설득력으로 치환하는 역량은 아직 충분히 성숙하지 못했다는 점이다. 제조업에는 생산성 지표가 있고, IT 플랫폼에는 MAU가 있으며, 게임 산업에는 이용자 유지율(Retention)과 결제 지표라는 명확한 만국 공통어가 존재한다. 반면 엔터 산업은 여전히 자본 시장을 향해 팬덤의 미래 가치를 객관적으로 설명할 공통의 언어를 만들어가는 과정에 머물러 있다.

지난달 4일 '2026 MWM 콘퍼런스'에서 음악산업 투자 생태계와 관련해 전문 심사역 육성과 데이터 기반 가치평가 체계 구축의 필요성이 핵심 과제로 제기된 것도 같은 맥락이다. 팬덤이 중요하다는 사실에는 이견이 없지만, 어떤 팬덤이 더 건강하고 오래 지속되는지, 어떤 팬덤이 더 큰 사업 가치로 직결되는지를 증명할 기준이 부족한 셈이다. 현재의 팬덤 데이터를 모으는 일과 팬덤을 산업적으로 이해하는 일은 전혀 다른 차원의 문제라는 뜻이다.

특히 최근 팬덤의 역할 변화는 기존 평가 방식의 한계를 더욱 선명하게 드러낸다. K팝 팬덤의 숏폼 플랫폼 2차 창작 사례 연구 등이 분석하듯, 오늘날의 팬들은 수동적으로 지갑만 여는 소비자를 넘어 밈(Meme)을 만들고 챌린지와 숏폼 영상을 직접 재생산해 알고리즘을 움직이는 '공동 창작자'이자 유통자로 기능하고 있다. 팬덤이 콘텐츠 확산과 IP 성장에 직접 개입하는 하나의 유기적 생태계로 진화한 만큼, 단순 판매량이나 구독자 수 같은 1차원적 지표만으로는 이 생태계의 진짜 잠재력을 측정하기 어렵다.

◇ AI 시대, 승부처는 데이터의 행간을 꿰뚫는 '팬덤 인텔리전스'

이러한 가운데 업계 안팎에서는 팬덤의 규모를 넘어 구조와 행동 패턴, 소비 성향과 확산력을 종합적으로 읽어내기 위한 '팬덤 인텔리전스(Fandom Intelligence)'의 필요성이 제기되고 있다.

이는 단순히 데이터를 많이 확보하는 문제와는 다르다. 누가 소비를 주도하는지, 어떤 팬이 콘텐츠를 확산시키는지, 어떤 반응이 실제 구매와 장기 체류로 이어지는지 등 데이터 사이의 관계와 맥락을 읽어내는 역량에 가깝다.

팬덤 플랫폼과 SNS, 커머스 데이터가 동시에 축적되는 환경이 만들어지면서 이러한 분석 수요 역시 커지고 있다. 특히 AI 기술의 발전은 방대한 데이터를 수집하고 분류하는 과정을 크게 단축시키며 팬덤 분석의 가능성을 넓히고 있다.

앞서 '2026 MWM 콘퍼런스'에서는 K팝이 축적된 팬덤 데이터와 네트워크를 기반으로 AI 산업의 최적화된 실험장이 될 수 있다는 전망이 제기됐다. 위버스와 베리즈 같은 플랫폼 데이터, 블립과 케이팝레이더의 분석 데이터, 유튜브와 틱톡 등 SNS에서 생성되는 반응 데이터가 지속적으로 축적되는 만큼 AI 활용 가능성 역시 커지고 있다는 분석이다.

다만 동시에 강조된 것은 인간의 경험과 감성적 해석의 가치였다. AI는 위버스와 베리즈의 플랫폼 기록, 블립과 케이팝레이더의 분석 수치, 유튜브와 틱톡의 SNS 반응 데이터를 초단위로 수집하고 분류할 수 있다.

하지만 그 방대한 데이터 가운데 어떤 지표가 핵심인지, 어떤 행동이 다음 소비를 만들고, 어느 국가의 반응이 미래 성장 신호인지를 정의하고 맥락을 짚어내는 일은 여전히 사람의 영역에 있다. 나아가 어떤 메시지와 콘텐츠로 대중과 소통할 것인지, 어떤 아티스트와 IP를 육성할 것인지에 대한 판단 역시 결국 인간의 몫이다.

결국 업계가 말하는 '팬덤 인텔리전스'는 팬덤의 덩치를 재는 기술이 아니다. 누가 소비하고, 누가 확산시키며, 어떤 팬덤이 오래 살아남는지를 읽어내는 능력에 가깝다고 할 수 있다.

K팝은 이미 팬덤 경제를 구축하는 데 성공했다. 이제 남은 과제는 그 팬덤을 얼마나 깊이 이해할 수 있는가다. 더 많은 팬을 모으는 경쟁을 넘어, 이미 존재하는 팬덤의 구조와 움직임을 읽어내는 역량이 K팝 산업의 다음 성장 국면을 이끌 것으로 보인다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 노규민 기자] 고(故) 안성기, 김무열, 박근형, 이석기 촬영감독, 김도영 감독이 올해의 아름다운예술인으로 선정됐다.

지난 15일 오후 4시 서울 강동구 고덕동 스테이지28에서 (재)신영균예술문화재단(이사장 신언식)이 주최하는 제16회 아름다운예술인상 시상식이 열렸다. 재단 설립자인 원로배우 신영균 명예이사장을 비롯해 최휘영 문화체육관광부 장관, 유인촌, 김동호, 정지영, 배창호, 손숙, 박찬욱, 이영애, 정준호, 김수철, 박찬호 등 문화예술계 및 각계 인사 200여 명이 참석해 자리를 빛냈다.

2011년 제정 된 아름다운예술인상은 시대의 변화에 따라 기존 영화예술인상의 선정 범위를 드라마 분야까지 넓히고, 연극예술인상을 공연예술인상으로 확대하는 등 다양한 분야에서 활약하는 예술인들의 성과를 조명하고 있다.

올해 굿피플예술인상은 고 안성기, 영화예술인상은 배우 김무열, 공연예술인상은 배우 박근형, 공로예술인상은 이석기 촬영감독, 신인예술인상은 김도영 감독이 각각 선정, 각 수상자에게 2천만 원씩 총 1억 원의 시상금과 상패를 수여했다.

아역배우로 데뷔해 일생을 한국영화에 바친 안성기는 수많은 작품을 통해 국민적인 사랑을 받았으며, 겸손하고 진실한 인품으로 영화계 안팎에서 깊은 존경을 받아왔다. 특히 오랜 기간 다양한 사회공헌 활동에 참여하고 후배 영화인들을 지원하며 나눔과 봉사의 가치를 실천해 왔다. 재단은 성실한 인품으로 사랑받으며 한국영화 발전에 기여한 고인의 따뜻하고 아름다운 생애를 기려 굿피플예술인상을 수여했다. 시상식에는 고인의 둘째 아들 안필립 씨가 참석해 대리 수상했다.

올해 영화예술인상을 수상한 김무열은 영화와 드라마를 넘나들며 다채로운 연기력과 뛰어난 캐릭터 소화력을 보여주고 있다. 특히 넷플릭스 시리즈 '참교육'에서 무너진 교육현장의 피해자 편에 서는 감독관역을 맡아 많은 시청자들에게 감동을 남겼다. 작품을 통해 보여준 뛰어난 연기 역량과 성과를 높이 평가했다.

공연예술인상을 수상한 박근형은 오랜 세월 연극 무대를 중심으로 영화와 드라마에 이르기까지 폭넓은 연기 활동을 펼쳐온 한국 공연예술계의 대표적인 원로배우다. 특히 '베니스의 상인'에서 주역을 맡아 열정적인 연기로 관객들의 박수 갈채를 받았다. 오랜 연기 경력을 통해 쌓아온 예술적 성취와 후배 예술인들에게 귀감이 되는 활동을 높이 평가받았다.

공로예술인상을 수상한 이석기 촬영감독은 1960~80년대 한국영화 중흥기에 이만희 감독의 '싸리골의 신화' 촬영감독으로 활동을 시작했다. 이후 '성 리수일뎐' '낙타는 따로 울지 않는다' 등의 연출까지 활동 영역을 넓히며 약 180편의 작품을 남겼다. 재단은 일생을 한국영화 발전에 기여한 이석기 감독의 큰 발자취와 열정, 공로를 인정했다.

신인예술인상을 수상한 김도영 감독은 영화 '82년생 김지영' '만약에 우리' '인턴' 등을 통해 섬세한 연출력과 작품성을 인정받으며 한국영화의 새로운 가능성을 보여주고 있다. 인물의 감정과 관계를 세심하게 포착하는 연출을 바탕으로 관객들의 공감을 이끌어 왔으며, 배우로서 쌓아온 경험을 토대로 자신만의 작품 세계를 구축해 나가고 있다.

시상식에서는 수상자들의 업적을 기리기 위한 핸드프린팅 행사도 진행됐다. 수상자들의 핸드프린팅은 동판으로 제작돼 서울 중구 명보아트홀 앞 광장에 설치되어 영구 보존될 예정이다.

뉴스컬처 노규민 pressgm@nc.press

[뉴스컬처 노규민 기자] 극동방송이 지난 70년간 이어온 복음 전파의 발자취를 돌아보고 새로운 도약을 다짐했다. 한국 기독교 성장의 산증인인 김장환 목사를 향한 감사와 격려부터 북한에 복음의 전파가 울려 퍼지기를 바라는 기대까지 담아 축하와 응원의 물결이 일었다.

16일 오전 11시30분 더그랜드롯데 서울 크리스탈볼룸에서 극동방송 창사 70주년 기념 오찬 리셉션이 열렸다. 김장환 목사(극동방송 이사장) 아들 김요셉 목사가 행사를 진행한 가운데 이명박 전 대통령, 오세훈 서울시장, 정동영 통일부 장관을 비롯한 정치계 인사들과 기독교인, 기업인 등 600여 명이 참석해 자리를 빛냈다.

이날 이명박 전 대통령은 "김장환 목사님 진심으로 축하드린다"며 축사를 전했다. 그는 "김장환 목사님은 과거 가난한 나라에서 방송을 시작해 오늘 날까지 이끌어 오셨다"며 "남북통일이 된다면 북한 방방곡곡에 극동방송을 전파할 수 있는 날이 올거라 믿는다"고 밝혔다. 

이어 "김장환 목사님을 내조한 트루디 여사에게 감사한 마음을 전하지 않을 수 없다. 가난한 나라의 가난한 청년을 뭘 보고 따라 오셨는지 모르겠다"고 농담을 섞어 말해 현장에 웃음꽃을 피웠다. 그러면서 트루디 여사의 건강을 기원하며 박수를 유도했다.

이명박 전 대통령은 "김장환 목사님 건강하시길 바란다. 남북통일이 되면 큰 역할을 할 수 있게 하나님께서 건강을 주시고, 극동방송을 축하해 주실거라 믿는다"고 말했다.

이어 오세훈 서울 시장이 축사를 이었다. 오세훈 시장은 "김장환 목사님 고생 많이 하셨다"라며 "기독교가 이정도로 성장할 수 있었던 것은 김장환 목사님 같은 1세대 목회자분들이 계셔서 가능했다. 어려운 시기 선교와 사역 활동을 해오신 목사님들이 전면에 계셨다. 감사하다"고 전했다.

또 오세운 시장은 "그동안 에너지가 떨어져 있을 때 김장환 목사님 기도를 받고 다시 힘을 얻었다. 멘토로서 늘 격려와 함께 쓴 소리도 마다하지 않으셨다"라며 "앞으로도 지금처럼 김장환 목사님이 건강하고 활기차게 사역 활동을 할 수 있으면 좋겠다"고 바랐다.

계속해서 밥 존스 대학교 명예총장 밥 존스 3세가 동문인 김장환 목사에게 복음전파 평생공로상을 직접 전달해 훈훈함을 안겼다.

행사는 황형택 목사의 오찬기도로 끝을 맺었다.

한편 오는 17일에는 한양대에서 극동방송 70주년 '홈커밍 데이'가 펼쳐진다. 전국 13개 지사 극동방송 청취자 및 다문화가정, 외국인 근로자 등 소외된 이웃과 함께하는 해당 행사에는 다양한 전시와 체험, 공개방송과 축하 공연 등이 마련된다.

당일 오후 4시부터 9시까지 노천극장에서 진행되는 공연에는 김장환 극동방송 이사장과 각별한 친분을 자랑하는 조영남이 속한 쎄시봉을 비롯해 뮤지컬과 트로트 무대를 종횡무진하는 차지연 등이 나선다.

특히 히트 작곡가 알고보니 혼수상태의 극동방송 70주년 헌정곡 '새 일을 행하시네'가 차지연의 가창을 통해 최초 공개 된다. 극동방송의 지난 70년을 함께하시며 방송을 통해 수많은 영혼에게 복음의 빛과 생명의 소망을 전하게 하신 하나님의 은혜를 담은 찬양곡이다.

뿐만아니라 700여 명의 극동방송 연합 어린이 합창단이 펼치는 수준 높은 종합예술 무대도 만날 수 있다.

1956년 12월 23일 인천 학익동에서 호출부호 HLKX로 첫 송출을 시작한 극동방송은 6·25전쟁 직후 열악한 환경 속에서 출발해 현재 2개 AM, 13개 FM, 14개 중계소를 보유한 대표적인 선교방송으로 자리매김했다.

이후 1973년 개국한 아세아방송(현 제주극동방송)과의 통합을 거쳐 민간방송 최대 출력인 250kW로 북한은 물론 중국, 러시아, 몽골 등 북방 공산권 전역에 복음과 자유민주주의, 희망의 메시지를 전하고 있다.

뉴스컬처 노규민 pressgm@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 갑자기 쓰러진 사람을 발견했을 때 주변 사람들이 망설이지 않고 심폐소생술을 시작하는 것은 환자의 생존 가능성을 높이는 중요한 요인이다. 응급의료진이 도착하기 전까지 현장에 있는 사람이 어떤 행동을 하느냐에 따라 결과가 달라질 수 있다. 심폐소생술 방법을 알고 있어도 잘못할까 봐 주저하는 경우가 있는 만큼 응급상황에서 바로 행동할 수 있도록 평소에 익혀 두는 일이 중요하다.

심폐소생술의 중요성을 되새기는 ‘세계 심장소생의 날’(World Restart a Heart Day)이 있다. 이날은 심정지 환자에게 목격자가 심폐소생술을 시행하는 비율을 높이고, 일반인도 생명을 살리는 응급처치에 참여할 수 있다는 사실을 알리기 위해 시작됐다. 유럽에서 2013년 관련 기념일을 운영한 데 이어 국제소생술연락위원회(ILCOR)가 2018년 세계적인 활동으로 확대했다. 매년 10월 16일을 중심으로 심폐소생술 교육과 홍보를 진행하며, 전문 의료인이 도착하기 전 주변 사람의 초기 대응이 중요하다는 점을 알린다.

국내 통계에서도 일반인 심폐소생술의 효과를 확인할 수 있다. 질병관리청의 2025년 상반기 급성심장정지조사에 따르면 일반인 심폐소생술 시행률은 32.9%(4500건)로, 전년 같은 기간의 30.2%보다 2.7%포인트 상승했다. 그러나 여전히 심정지 상황에서 일반인이 심폐소생술을 시행하는 비율은 3분의1 수준에 머물렀다.

일반인 심폐소생술 시행 여부에 따른 생존율 차이도 나타났다. 심폐소생술을 받은 환자의 생존율은 15.3%로, 시행하지 않은 환자의 5.6%보다 약 2.7배 높았다. 퇴원 후 일상생활이 가능할 정도로 뇌기능이 회복된 비율도 시행 환자는 11.5%, 미시행 환자는 3.3%로 약 3.5배 차이를 보였다. 심정지 환자를 발견한 주변 사람이 신속하게 대응하는 것이 생존뿐 아니라 회복 이후의 삶에도 영향을 미칠 수 있다는 의미다.

질병관리청은 ‘세계 심장소생의 날’을 맞아 심폐소생술의 중요성을 알리는 ‘가슴 뛰게 하는 4분’ 캠페인을 시작했다. 캠페인은 이날부터 한 달간 진행되며, 영상과 참여형 프로그램을 통해 심폐소생술에 대한 두려움을 줄이고, ‘누군가 하겠지’라는 생각 대신 자신이 먼저 행동하도록 독려할 계획이다. 캠페인의 핵심 메시지인 ‘가슴 뛰게 하는 4분’은 심정지 발생 후 초기 대응이 중요하다는 점을 강조하고, 누구나 위급한 순간에 생명을 살리는 행동을 시작할 수 있다는 점을 내포한다.

캠페인 영상은 질병관리청 유튜브 채널 ‘아프지마TV’에서 공개된다. 영상에는 실제 심정지를 겪은 뒤 주변 사람의 심폐소생술로 생명을 되찾은 코미디언 김수용이 출연한다. 심정지 환자가 발생한 긴박한 상황과 이를 목격한 사람들의 망설임을 보여주며, 초기 대응이 늦어지지 않도록 행동해야 한다는 메시지를 전한다.

국민이 직접 참여하는 프로그램도 이어진다. 길거리 인터뷰에서 심폐소생술을 망설이는 이유를 묻고 “만약 쓰러진 사람이 당신의 가족이라면?”이라는 질문을 통해 신속한 대응의 필요성을 환기한다. ‘심폐소생술 다짐 챌린지’는 심정지 환자를 발견하면 먼저 행동하겠다는 실천 의지를 나누는 방식으로 진행한다. 분야별 인플루언서와 함께하는 ‘4분의 기적’ 릴레이에서는 심폐소생술의 중요성과 올바른 시행 방법을 소개할 예정이다.

교육 콘텐츠에는 2025년 개정된 심폐소생술 가이드라인을 반영한다. 여성과 영유아 등 대상별 시행 방법과 주의사항을 다루고, 방송사와 협업한 프로그램에서는 일반인 심폐소생술 시행률이 상대적으로 낮은 지역을 찾아 관련 미션을 진행한다. 심폐소생술 방법을 익히는 것뿐 아니라 자동심장충격기(AED)를 찾고 사용하는 방법을 알아보는 등 실제 응급상황에 필요한 행동을 함께 알릴 계획이다.

심폐소생술은 심정지 환자의 심장과 뇌로 혈액이 흐르도록 돕는 응급처치다. 주변에서 사람이 쓰러졌다면 먼저 현장이 안전한지 확인하고 반응과 정상적인 호흡 여부를 살핀 뒤 119에 신고해야 한다. 성인이 갑자기 쓰러져 반응이 없고 정상적으로 호흡하지 않는다면 즉시 가슴압박을 시작하고, 주변 사람에게 자동심장충격기를 가져오도록 요청해야 한다. 자동심장충격기가 도착하면 전원을 켜고 음성 안내에 따라 사용해야 한다.

성인에게 시행하는 가슴압박은 가슴 중앙에 손을 포개고 분당 100~120회 속도로 강하고 일정하게 누르는 것이 기본이다. 영유아는 성인과 압박 방법이 다르고, 익수 등 일부 상황에서는 인공호흡을 포함한 심폐소생술이 중요할 수 있어 대상과 상황에 맞는 방법을 익혀 두는 것이 좋다. 정확한 방법을 배우는 것이 가장 좋지만 교육받지 않았다는 이유로 초기 대응을 포기하기보다는 119 신고와 응급상황 안내에 따라 신속하게 행동해야 한다.

김수용은 캠페인 참여 소감에서 “제가 다시 살아갈 수 있었던 것은 누군가 망설이지 않고 행동해 준 덕분”이라며 “심정지 환자를 발견했을 때 ‘누군가 하겠지’라는 생각보다 ‘내가 먼저’ 행동하는 것이 얼마나 중요한지 이번 캠페인을 통해 전하고 싶다”고 말했다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 김지연 기자] ‘전현무계획4’ 김장훈이 거침없는 아재 개그로 경주 먹트립을 웃음바다로 만든다. 맛집에서도 멈추지 않는 개그 본능에 전현무가 돌직구를 날리는가 하면, 강균성의 기상천외한 개인기와 곽튜브의 중재까지 더해져 네 사람의 유쾌한 먹방 여행이 펼쳐진다.

16일(오늘) 밤 9시 10분 방송되는 MBN·채널S ‘전현무계획4’ 16회에서는 전현무와 곽튜브(곽준빈)가 ‘먹친구’ 김장훈, 강균성과 함께 경주의 숨겨진 맛집을 찾아 나선다. 음식에 대한 솔직한 평가부터 예측 불허 입담, 진지한 인생 이야기까지 이어지며 특별한 먹트립을 완성할 예정이다.

이날 21년 전통을 자랑하는 국수 맛집을 찾은 김장훈은 음식 맛을 평가하는 순간에도 특유의 개그 감각을 발휘한다. 칼국수를 맛본 그는 “술이 들깨 (칼국수)!”라고 외친 데 이어 “10점 만점에 10점! 코마네치~”라며 만족감을 드러낸다. 전설적인 체조선수 나디아 코마네치를 활용한 말장난에 전현무는 “형! 그거 나만 웃어”라고 단호하게 반응한다.

하지만 김장훈은 이에 굴하지 않고 식당 사장님에게까지 웃음 코드를 전파한다. 비슷한 연배(?)의 사장님을 향해 “사장님도 아시죠?”라며 공감을 구하고, 사장님 역시 “요만한 애가 체조 뛰는 거 아니냐”고 맞장구를 친다. 그러자 김장훈은 “누나 식자야~. 배운 사람이야”라며 엄지를 치켜세워 현장을 웃음으로 물들인다.

다음 식당으로 이동하는 차 안에서는 강균성이 숨겨둔 개인기를 공개한다. 그는 “제가 국내 최초로 김장훈과 닭을 결합한 사람”이라고 자신 있게 소개한 뒤, 독특한 모창으로 분위기를 달군다. 자신의 모창에 웃음이 터지는 상황에서도 김장훈은 아랑곳하지 않고 “석쇠구이가 땡긴다”며 다음 음식에 대한 기대를 드러낸다.

놀랍게도 네 사람이 도착한 곳은 실제 석쇠구이 맛집이다. 메뉴 선정부터 남다른 예감을 보인 김장훈은 직접 식당 섭외에도 나서며 적극적인 모습을 보인다. 메뉴를 주문하는 과정에서도 개그 본능은 계속된다. “‘산채’로 주세요. 죽지 않은 채로. 아니면 알칼리채로 하나”라는 엉뚱한 말장난으로 또 한 번 웃음을 유발한다.

잠시 후 싱싱한 산채 나물과 간장게장, 연탄 불고기가 식탁을 가득 채우자 네 사람은 본격적인 먹방에 돌입한다. 맛있는 음식을 앞에 두고 식욕을 자극하는 먹방이 이어지지만, 대화는 뜻밖의 논쟁으로 번진다. 김장훈이 “혀의 부위별로 느끼는 맛이 다르다”고 미식에 관한 견해를 밝히자 전현무가 “대표적으로 틀린 이론”이라며 맞받아친 것.

좀처럼 좁혀지지 않는 두 사람의 ‘혀 논쟁’에 결국 곽튜브가 중재자로 나선다. 그는 “오늘은 장훈이 형이 맞는 걸로 하시라”며 전현무를 진정시켜 상황을 마무리한다. 곽튜브 특유의 눈치와 처세술이 빛을 발하는 순간이다.

유쾌한 먹방과 입담이 오간 뒤에는 김장훈의 진솔한 이야기도 공개된다. 전현무가 앞으로의 활동 계획을 묻자 김장훈은 “올해 전국투어를 30개 도시에서 했고, 앞으로 10개 도시에서 더 할 거다. 이 작은 나라에서 문화 소외 지역이 있는 건 말이 안 된다”고 자신의 소신을 전한다. 전국 곳곳을 찾아가 공연을 이어가려는 그의 뜻에 함께한 이들도 박수를 보내며 훈훈한 분위기를 더한다.

김장훈의 거침없는 아재 개그부터 강균성의 이색 모창, 전현무와의 유쾌한 논쟁, 그리고 음악을 향한 진심까지 다채로운 매력이 담긴 경주 먹트립. 네 사람이 발견한 석쇠구이 맛집의 정체와 웃음 속에 진정성을 더한 이야기는 16일(오늘) 밤 9시 10분 방송되는 MBN·채널S ‘전현무계획4’ 16회에서 확인할 수 있다.

뉴스컬처 김지연 starlife6@naver.com

[뉴스컬처 김지연 기자] ‘디스이즈 현무로드’ 김남길이 거침없는 액션 본능과 허를 찌르는 반전 허당미로 웃음을 선사한다. 집라인 앞에서도 여유를 잃지 않는 모습으로 시선을 사로잡지만, 예상치 못한 실수로 현장을 웃음바다로 만든다.

18일(일) 밤 10시 30분 방송되는 MBN 리얼 발품 로드 트립 ‘디스이즈 현무로드’ 5회에서는 일본 도쿠시마를 여행 중인 전현무, 이준, 김남길이 ‘일본 3대 비경’으로 불리는 계곡을 찾아 자연의 절경과 짜릿한 액티비티를 동시에 만끽하는 모습이 공개된다.

이날 세 사람은 울창한 숲과 웅장한 풍경이 어우러진 계곡에서 집라인 체험에 나선다. 숲을 가로지르는 아찔한 코스를 앞두고 긴장감이 감도는 가운데, 장비를 갖춘 전현무는 나무 판자로만 이어진 다리를 발견하고 당혹감을 감추지 못한다. 그는 “이걸 어떻게 건너 가?”라며 잔뜩 겁먹은 모습을 보여 웃음을 자아낸다.

반면 김남길은 전혀 다른 반응으로 눈길을 끈다. 전현무가 다리 앞에서 주저하는 사이 “그냥 가면 될 것 같은데?”라며 망설임 없이 발걸음을 옮긴 것. 이어 “갈게~”라고 여유롭게 외친 뒤 집라인에 몸을 맡겨 거침없이 질주하며 액션배우다운 면모를 뽐낸다. 그러나 멋진 활강을 마친 김남길은 착지 과정에서 신발이 벗겨지는 뜻밖의 상황을 맞닥뜨린다. 강렬한 카리스마 뒤에 숨겨진 허술한 모습이 드러나며 반전 매력을 더한다.

막내 이준도 온몸으로 비명을 지르면서 집라인 체험에 도전해 무사히 완주한다. 하지만 맏형 전현무에게는 출발부터 쉽지 않은 미션이다. 나무 판자 다리를 건너는 내내 “겁나 무서워”, “아이 창피해”를 연발하며 좀처럼 발을 떼지 못하는 것. 홀로 극한의 생존기를 방불케 하는 전현무의 모습에 동생들의 장난기도 발동한다.

특히 이준은 전현무를 향해 “착지할 때 다리 접어! 안 접으면 잘려요!”라며 겁을 줘 현장을 웃음바다로 만든다. 아슬아슬한 도전 속에서 세 사람의 장난과 티격태격하는 모습이 이어지며 ‘도쿠시마 삼형제’만의 유쾌한 호흡을 완성한다.

우여곡절 끝에 역동적인 집라인 체험을 마친 뒤에도 웃음은 멈추지 않는다. 땀에 흠뻑 젖은 동생들을 바라보던 전현무는 “씻고 싶지?”라고 물으며 자연스럽게 화제를 돌린다. 이어 같은 옷차림을 유지하고 있는 이준에게 “안 찝찝할 수가 없을 것 같다. 며칠 째냐?”라고 날카로운 질문을 던진다. 이에 이준은 별다른 고민 없이 “이틀?”이라고 답해 전현무를 단번에 제압한다.

김남길의 카리스마 넘치는 집라인 도전부터 허당미가 돋보이는 돌발 상황, 전현무와 이준의 쉴 틈 없는 입담까지. 일본 도쿠시마에서 펼쳐지는 세 사람의 특별한 여행과 유쾌한 케미는 18일(일) 밤 10시 30분 방송되는 MBN ‘디스이즈 현무로드’ 5회에서 확인할 수 있다.

뉴스컬처 김지연 starlife6@naver.com

[뉴스컬처 이준섭 기자] 인간의 의식을 디지털 공간으로 옮겨 영원히 살아갈 수 있는 시대. 죽음이 더 이상 삶의 마지막이 아니라면, 인간을 인간답게 만드는 것은 무엇일까. SF연극 ‘여름의 미래’는 의식 업로드 기술이 실현된 미래를 통해 생존의 연장과 삶의 의미가 반드시 일치하지는 않는다는 사실을 짚는다. 영원한 생명을 약속하는 기술보다 그 안에서도 해결되지 않는 관계와 상실의 문제가 작품을 관통한다.

배경은 2062년이다. 사계절이 사라진 미래, 사람들은 자신의 의식을 가상세계 ‘낙원’에 업로드해 새로운 삶을 이어갈 수 있다. 현실에서 불가능했던 일을 실현하고 고통과 슬픔 없이 영원히 살아갈 수 있다는 낙원은 인류가 꿈꿔온 유토피아처럼 보인다. 그러나 모든 사람이 같은 미래를 선택하지는 않는다. 낙원에서 새로운 삶을 시작하려는 이들이 있는가 하면, 현실에 남기를 택하는 이들도 있다.

이러한 선택의 차이는 작품을 미래 기술에 대한 상상에서 인간의 가치관을 살피는 이야기로 확장한다. 기술은 인간에게 새로운 가능성을 제공하지만, 무엇을 가치 있는 삶으로 받아들일지는 대신 결정하지 못한다. 영원히 존재할 수 있다는 조건이 주어져도 현실에서 이어온 관계와 삶의 방식을 포기할 것인지는 각자의 몫으로 남는다. ‘여름의 미래’는 기술의 발전이 인간의 선택까지 하나로 바꾸지는 못한다는 사실을 인물들의 결정을 통해 드러낸다.

의식 업로드라는 설정에서 중요한 것은 생명의 연장 자체보다 그 과정에서 달라지는 삶의 의미다. 디지털 공간에 의식을 보존하는 일이 가능해지면 인간의 존재를 기술적으로 지속할 수는 있다. 그러나 존재의 지속이 곧 관계의 지속을 보장하지는 않는다. 한 사람의 삶은 개인의 의식만으로 완성되지 않으며, 타인과 함께한 시간과 서로에게 남긴 흔적을 통해서도 이어지기 때문이다.

작품이 주목하는 기억은 이 차이를 드러낸다. 디지털 기술은 기록을 저장하고 재현할 수 있지만, 기록된 정보와 누군가의 삶을 이해하는 일은 같지 않다. 기억에는 사실뿐 아니라 관계 속에서 형성된 감정과 경험이 담긴다. 무엇을 보존할 수 있는가라는 기술적 문제는 무엇이 한 사람을 오래 기억하게 만드는가라는 인간적인 문제로 확장된다.

여기서 가상세계 ‘낙원’은 완벽한 미래를 상징하면서도 현실의 삶을 되돌아보게 하는 공간이다. 고통과 슬픔을 없앤 영원한 삶이 가능하다는 설정은 오히려 상실을 경험하고 관계를 맺으며 살아가는 현실의 의미를 부각한다. 작품은 가상세계와 현실 가운데 어느 한쪽을 정답으로 제시하기보다, 서로 다른 삶의 선택이 지닌 의미를 살핀다.

영원을 향한 인간의 욕망을 바라보는 시선도 담겨 있다. 죽음을 극복하려는 시도는 사랑하는 사람과의 이별을 피하고 삶의 시간을 연장하려는 바람과 맞닿아 있다. 그러나 영원히 존재하는 것이 반드시 충만한 삶을 뜻하지는 않는다. 삶의 의미는 얼마나 오래 지속되는가뿐 아니라 누구와 시간을 나누고 서로에게 어떤 영향을 남겼는가에서도 비롯된다. ‘여름의 미래’는 영생을 실현한 세계를 통해 인간이 끝없이 연장하려는 생명과 실제로 소중하게 여기는 삶 사이의 차이를 돌아보게 한다.

2026년 공연은 ‘기억의 조각’을 중심으로 이야기를 바라볼 수 있도록 구성을 새롭게 다듬었다. 2022년 초연과 2024년 재공연에 이어 제11회 SF연극제 선정작으로 돌아온 작품은 기존 세계관을 보완하고, 현재와 미래를 오가는 서사 속에서 인물들의 기억을 마주하도록 했다. 기술이 인간의 삶을 어디까지 바꿀 수 있는지를 설명하는 데 그치지 않고, 그 변화 속에서도 남는 인간관계를 부각하는 방향이다.

작품의 문제의식은 디지털 기록이 일상화된 현재와도 맞닿아 있다. 사진과 영상, 온라인 기록을 통해 개인의 흔적을 남기는 일이 익숙해졌고, 기술은 과거를 보존하는 방식을 계속 확장하고 있다. 하지만 기록이 많아질수록 한 사람을 더 잘 기억하게 되는 것은 아니다. 기록의 보존과 삶의 이해 사이에는 여전히 차이가 존재한다. 기술이 기억을 저장할 수 있는 시대에도 무엇을 소중하게 간직할 것인지는 인간에게 남겨진 문제다.

‘여름의 미래’가 바라보는 미래는 결국 기술이 인간을 죽음으로부터 얼마나 멀리 데려갈 수 있는가에 관한 이야기만은 아니다. 영원한 생명이 현실이 되더라도 타인과 맺는 관계, 함께한 시간의 가치, 부재한 사람을 기억하는 방식은 여전히 인간의 몫으로 남는다. 작품은 미래 사회의 가상세계를 빌려 오늘의 삶을 되짚으며, 오래 존재하는 것보다 서로의 삶에 어떤 흔적을 남기는지가 인간의 시간을 이해하는 중요한 기준임을 전한다.

‘여름의 미래’는 10월 28일부터 11월 1일까지 서울 소극장 혜화당에서 공연한다. 한우림, 성지예, 이시윤, 박현진, 신수언, 배서진이 출연한다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 김지연 기자] ‘끝까지 간다! 독박투어’ 김준호가 백두산 온천에서 예상치 못한 ‘둘째 예약’ 발언을 듣고 당황한다. 

17일(토) 밤 9시 방송되는 E채널·채널S ‘끝까지 간다! 독박투어’ 20회에서는 중국 연길을 찾은 김대희, 김준호, 장동민, 유세윤, 홍인규가 백두산 천지 방문을 하루 앞두고 럭셔리한 온천 호텔에서 여유로운 시간을 보내는 모습이 공개된다.

이날 독박즈는 백두산 자작나무 숲에 둘러싸인 여행 2일 차 숙소에 도착한다. 기대를 뛰어넘는 고급스러운 외관과 깔끔한 시설에 멤버들은 감탄을 쏟아낸다. 숙소 예약을 담당한 장동민은 “여기만 100% 백두산 천연 온천수로 온천을 하는 곳!”이라며 호텔의 특별한 매력을 소개한다.

곧이어 실내 온천탕에 들어간 독박즈는 온천수의 뛰어난 수질에 만족감을 드러낸다. 멤버들은 “물이 진짜 좋다”, “피부가 미끌미끌해진다”며 연신 감탄한다. 특히 홍인규는 “나중에 가족들과 꼭 다시 오고 싶다”고 말해 남다른 가족 사랑을 드러내고, 이를 들은 멤버들도 공감하며 훈훈한 분위기를 이어간다.

실내 온천으로 몸을 푼 독박즈는 본격적인 야외 온천 체험에 나선다. 탁 트인 대자연을 배경으로 여러 온천탕이 펼쳐지자 멤버들은 다시 한번 놀라움을 감추지 못한다. 장동민은 “백두산 화산 열로 지하수가 끓으면서 생긴 게 바로 이 온천수”라고 설명한 뒤 “백두산이 정기가 어마어마한 산이다. 다 같이 정기 받자”라고 외치며 분위기를 끌어올린다.

그러자 유세윤이 엉뚱한 방향으로 대화를 이끈다. 백두산의 좋은 기운을 받으면 김준호의 둘째가 생기는 것 아니냐며 갑작스럽게 출산 기원에 나선 것. 뜻밖의 화제에 김준호는 당황한 기색을 보이며 “지금 (첫째 ‘두릅이’를) 임신 중인데, 둘째를 가질 수가 있어?”라고 되묻는다. 이에 유세윤은 “아하~, 그럼 둘째는 우선 예약!”이라고 재치 있게 수습해 현장을 웃음으로 물들인다.

온천 호텔을 향한 독박즈의 칭찬은 계속된다. 장동민은 “만약 여기가 다른 나라였으면 스위트룸 기준으로 가격이 200만 원은 넘었을 걸?”이라며 숙소의 가치를 높이 평가한다. 홍인규 역시 “나도 최근 생일에 160만 원 상당의 호텔 스위트룸 이용권을 선물 받았는데 여기가 가성비로는 훨씬 더 좋다”고 거들며 만족감을 드러낸다.

온천을 즐기며 모처럼 여유를 만끽한 독박즈는 다음 날 예정된 백두산 천지 방문에 대한 기대감도 감추지 않는다. 멤버들은 “내일 백두산 천지만 제대로 보면 이번 여행은 최고의 여행이 될 것 같다”며 설레는 마음을 나눈다.

과연 백두산 온천에서 자연의 기운을 듬뿍 받은 독박즈가 ‘3대가 덕을 쌓아야 볼 수 있다’고 알려진 백두산 천지의 장엄한 풍경을 마주할 수 있을까. 김준호의 둘째를 둘러싼 유쾌한 입담과 독박즈의 백두산 여행기는 17일(토) 밤 9시 방송되는 E채널·채널S ‘끝까지 간다! 독박투어’ 20회에서 확인할 수 있다.

한편 김준호는 지난 해 개그우먼 김지민과 결혼했으며, 올해 봄 2세 '두릅이' 임신 소식을 전해 팬들의 축하를 받았다. 두 사람의 아이는 내년 초 태어날 예정이다.

뉴스컬처 김지연 starlife6@naver.com

[뉴스컬처 권수빈 기자] 구로공단의 공장과 영등포의 제조업 시설, 목동의 신시가지, 테헤란로의 업무용 빌딩은 서울 남부의 도시화 과정을 보여주는 곳들이다. 오늘날 강남으로 묶이는 지역도 처음부터 아파트와 상업시설이 밀집한 도시는 아니었다. 산업화와 주거지 개발, 도로와 교통망 확충이 이어지면서 지역마다 서로 다른 기능과 풍경이 만들어졌다.

서울역사편찬원은 16일 역사학자와 시민이 함께 서울의 역사를 답사하고 기록한 ‘서울역사답사기’ 제10권 ‘강남의 역사와 사람들’을 발간했다. 책은 2025년 ‘서울역사문화답사’에서 탐방한 구로동·가산동, 영등포·문래동, 대방동, 목동, 반포동·잠원동, 논현동·역삼동, 양재동 등 한강 이남 7개 지역을 다룬다. 산업과 노동, 주거와 교통, 상업·업무지구의 형성 과정을 지역별로 짚었다.

불과 반세기 사이 크게 달라진 도시의 모습에 주목한다. 과거 논과 밭이 펼쳐졌던 지역에는 도로와 아파트 단지, 상업시설과 업무용 빌딩이 들어섰다. 하지만 모든 지역이 같은 경로를 거쳐 지금의 모습에 이른 것은 아니다. 공업지대에서 첨단산업 공간으로 바뀐 곳이 있는가 하면 군사시설이 밀집했던 지역과 대규모 주거지로 개발된 곳도 있다. 책은 각 지역의 변화를 따라가며 오늘날 서울 남부가 형성된 과정을 살핀다.

구로동과 가산동은 한국의 수출산업이 성장한 역사를 간직한 곳이다. 구로공단이 조성되면서 의류와 가발, 전자부품 등을 생산하는 공장이 들어섰고, 전국 각지에서 일자리를 찾아온 노동자들이 모였다. 한때 구로공단은 우리나라 전체 수출액의 10%를 담당할 만큼 수출산업의 핵심 거점이었다. 이후 산업구조가 바뀌면서 노동집약적 제조업이 쇠퇴하고 공장들이 이전했다. 지금은 첨단산업과 업무시설이 들어선 공간으로 변했지만 산업화 시기의 노동과 생산을 보여주는 흔적이 곳곳에 남아 있다.

영등포와 문래동에서도 서울의 산업 변화를 확인할 수 있다. 경인선과 경부선이 영등포역을 지나면서 공업화의 기반이 형성됐고, 피혁과 방직, 맥주 등 다양한 산업시설이 자리 잡았다. 1980년대 이후 대규모 공장이 이전한 자리에는 아파트와 공원, 상업시설이 들어섰다. 문래동 철공소 골목에는 2000년대 이후 예술가들이 모여들면서 문래창작촌이 형성됐다.

대방동은 산업이나 주거 개발과는 다른 경로로 변화한 지역이다. 6·25전쟁 직후부터 1990년대 초까지 공군본부와 해군본부, 해병대사령부 등이 자리해 군사적 거점 역할을 했다. 군부대가 이전한 뒤에는 아파트와 공원이 들어섰지만 공군기념탑과 옛 지하벙커 등 과거의 흔적이 남아 있다.

목동은 대규모 도시개발이 주거환경과 주민의 삶을 어떻게 바꿨는지 보여준다. 1980년대 초 개발이 본격화하면서 주거지와 상업·업무시설, 학교, 녹지와 기반시설을 갖춘 신시가지가 조성됐다. 서울시 최초의 공영개발 방식이 적용됐지만 개발 과정에서 원주민 철거와 보상을 둘러싼 갈등도 발생했다.

반포동과 잠원동은 강남의 주거지 형성과 교통망 확충이 맞물린 사례다. 강변도로와 경부고속도로 건설을 계기로 개발이 본격화했고, 아파트 단지와 학교, 상가가 들어서면서 대규모 주거지역으로 성장했다. 강남고속버스터미널이 들어선 뒤에는 전국 각지에서 서울로 들어오는 교통의 거점이라는 성격도 더해졌다. 농경지와 모래밭이었던 지역이 주거와 교통의 중심지로 변한 과정을 통해 강남 개발의 한 단면을 살펴볼 수 있다.

논현동과 역삼동에서는 도로를 중심으로 계획된 도시 공간이 상업·업무지구로 발전한 과정을 따라간다. 1970년대부터 넓은 간선도로와 대규모 필지가 조성됐고, 주변에는 고급 가구점과 호텔, 금융기관 등이 들어섰다. 이후 테헤란로를 중심으로 벤처기업과 정보기술(IT) 업체, 대기업 본사가 모이면서 강남의 업무 기능이 확대됐다. 현재 강남을 대표하는 상업·업무지구 역시 도로와 토지 이용 계획, 산업 변화가 맞물려 형성된 결과다.

양재동의 역사는 서울의 관문이라는 역할과 맞닿아 있다. 조선시대에는 한양을 오가는 사람들이 쉬어 가던 역원이 있었고, 이후 경부고속도로가 건설되면서 교통의 요지로 다시 주목받았다. 양재시민의숲은 도시 속 녹지공간으로 자리 잡았으며, 삼풍백화점 참사 희생자 위령탑과 우면산 산사태 희생자 추모비도 이 지역에 있다. 도시의 발전과 함께 현대사의 사건을 기억하는 공간이 형성됐다는 점에서 다른 지역과 구별된다.

이처럼 강남의 변천사를 살펴보면 오늘날의 도시가 어떤 과정을 거쳐 만들어졌는지 이해할 수 있다. 산업단지의 조성과 제조업의 성장, 군사시설의 이전, 아파트 단지와 업무지구의 형성은 서로 다른 지역에서 진행됐지만 서울의 도시 구조를 바꾼 주요한 흐름이었다. 개발로 달라진 풍경뿐 아니라 그 과정에서 사라진 공간과 주민들의 경험까지 함께 살피면 현재의 도시를 입체적으로 이해할 수 있다.

서울역사편찬원은 2004년부터 역사학자와 시민이 함께하는 답사 프로그램을 운영하고 그 결과를 ‘서울역사답사기’ 시리즈로 발간해 왔다. 제10권 ‘강남의 역사와 사람들’은 서울역사편찬원 누리집에서 전자책으로 무료 열람할 수 있다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 가을 억새는 바람이 불 때마다 줄기와 이삭이 한 방향으로 기울었다가 다시 몸을 세운다. 햇빛을 받은 억새는 은빛으로 반짝이고, 해가 기울면 주변과 어우러져 또 다른 풍광을 만든다. 넓게 펼쳐진 억새 군락 사이를 걷는 일은 바쁜 일상에서 잠시 벗어나 가을 풍경을 천천히 바라보는 시간이 되기도 한다.

서울시 서부공원여가센터는 17일부터 23일까지 7일간 월드컵공원 하늘공원 일대에서 ‘제25회 서울억새축제’를 개최한다. 올해 주제는 ‘억새, 자연이 건네는 위로’다. 억새와 가을 식물, 빛과 음악을 활용한 정원과 야간 프로그램을 비롯해 공연, 체험, 자원순환 마켓 등을 운영한다.

하늘공원이 자리한 난지도는 한때 서울에서 발생한 쓰레기를 매립하던 곳이었다. 1993년 매립이 끝난 뒤 생태복원 과정을 거쳐 2002년 월드컵공원으로 조성됐으며, 같은 해 시작된 ‘서울억새축제’가 올해 25회째를 맞았다. 쓰레기 매립지에서 시민들이 자연을 즐기는 공원으로 바뀐 공간에서 축제가 이어져 왔다는 점은 하늘공원의 변화를 보여주는 대목이다.

올해 축제에서 눈여겨볼 프로그램은 ‘오감정원’이다. 소원과 휴식, 위로, 희망을 주제로 한 네 공간을 따라 억새밭을 감상하고 각 정원에 머무른다. 메시지를 남기거나 책을 읽고, 조명과 식물이 어우러진 풍경을 즐길 수도 있다. ‘소원의 정원’에서는 시민들이 자신의 소망이나 메시지를 직접 남긴다. ‘휴식의 정원’은 북키트와 캠핑 콘셉트의 휴게시설을 갖춘 공간으로, 억새를 바라보며 책을 읽거나 잠시 쉬어 가는 곳이다. ‘위로의 정원’은 ‘달빛을 품은 둥지’를 중심으로 붉게 물든 댑싸리와 억새가 어우러진 풍경을 조성한다. ‘희망의 정원’은 기존 억새말 조형물에 야간 조명을 더해 밤에도 사진을 남길 수 있도록 꾸민다.

해가 진 뒤에는 억새밭의 조명과 음악을 결합한 ‘라이팅쇼’가 이어진다. 축제 기간 매일 오후 7시부터 8시 30분까지 30분 간격으로 진행하며, 낮에 보던 억새와 기존 조형물을 빛으로 새롭게 표현한다. 축제 첫날인 17일 오후 6시에는 개막식과 축하공연도 열린다.

억새밭 곳곳에는 사진을 남길 수 있는 포토존과 소원존이 들어선다. 서울의 상징 캐릭터인 ‘해치와 소울프렌즈’ 아트벌룬도 설치한다. 중앙 무대에서는 축제 기간 오후 2시부터 5시 30분까지 발라드와 재즈, K-POP, 밴드음악 등 여러 장르의 버스킹 공연이 펼쳐진다. 개막일에는 오후 1시부터 공연을 시작하며, 18일에는 오전 11시 30분 서울신문과 함께하는 K-POP 커버댄스 공연, 낮 12시 30분 랜덤플레이 댄스가 예정돼 있다.

자원순환을 주제로 한 ‘리본(Re-born) 마켓’도 열린다. 축제 기간 오후 2시 30분부터 6시 30분까지 열리는 마켓에는 친환경·제로웨이스트 가드닝 제품과 억새를 비롯한 자연물을 소재로 한 상품이 판매된다. 버려지는 물건에 새로운 쓰임을 더하는 16개 셀러 팀이 참여한다. 공원의 생태적 의미를 축제 현장의 소비와 실천으로 연결한다.

정원과 공원을 직접 살펴보는 프로그램도 기다린다. 김장훈 정원사와 함께 2023 국제정원박람회 존치정원과 억새축제장을 둘러보는 해설 프로그램 ‘정원, 시간을 걷다’가 진행된다. 집에서 쓰지 않는 머그컵을 새활용해 분갈이 용기로 활용하는 ‘머그컵의 재발견’을 비롯해 ‘하늘 억새 꽃다발 만들기’, ‘공병 정원 만들기’, ‘독서 우드링 만들기’ 등 자연과 자원순환을 주제로 한 체험도 참여할 수 있다. 억새에 기생하는 식물인 ‘야고’를 찾아보는 프로그램도 있다.

공원사진사가 축제 현장에서 찍은 사진을 인화해 주는 ‘서울억새축제 사진인화소’도 운영한다. 공원 해설 프로그램 ‘억새축제에 나타난 꾀붕카’와 공원 건강 프로그램 ‘억새 속 싱잉볼 명상’은 일반 체험 부스와 별도 일정으로 진행된다. 프로그램마다 운영 시간과 예약 방법이 다르며, 사전 예약은 10월 12일 오전 10시부터 선착순으로 접수한다.

올해 축제는 억새를 배경으로 사진을 찍고 공연을 보는 데서 나아가 정원에 머물고, 자연물을 활용한 활동에 참여하며, 밤의 풍경까지 경험하도록 구성됐다. 억새밭을 걷고 정원에 머문 기억, 빛과 음악이 어우러진 밤의 풍경, 직접 만든 소품과 사진은 방문객마다 다른 가을의 기록으로 남는다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] '믿고 뛰는 밴드' 드래곤포니(Dragon Pony)가 짙은 가을 감성을 품은 첫 콘셉트 포토 공개와 함께 본격적인 컴백 카운트다운에 돌입했다.

16일 안테나 측은 공식 SNS를 통해 드래곤포니(안태규, 권세혁, 고강훈) 새 싱글 'Calling back(콜링 백)'의 첫 번째 콘셉트 포토를 오픈하며, 오는 11월 5일 신보 발매를 향한 본격적인 예열에 나섰다.

이번 신보는 지난 3월 발매한 세 번째 EP 'RUN RUN RUN(런런런)' 이후 약 8개월 만에 선보이는 작품이다. 앞서 에너제틱한 밴드 사운드의 전작으로 국내외 페스티벌을 휩쓸고, 지난 6월 일본 첫 EP 'Run to Run' 발매와 현지 단독 투어까지 성료하며 글로벌 입지를 다진 이들이 새롭게 꺼내놓는 결과물이다.

이번 싱글 역시 멤버 전원이 메인 프로듀서로 나서 전곡 작사, 작곡, 편곡을 도맡았다. 자신들만의 이야기와 감정을 솔직하게 풀어내며 '셀프 프로듀싱 밴드'로서의 차별화된 역량과 굳건한 음악적 정체성을 다시 한번 증명할 예정이다.

카운트다운 돌입과 함께 베일을 벗은 티징 콘텐츠는 신보가 품은 서정적인 감정선을 시각적으로 대변한다. 앞서 오픈된 컴백 포스터가 빛바랜 질감 위로 물감이 번진 듯한 아련한 무드를 연출했다면, 이날 공개된 콘셉트 포토는 레더 재킷과 체크 셔츠 스타일링을 통해 성숙해진 청춘의 얼굴을 입체적으로 묘사했다.

짙은 가을 감성과 절제된 시크함이 돋보이는 비주얼 변신은 이들이 솔직하게 풀어낼 깊이 있는 밴드 사운드와 차별화된 감성을 한껏 기대케 한다.

한편 드래곤포니는 오는 11월 5일 오후 싱글 'Calling back'을 발매한 뒤, 12월 5~6일 서울 블루스퀘어 우리WON뱅킹홀에서 단독 콘서트 '2026 Dragon Pony Concert '을 개최하며 팬들과 만난다. 

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 그룹 플레이브(PLAVE)가 신보 ‘HYPERDRIVE’를 통해 음악과 세계관의 변화를 선보였다. 글로벌 K-POP 팬덤 플랫폼 아이도키(idoki)의 ‘10월 1~3주차 컴백 테마투표’에서 1위를 차지한 데 이어, 새 앨범으로 장르적 도전과 스토리텔링을 함께 내세웠다.

플레이브는 지난 12일 오후 6시 다섯 번째 미니앨범 ‘HYPERDRIVE’를 디지털 음원으로 공개했다. 피지컬 앨범은 13일 발매됐다. 지난 4월 발표한 ‘Caligo Pt.2’ 이후 약 6개월 만에 선보인 신보다.

앨범 변화를 대표하는 곡은 타이틀곡 ‘Star Trace’다. 플레이브가 처음 시도한 EDM 기반 댄스팝으로, 신시사이저 사운드와 묵직한 비트가 강렬한 인상을 남긴다. 멤버들의 보컬은 전자음과 어우러지며 곡의 에너지를 끌어올린다.

신곡에는 아스테룸(ASTERUM)과 테라(지구)를 잇는 사랑과 신뢰가 담겼다. 월드투어 무대에서 먼저 공개된 곡으로, 플레이브가 구축해 온 세계관을 음악으로 이어간다. 레이싱카 엔진을 연상시키는 비트와 역동적인 퍼포먼스는 속도감 있는 곡의 분위기를 살린다. 뮤직비디오와 챌린지 영상에서도 트랙을 질주하는 멤버들의 모습을 앞세워 타이틀곡의 이미지를 시각적으로 표현했다.

레이싱 콘셉트도 눈길을 끈다. 멤버들은 레이싱 수트를 입고 트랙 위에 등장하며, 컨셉 필름과 비주얼 샘플러에는 질주와 속도를 강조한 이미지를 담았다. 하이라이트 메들리는 레이싱 게임의 인터페이스를 연상시키는 방식으로 구성해 음악을 미리 듣는 과정에도 콘셉트를 반영했다.

수록곡은 ‘꾼(GGUN)’, ‘푸른 하늘에 단비(Sweet Rain)’, ‘Star Trace’, ‘The Answer Is Yes’, ‘Rewind’ 등 총 5곡이다. 보사노바와 록, EDM 댄스팝, 업비트 팝, R&B를 아우르며 한 장르에 머물지 않는 구성을 택했다. 타이틀곡의 강렬한 사운드와 다른 색채의 곡들을 함께 배치해 앨범의 음악적 범위를 넓혔다.

마지막 트랙 ‘Rewind’는 제작 방식에서도 새로운 시도다. 자체 프로듀싱을 이어온 플레이브가 처음으로 외부 작곡가와 협업한 곡으로, 켄지(KENZIE)와 KZLAB이 참여했다. 그룹의 자체 제작 역량을 유지하면서 외부 창작진과의 작업으로 음악적 가능성을 넓혔다는 점에서 눈길을 끈다.

‘HYPERDRIVE’는 세계관을 이어가는 서사에 새로운 장르와 제작 방식을 더한 앨범이다. EDM을 앞세운 타이틀곡부터 여러 장르를 담은 수록곡, 레이싱 콘셉트의 영상까지 음악과 비주얼을 함께 설계했다. 플레이브는 기존에 구축한 정체성을 바탕으로 새로운 사운드와 표현 방식을 시도했다.

한편 아이도키는 플레이브를 비롯한 글로벌 K-POP 아티스트를 대상으로 팬 투표와 보상 프로그램을 운영하고 있다. 팬들의 응원과 참여를 아티스트 지원으로 연결하는 플랫폼을 지향하며 글로벌 팬덤과 아티스트의 소통을 지원하고 있다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 2027학년도 대학수학능력시험이 한 달여 앞으로 다가왔다. 수험생마다 자신에게 맞는 공부법에 맞춰 막바지 집중력을 발휘할 시기다. 계획표를 세우고 문제 풀이에 집중하는 요즘과 달리 조선시대 선비들은 어떤 방식으로 책을 읽고 학문을 익혔을까.

국립중앙도서관은 16일 수험생을 격려하고 선인들의 학문적 경험을 전하기 위해 조선시대 공부법을 다룬 영상을 공개했다. 영상은 도서관이 발간한 ‘국역 와운옹문견수기’를 토대로 제작했으며, 인공지능(AI) 기술을 활용해 문헌 속 인물과 일화를 구현했다.

바탕이 된 ‘와운옹문견수기’는 조선 후기 학자 홍지섭(1754~1822)이 후손을 교육하기 위해 선인들의 행적과 일화를 모아 기록한 책이다. 국립중앙도서관은 고문헌을 현대 독자들이 읽을 수 있도록 번역하는 ‘한국고문헌국역총서 발간 사업’의 일환으로 2025년 ‘국역 와운옹문견수기’를 출간했다.

영상은 책에 기록된 여러 인물 가운데 권집, 이일제, 이광윤, 이광려 네 사람의 공부법을 다룬다. AI를 활용해 고문헌 속 인물과 이야기를 시각화하고, 각자가 학문에 임한 방식을 소개한다.

권집은 글을 완성한 뒤에도 선배들의 검토를 거쳐 끊임없이 수정하는 방식을 선호했다. 지적과 비평을 받아들여 고칠 부분을 보완하고, 더는 수정할 곳이 나오지 않을 때까지 글을 다듬었다. 이일제는 시의 내용뿐 아니라 작가와 제목까지 통째로 기억했다. 이렇게 축적한 지식을 바탕으로 글을 쓸 때 필요한 구절을 곧바로 떠올리고, 상황에 맞는 문장을 막힘없이 구사할 수 있었다.

조선 후기 강화학파의 중심인물이자 홍지섭의 어린 시절 스승이었던 이광윤과 이광려 형제의 방법도 눈길이 간다. 형 이광윤은 한 권의 책을 정하면 다른 책으로 관심을 돌리지 않고 처음부터 끝까지 읽는 완독을 중시했다. 동생 이광려는 책의 내용뿐 아니라 출처까지 꼼꼼하게 확인하는 정독을 강조했다. 글에 담긴 지식이 어디에서 비롯됐는지 살피고, 주장과 근거를 깊이 분석하는 독서법이다.

한 사람은 책 한 권을 온전히 읽어 전체 구조를 이해하고, 다른 한 사람은 내용과 출처를 세밀하게 따져 지식의 근거를 확인했다. 두 형제의 사례는 책을 읽는 데에도 여러 접근법이 있음을 보여준다.

수능을 앞둔 시기에는 공부량과 문제 풀이 속도에 관심이 쏠리기 쉽다. 하지만 학습한 내용을 제대로 이해하고 정리하는 일 역시 중요하다. 책 한 권을 끝까지 읽으며 전체 흐름을 파악하거나 핵심 내용과 근거를 꼼꼼히 확인하는 방식은 지금의 공부에서도 생각해 볼 만한 지점이다. 과목과 학습 목표에 따라 각자의 방법이 다르지만 자신에게 맞는 읽기와 이해의 방식을 점검하는 기회로 삼을 수 있다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 한국 콘텐츠산업의 해외 성적표가 달라지고 있다. 수출 규모는 커졌지만 모든 업종이 함께 성장한 것은 아니다. 게임산업이 여전히 전체 수출의 절반 가까이를 차지하는 가운데 음악과 콘텐츠솔루션이 성장세를 보였고, 방송·영상과 지식정보산업은 감소했다. 지역별로는 오랫동안 높은 비중을 차지해 온 아시아 수출이 줄어든 반면 북미와 유럽의 실적이 개선됐다.

17일 한국문화관광연구원이 발표한 '콘텐츠산업 동향 인덱스(콘텐츠 분야 서비스 무역-상반기)'에 따르면 2026년 상반기 콘텐츠산업 서비스 수출액은 58억3960만달러로 전년 동기보다 2.0% 증가했다. 총액만 보면 성장세가 이어진 셈이다. 그러나 업종과 시장을 나눠 살펴보면 산업 내부의 온도 차가 뚜렷하다. 수출 증가율보다 중요한 것은 어떤 업종과 시장이 성장을 이끌었으며, 기존 수출 구조가 얼마나 달라지고 있는지다.

■게임에 집중된 수출 구조, 다른 업종이 넓히는 활로

한국 콘텐츠산업의 해외 실적은 여전히 게임산업의 영향력이 크다. 상반기 게임 수출은 28억4940만달러로 전체의 48.8%를 차지했다. 전년 동기보다 1.1% 감소했지만, 전체 수출에서 차지하는 비중은 여전히 가장 높다. 게임산업의 실적이 전체 수출 성적에 상당한 영향을 미치는 구조가 유지되고 있다.

다만 장기 통계에서는 변화도 확인된다. 게임 수출 비중은 2020년 61.0%에서 2023년 47.3%까지 낮아졌다. 이후 2024년 50.1%로 높아졌다가 2025년 49.3%, 2026년 상반기 48.8%를 기록했다. 매년 일관되게 하락한 것은 아니지만, 과거보다 특정 업종에 집중된 정도가 낮아진 모습이다. 그렇다고 게임 의존이 해소됐다고 평가하기에는 아직 이르다.

다른 업종의 성장세는 수출 구성이 달라질 가능성을 보여준다. 음악산업의 상반기 수출액은 8억3230만달러로 전년 동기보다 15.2% 늘었다. 전체 수출에서 차지하는 비중도 14.3%로 높아졌다. 2020년 5억880만달러였던 음악 수출은 2025년 15억4820만달러까지 증가했다. 음악이 콘텐츠산업의 주요 수출 분야로 자리 잡아 가는 모습이다.

콘텐츠솔루션산업은 더 높은 증가율을 기록했다. 상반기 수출액은 5억4940만달러로 전년 동기보다 54.3% 늘었고, 전체 수출 비중도 9.4%로 확대됐다. 광고와 영화, 애니메이션산업 수출도 증가했다. 반면 방송·영상산업은 9.9%, 지식정보산업은 33.3%, 만화산업은 21.7% 감소했다.

업종별 실적의 차이는 콘텐츠산업을 하나의 수출 상품처럼 묶어 평가하기 어렵다는 점을 보여준다. 음악과 콘텐츠솔루션의 성장이 전체 실적을 뒷받침했지만, 게임과 방송·영상 등 주요 분야의 부진도 동시에 나타났다. 산업 전체 수출이 2.0% 증가했다는 사실만으로 개별 업종의 경쟁력이 함께 높아졌다고 판단할 수 없는 이유다.

■아시아 비중 줄고 북미·유럽 확대…시장이 달라지고 있다

수출 지형에서도 변화가 나타났다. 상반기 아시아 수출은 28억1610만달러로 전년 동기보다 17.3% 감소했다. 전체 수출에서 차지하는 비중은 59.5%에서 48.2%로 낮아졌다. 여전히 가장 큰 수출 권역이지만, 전체 실적에서 아시아가 차지하는 무게는 이전보다 줄었다.

반면 북미 수출은 18억1240만달러로 22.1% 증가했고, 유럽은 11억3850만달러로 47.0% 늘었다. 북미 비중은 31.0%, 유럽 비중은 19.5%까지 높아졌다. 아시아 수출 감소분을 북미와 유럽의 증가분이 보완하면서 전체 수출은 소폭이나마 성장했다.

이 같은 변화는 한국 콘텐츠의 해외 실적을 특정 권역의 성과만으로 설명하기 어려워졌음을 보여준다. 다만 아시아 수출 감소와 북미·유럽의 증가가 나타났다는 사실만으로 시장 다변화가 안정적으로 정착했다고 단정하기는 어렵다. 한 기간의 실적은 시장별 변화를 보여주지만, 성장세의 지속 여부까지 증명하지는 않기 때문이다.

국가별 실적은 이런 차이를 더욱 분명하게 드러낸다. 미국 수출은 18억340만달러로 22.0% 증가해 단일 국가 기준 최대 시장의 지위를 유지했다. 전체 수출에서 미국이 차지하는 비중도 30.9%로 상승했다. 반면 중국 수출은 8억1780만달러로 42.5% 감소했고, 비중은 24.8%에서 14.0%로 낮아졌다. 일본 수출 역시 15.7% 감소했다.

미국과 중국의 상반된 실적은 국가별 시장 상황이 전체 수출에 미치는 영향이 작지 않다는 점을 보여준다. 중국 수출 감소액은 6억달러를 웃돌았다. 특정 시장의 하락이 전체 수출 증가를 제약할 수 있는 구조인 셈이다. 다만 제공된 통계만으로 중국 수출 감소의 원인을 현지 규제나 유통환경 등 특정 요인에 돌릴 수는 없다.

미국 시장 안에서도 업종별 성적은 엇갈렸다. 게임 수출은 55.8%, 콘텐츠솔루션은 117.7%, 음악은 19.4% 증가했지만 방송·영상은 23.1% 감소했다. 중국에서는 게임 수출이 45.9% 줄었다. 같은 국가 안에서도 업종에 따라 결과가 달랐다는 점은 해외 진출 전략을 국가 단위로만 세우기보다 콘텐츠 분야별 실적까지 함께 검토해야 함을 시사한다.

유럽과 중남미, 중동에서도 증가세가 나타났다. 그러나 높은 증가율을 곧바로 대규모 시장으로의 안착과 동일하게 볼 수는 없다. 시장의 성장 가능성을 판단하려면 증가율뿐 아니라 실제 수출액과 지속적인 실적을 함께 확인해야 한다.

■수출은 늘었는데 저작권 수지는 적자…실적의 질을 따져야

콘텐츠산업의 해외 성과를 평가할 때 수출액만큼 주의 깊게 살펴야 할 통계가 무역수지다. 콘텐츠산업 서비스 수출이 증가한 것과 달리, 별도로 집계한 멀티미디어 서비스 무역수지의 흑자 규모는 줄었다. 2026년 상반기 흑자는 3억3790만달러로 전년 동기 5억8280만달러보다 감소했다.

세부 내역에서는 제작서비스와 저작권 수지가 서로 다른 방향으로 움직였다. 제작서비스 수지는 3억7700만달러 흑자로 전년 동기보다 개선됐다. 반면 저작권 수지는 전년 동기 3억6900만달러 흑자에서 3910만달러 적자로 전환했다. 제작서비스 부문의 개선만으로 전체 무역수지 악화를 막지 못한 것이다.

저작권 수출은 8억6190만달러로 24.6% 감소했지만, 저작권 수입은 9억100만달러로 16.3% 증가했다. 제작서비스 수출은 37.5% 늘었고 수입은 26.2% 줄었다. 같은 콘텐츠 관련 서비스라도 제작을 제공해 얻는 수익과 저작권 거래에서 발생하는 수익은 다른 결과를 보였다.

이 통계는 해외에서 콘텐츠를 제작하거나 관련 서비스를 제공하는 실적과 콘텐츠 권리를 통해 얻는 수익을 구분해 살펴야 한다는 점을 보여준다. 콘텐츠산업의 해외 경쟁력을 판단할 때는 얼마나 많이 수출했는지뿐 아니라 권리 수익이 어떻게 변하고 있는지도 중요하다. 다만 저작권 수지 악화의 구체적인 원인은 제시된 수치만으로 확정할 수 없다.

통계의 범위에도 유의해야 한다. 콘텐츠산업 특수분류에 따른 서비스 수출 통계는 콘텐츠 관련 상품 수출이나 해외 자회사를 통한 실적을 포함하지 않는다. 멀티미디어 서비스 무역수지는 별도의 범위와 기준으로 집계된다. 두 통계는 포착하는 거래가 서로 다르므로 하나의 지표처럼 직접 합산하거나 비교해서는 안 된다.

콘텐츠산업조사와 서비스 수출 통계의 규모가 다르게 나타나는 것도 이런 차이와 관련이 있다. 따라서 서비스 수출액 58억3960만달러를 한국 콘텐츠산업의 해외 매출 전체로 해석하기는 어렵다. 상품 수출과 해외 법인 실적, 저작권 수익 등을 함께 살펴야 산업의 해외 사업 규모를 더 넓게 파악할 수 있다. 또한 자료상 2024년까지는 확정치지만 2025년 이후 수치는 잠정치라는 점도 고려해야 한다.

■성장률 너머, 지속 가능한 수출 구조가 관건

2026년 상반기 콘텐츠산업 서비스 수출은 증가했지만, 그 안에는 업종별 격차와 시장별 변화가 함께 담겼다. 게임산업은 여전히 수출의 큰 비중을 차지하고 있으며 음악과 콘텐츠솔루션이 성장세를 보였다. 아시아 수출은 줄었고 북미와 유럽의 비중은 높아졌다. 제작서비스 수지가 개선된 가운데 저작권 수지는 적자로 돌아섰다.

이러한 결과를 산업 전체의 경쟁력 강화로 곧바로 연결하기보다 성장의 원천과 취약한 부분을 나눠 살펴야 한다. 수출을 이끄는 업종이 다양해지고 있는지, 특정 시장의 실적 변화에 대한 의존이 얼마나 큰지, 콘텐츠를 제작하는 수익과 권리를 보유해 얻는 수익이 어떻게 달라지는지가 함께 검토돼야 한다.

수출액 증가는 해외시장에서 한국 콘텐츠가 거둔 성과를 보여주는 중요한 지표다. 그러나 총액의 증가만으로 수출 구조의 안정성까지 확인할 수는 없다. 업종과 권역별 실적, 저작권 수지, 통계가 포괄하는 범위를 종합적으로 살펴야 성장의 실체를 판단할 수 있다. 한국 콘텐츠산업의 다음 과제는 수출 규모를 키우는 데 그치지 않고, 그 성과가 다양한 업종과 시장에서 지속될 수 있는 구조를 갖추는 데 있다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] '글로벌 핫 루키' 엑스러브(XLOV)가 5개월 만의 새 앨범 발매를 확정, 파격적인 3단계 콘셉트 변신과 함께 매혹적인 판타지 서사의 막을 올렸다.

16일 알비더블유(RBW)와 스트레인지랩 측은 엑스러브가 오는 28일 미니 3집 'i=!'(아이 이퀄스 아이)를 발표하며 전격 컴백한다고 전했다.

이번 신보는 미국 빌보드 '2026년 최고의 K팝 앨범' 상위권에 랭크되며 평단의 호평을 이끌어낸 미니 2집 'I,God'(아이,갓) 이후 약 5개월 만에 선보이는 작품이다. 전작이 체스의 '폰의 승급'을 모티브로 나약한 존재의 치열한 재탄생을 그렸다면, 이번 앨범은 선택에 따라 달라지는 삶과 선택받지 못한 또 다른 가능성에 대한 묵직한 질문을 던진다.

앨범 트랙 구성 또한 이러한 서사의 결을 다채롭게 뒷받침한다. 더블 타이틀곡 'Hush(허쉬)'와 '투스젬치와와'를 필두로 하이퍼팝부터 일렉트로닉 댄스, 재즈 R&B까지 아우르는 총 8개의 트랙이 수록된 가운데, 멤버 우무티와 현이 직접 곡 작업에 참여해 엑스러브만의 폭넓은 음악 스펙트럼과 완성도를 탄탄하게 엮어냈다.

컴백 확정과 함께 베일을 벗은 세 가지 버전의 콘셉트 포토는 새 앨범의 짙은 무드를 직관적으로 대변한다. 자개장 배경의 올블랙 스타일링이 강렬한 고딕 판타지의 시작을 알렸다면, 붉은 꽃잎 속 블랙 앤 레드 포토는 치명적이고 예술적인 감각을 뽐낸다.

이어 세 번째로 공개된 포토에서는 나른한 무드 속 멤버 간의 편안한 유대감을 그려내며 한계 없는 독보적인 콘셉트 소화력을 입증했다.

스포티파이 월간 리스너 230만 명 돌파는 물론 유럽 및 미주 투어 매진 릴레이를 기록하며 무서운 기세로 글로벌 코어 팬덤을 확장 중인 엑스러브가, 한층 촘촘해진 서사와 유니크한 음악적 질감으로 빚어낼 무대 위 시너지가 기대된다.

한편 엑스러브의 미니 3집 'i=!'는 오는 28일 오후 정식 발매된다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 한국 문화의 해외 진출은 오랫동안 K팝과 드라마의 인기를 중요한 동력으로 삼아왔다. 그러나 특정 콘텐츠의 흥행이 한국 문화 전반에 대한 이해로 이어지는 것은 아니다. 대중음악을 즐기는 관객이 전통 회화와 클래식에도 관심을 갖게 하고, 공연을 계기로 만난 현지 예술가와 협업을 이어가는 과정이 뒷받침돼야 문화적 접촉이 장기적인 교류로 발전할  있다.

10월부터 12월까지 펼쳐지는 태국과 베트남에서 진행되는 ‘2026 코리아시즌’ 하반기 프로그램은 이 같은 과제를 살펴볼 수 있는 사례다. 밴드 페스티벌과 K팝 오케스트라 공연, 전통 회화 기반 미디어아트를 함께 선보이며 한국 문화의 범위를 넓힌다. 

주목할 부분은 프로그램의 수보다 장르를 연결하는 방식이다. 한국 대중문화의 인지도를 활용해 관객과 접점을 만들고, 클래식과 전통 회화 등 다른 예술 분야로 경험을 확장하려는 구성이 눈에 띈다. 다만 이러한 시도가 실제 문화 이해와 지속적인 교류로 이어지려면 공연과 전시를 개최하는 데서 한 걸음 더 나아가야 한다. 현지 창작자의 참여가 어떤 협업으로 이어지는지, 행사가 끝난 뒤에도 교류를 지속할 구조가 마련되는지가 사업의 성과를 가를 기준이 될 수 있다.

■ 대중음악의 인기를 문화교류의 출발점으로

17일 태국 방콕 UOB Live에서 열리는 ‘K-LIVE FESTIVAL BAND IN BANGKOK’은 한국과 태국의 밴드 음악을 한 무대에 올린다. 한국에서는 혁오, 원위, 민수, 에반이 출연하고 태국에서는 록 밴드 페이퍼 플레인스가 참여한다. DJ 진욱과 DJ 막툽의 디제잉 공연도 마련된다.

베트남 하노이에서는 오는 24일부터 25일까지 주베트남 대한민국 대사관 후문 야외무대에서 페스티벌이 진행된다. 한국의 QWER, 실리카겔, 터치드, 젬베콜라, 미지니, 양치기소년단과 베트남의 호앙 중(Hoàng Dũng), 마우 느억 밴드(Màu Nước Band)가 함께한다. 주베트남한국대사관의 ‘2026 하노이 돌담길 한국문화축제’와도 연계된다.

두 공연은 한국 아티스트만으로 무대를 채우지 않고 현지 음악가를 함께 배치한다. 이는 해외 관객에게 한국 음악을 보여주는 데서 나아가 서로 다른 음악적 배경을 가진 아티스트가 같은 무대에서 만나는 기회를 제공한다는 점에서 의미가 있다.

다만 출연진을 함께 구성하는 것과 음악적 교류가 실제로 이뤄지는 것은 구분해서 볼 필요가 있다. 각국 아티스트가 개별 공연을 선보이는 데 그친다면 관객은 여러 나라의 음악을 한자리에서 감상하는 경험을 얻는 데 머물 수 있다. 공동 창작이나 합동 연주, 공연 이후의 협업으로 연결된다면 교류의 성격은 달라진다. 페스티벌이 장기적인 문화교류의 기반이 되려면 무대에 함께 서는 기회를 넘어 창작자 사이의 관계를 이어갈 후속 과정도 중요하다.

이러한 접근은 한국 문화의 해외 진출 전략에도 시사점을 준다. 이미 인지도가 높은 아티스트의 공연은 관객을 모으는 데 도움이 될 수 있지만, 관객 규모가 곧 문화교류의 깊이를 의미하지는 않는다. 현지 음악과 한국 음악이 어떤 방식으로 만나고, 관객이 상대 국가의 문화에 얼마나 관심을 넓히는지까지 살펴야 성과를 구체적으로 평가할 수 있다.

■ K팝을 클래식으로 바꾸는 시도, 익숙함을 넘어설 수 있을까

11월 5일 베트남 하노이에서 열리는 ‘SM Classics Live in Hanoi’는 한국의 SM 클래식스와 베트남국립교향악단(VNSO)이 함께하는 공연이다. 레드벨벳의 ‘Feel My Rhythm’과 소녀시대의 ‘다시 만난 세계’ 등 K팝 곡을 클래식 오케스트라의 연주로 재해석한다.

공연은 K팝을 해외에 다시 소개하는 데만 있지 않다. 이미 대중에게 알려진 음악을 다른 편성과 연주 방식으로 들려줌으로써 기존 콘텐츠의 감상 범위를 넓힌다. K팝을 즐기는 관객에게는 오케스트라 음악을 접하는 계기가 되고, 클래식 관객에게는 한국 대중음악을 새로운 방식으로 경험하는 기회가 될 수 있다.

이처럼 친숙한 콘텐츠를 다른 장르와 결합하는 방식은 문화예술의 진입 장벽을 낮추는 데 유용하다. 낯선 예술을 처음 접하는 관객에게 익숙한 음악은 접근 경로가 될 수 있기 때문이다. 그러나 편곡과 연주가 원곡의 인지도를 활용하는 수준에 머문다면 새로운 감상 경험을 제공하는 데 한계가 있다. 클래식의 표현 방식이 원곡을 어떻게 해석하는지, 양국 연주자의 협업이 음악적으로 어떤 결과를 만들어내는지가 공연의 완성도를 판단하는 기준이다.

또한 국제 협연이 지속적인 교류로 이어지려면 한 차례 공연 이후에도 공동 연주와 교육, 창작 교류를 이어갈 가능성을 검토할 필요가 있다. 협연 자체는 양국 음악가가 만나는 계기지만, 그 만남이 반복될 수 있는 구조를 갖출 때 문화교류의 지속성도 높아진다.

■전통 회화와 미디어아트, 문화유산을 오늘의 감각으로 전달하다

한국 전통 회화와 미디어아트를 결합한 전시는 대중음악과 다른 방식으로 한국 문화를 소개한다. 옛 그림에 등장하는 동물과 자연의 이미지를 디지털 영상과 소리로 구현해, 작품에 담긴 상징과 생활 속 소망을 현대적인 감각으로 전달한다.

베트남 하노이 베트남 민족학박물관에서는 10월 20일부터 11월 29일까지 ‘우리 곁의 생명들’ 전시가 열린다. 국립민속박물관, 국립현대미술관, 국립고궁박물관의 회화 및 미디어아트 소장품을 바탕으로 호랑이와 새, 나비, 꽃 등 한국 전통 회화에 등장하는 소재를 소개한다. 나쁜 기운을 물리치는 호랑이와 기쁨·건강을 상징하는 동식물의 이미지를 통해 한국인의 전통적인 자연관을 살펴볼 수 있도록 구성했다.

태국 방콕에서는 11월 16일부터 12월 25일까지 주태국한국문화원 5층 다목적홀에서 ‘바람의 풍경’ 전시가 개최된다. 한국 옛 그림 속 호랑이와 산수화를 바탕으로 평안과 풍요를 바라는 마음을 다루며, 디지털 영상과 소리를 활용해 정적인 회화를 움직이는 풍경으로 재구성한다.

두 전시는 문화유산을 보존하고 전시하는 데서 나아가 관람객이 새로운 방식으로 경험하도록 한다는 점에서 주목할 만하다. 특히 전통 회화에 익숙하지 않은 해외 관객에게는 그림의 상징을 시각과 청각으로 경험하는 방식이 접근성을 높일 수 있다. 호랑이와 꽃, 산과 강처럼 구체적인 이미지에 담긴 의미는 한국 문화에 대한 배경지식이 부족한 관객도 비교적 쉽게 이해할 수 있는 소재다.

그러나 디지털 기술의 활용 자체가 전통문화에 대한 이해를 보장하는 것은 아니다. 시각적 효과가 강해질수록 원작의 역사적 맥락과 상징이 부차적으로 다뤄질 가능성도 있다. 미디어아트가 관람객의 흥미를 끄는 데 그치지 않으려면 원작이 만들어진 시대의 문화와 그림에 담긴 의미를 함께 전달해야 한다. 기술은 전통을 대체하는 수단이 아니라 관람객이 작품을 이해하도록 돕는 매개가 돼야 한다.

이번 전시에서 다루는 평안과 건강, 풍요에 대한 바람은 특정 국가에만 한정된 관심사가 아니다. 이러한 공통된 주제를 통해 한국 전통 회화가 해외 관객과 만날 수 있다는 점은 문화교류의 가능성을 보여준다. 문화적 차이를 강조하는 데 그치지 않고 서로 이해할 수 있는 경험을 제시하는 것이 전시의 중요한 역할이다.

■ 행사 개최에서 관계 형성으로…코리아시즌의 다음 과제

2026 코리아시즌은 음악과 시각예술을 함께 소개하면서 한국 문화의 해외 진출 경로를 넓히고 있다. 밴드 페스티벌은 현지 음악가와의 만남을 마련하고, K팝 오케스트라 공연은 장르 간 협업을 시도한다. 전통 회화 기반 미디어아트는 문화유산을 현대적인 방식으로 전달한다. 서로 다른 프로그램이 하나의 사업 안에서 운영된다는 점은 한국 문화예술을 특정 장르에 한정하지 않고 보여준다는 데 의미가 있다.

하지만 프로그램의 다양성만으로 지속적인 문화교류가 완성되는 것은 아니다. 해외 문화사업의 성과를 관객 수와 행사 횟수에만 맞추면 단기간에 드러나는 성과는 확인할 수 있어도, 현지 문화예술계에 어떤 변화가 남았는지 파악하기 어렵다. 현지 예술가의 참여 방식, 공동 창작의 지속 여부, 후속 공연과 전시의 성사, 관객의 재참여 등도 함께 살펴볼 필요가 있다.

이를 위해서는 사업이 끝난 뒤에도 협업을 이어갈 수 있는 기반이 중요하다. 현지 예술기관과의 장기적인 파트너십, 양국 창작자의 공동 프로젝트, 공연과 전시를 접한 관객이 다른 한국 문화예술 프로그램으로 관심을 넓힐 수 있는 연계 기회가 뒷받침된다면 일회성 행사의 한계를 줄일 수 있다. 프로그램별 관람객 반응과 협업 성과를 축적해 다음 사업에 반영하는 과정도 필요하다.

한국국제문화교류진흥원는 하반기 프로그램을 통해 한국의 다양한 문화예술을 소개하는 동시에 한국·태국·베트남 예술가들의 교류와 협력을 확대하겠다는 뜻을 밝혔다. 이 목표가 실질적인 성과로 이어지려면 문화예술을 보여주는 단계에서 나아가 함께 만들고 지속해서 나누는 과정까지 설계해야 한다.

한국 문화의 해외 인지도를 높이는 일과 상대 국가와의 문화적 관계를 형성하는 일은 맞닿아 있지만 동일하지는 않다. 대중음악의 인기가 전통예술에 대한 관심으로 이어지고, 공연에서 시작된 만남이 창작자 간 협업으로 발전하며, 전시를 통해 얻은 경험이 다음 문화적 만남으로 연결될 때 교류는 일회성 행사를 넘어설 수 있다.

태국과 베트남에서 진행되는 코리아시즌 하반기 프로그램은 이러한 가능성을 시험하는 자리다. 앞으로 주목할 것은 얼마나 많은 장르를 소개했는가에 그치지 않는다. 한국 문화가 현지 문화예술과 어떤 관계를 맺고, 행사 이후에도 그 관계를 이어갈 수 있는지가 사업의 지속성을 판단하는 중요한 기준이 될 것이다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 조선의 교인들을 만나기 위해 먼 길을 떠난 사제와 그 곁을 지키는 동행자의 이야기가 무대에 펼쳐진다. 연극 ‘제가 가겠습니다’가 신앙을 이어가는 이들을 향한 책임감, 뜻을 이루기 위해 감수해야 하는 어려움과 한계를 그린다.

서울가톨릭연극협회가 주최·주관하는 창작 연극 ‘제가 가겠습니다’가 오는 11월 12~13일 서울 중구 국립극장 달오름극장에서 관객을 만난다. 12일 오후 7시, 13일 오후 3시와 7시 등 모두 세 차례 진행된다.

‘제가 가겠습니다’는 프랑스 사제 소 브뤼기에르 주교가 조선의 교인들을 만나기 위해 길을 떠나는 데서 출발한다. 당시 조선의 교인들은 자신들을 이끌어 줄 사제 없이 신앙을 이어가고 있었다. 주교는 이들을 직접 만나기 위해 조선으로 향하고, 궂은일도 마다하지 않는 왕요셉이 여정에 동행한다.

두 사람은 편지와 성물을 전달하며 조선으로 들어갈 방법을 찾는다. 여러 지역을 거치고 국경으로 향하는 과정에서 열대 밀림과 바다, 폭풍우, 도적 떼 등 여러 난관을 마주한다. 마침내 조선을 눈앞에 두지만 병든 주교의 몸이 더 이상 걸음을 허락하지 않으면서 여정은 또 다른 국면을 맞는다.

작품 제목인 ‘제가 가겠습니다’는 누군가의 부름에 응답하고, 어려움이 예상되는 길에 스스로 나서겠다는 뜻으로 읽힌다. 종교적 사명을 다룬 이야기이면서도 자신이 중요하게 여기는 가치를 위해 어디까지 나아갈 수 있는지, 뜻을 이루기 어려운 순간에도 선택의 의미가 남을 수 있는지 생각하게 한다.

류시현, 최문숙, 김요한, 김민정, 홍여준, 민정아, 나승현, 이미주, 이석엽, 유소연, 서지성, 정베드로, 김소원이 출연한다. 김나영 작가와 문삼화 연출이 제작진으로 참여하며, 서울가톨릭연극협회 최주봉 회장이 총감독을 맡았다. 최주봉 회장은 “무대 위의 이야기가 여러분의 마음에 닿아 부르심에 응답하는 용기와 희망으로 남기를 바란다”고 말했다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] 솔로 아티스트 태민이 K팝을 넘어 미국 프로축구 현장을 뜨겁게 달구며, 본격적인 미주 투어의 화려한 서막을 알리는 '프리 쇼케이스'를 성공적으로 장식했다.

16일 갤럭시코퍼레이션 측은 태민이 지난 14일(현지시간) 미국 캘리포니아주 로스앤젤레스 BMO 스타디움에서 열린 메이저리그사커(MLS) LAFC 홈경기에 특별 초청 게스트로 참석했다고 전했다.

이날 태민은 LAFC 홈경기의 개막을 알리는 시그니처 킥오프 세리머니인 '명예 매 조련사(Honorary Falconer)'로 나섰다. 이는 경기 시작 직전 구단의 상징인 실제 매를 그라운드 위로 날려 보내는 구단 고유의 상징적인 의식이다.

자신의 영문 이름 'TAEMIN'과 태어난 해를 뜻하는 등번호 '93'이 새겨진 공식 유니폼을 입고 그라운드에 등장한 태민은 침착하게 세리머니를 소화하며 현지 관중들의 호응을 이끌어냈다.

특히 세리머니 직후 LAFC의 주장이자 대한민국 축구 국가대표팀 캡틴인 손흥민과 직접 만나 악수와 대화를 나누며 훈훈한 교감을 나눴다. 선발 출전해 활발한 공격 전개로 현지 팬들의 기립 박수를 받은 손흥민과 글로벌 K팝 아티스트 태민의 만남은 스포츠와 엔터테인먼트의 경계를 허물며 전 세계 팬들의 이목을 집중시켰다.

구단 역시 공식 SNS를 통해 "언제나 빛나는 태민"이라는 특별 환영 메시지로 특급 환대를 보냈다.

이번 행사는 단순한 초청 이벤트를 넘어, 태민이 전개할 대규모 월드투어 미주 일정과 맞물린 거대한 '프리 쇼케이스' 성격을 띤다는 점에서 남다른 의미를 지닌다. 올초 '코첼라' 무대에 이어 이번 MLS 킥오프 세리머니까지 미국 주류 문화 깊숙이 파고든 그의 광폭 행보는 본격적인 미주 투어를 기다리는 현지 팬들의 기대감을 최고조로 이끌고 있다.

이에 대해 소속사 갤럭시코퍼레이션 측은 "미국 현지 스포츠 문화의 상징적인 행사에 태민이 참여해 음악과 스포츠를 잇는 특별한 순간을 선사하게 되어 뜻깊다"라며 "현재 진행 중인 월드투어와 맞물려 현지 팬들에게도 다채로운 교감의 계기가 되었기를 바란다"라고 전했다.

한편 태민은 지난달 새 앨범의 역설적 서사를 집약한 '2026-27 TAEMIN WORLD TOUR (리미널)' 서울 공연을 성황리에 마쳤으며, 이번 LA를 비롯해 미주와 남미 주요 도시를 순회하며 글로벌 대장정을 이어간다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 국보와 보물로 지정된 문화유산은 지정된 뒤에도 꾸준한 관리가 필요하다. 오랜 시간 보존해야 하는 유물은 보관 환경과 취급 방식에 따라 상태가 달라질 수 있고, 관리 과정에서 필요한 허가나 신고 절차를 놓치지 않는 것도 중요하다. 소유자와 관리자가 일상에서 참고할 수 있는 기본적인 관리 지침이 필요한 이유다.

국가유산청 국립문화유산연구원은 16일 국보와 보물 등 국가지정 동산문화유산의 보존·관리에 필요한 내용을 정리한 ‘국보·보물 일상관리 가이드북-국가지정 동산문화유산’을 발간했다. 문화유산을 소장한 개인과 문중, 사찰 등의 소유자·관리자가 평소 지켜야 할 관리 요령과 관련 행정 절차를 쉽게 확인할 수 있도록 구성했다.

가이드북은 국립문화유산연구원이 국가지정 동산문화유산 정기조사를 진행하며 축적한 현장 경험과 소유자·관리자의 실제 수요를 바탕으로 제작됐다. 전문적인 보존처리 기술보다는 소장품의 상태를 살피고 안전하게 관리하는 데 필요한 기본 지식에 중점을 뒀다.

책에는 국가유산과 국가지정문화유산의 개념을 비롯해 정기조사의 절차와 등급, 소장·관리자가 알아야 할 허가사항과 신고사항이 담겼다. 소장품 관리의 기본 원칙과 재질별 관리·취급 수칙도 정리했다. 부록에는 자주 사용하는 신고 서식을 실어 관리자가 관련 업무를 처리할 때 참고할 수 있도록 했다.

문화유산의 일상적인 관리는 훼손 징후를 일찍 발견하고 부적절한 취급으로 인한 손상을 줄이는 데 의미가 있다. 소장품의 상태를 평소 확인하고 관리 방법을 숙지하면 문제가 발생했을 때 필요한 조치를 검토하는 데도 도움이 된다. 유물의 상태나 손상 정도에 따라 전문적인 진단과 보존처리가 필요할 수 있는 만큼 일상관리와 전문적인 보존 조치를 구분하는 것도 중요하다.

허가와 신고 절차를 정확히 아는 일 역시 관리의 한 부분이다. 소장·관리자가 관련 규정을 충분히 알지 못하면 필요한 절차를 놓치거나 행정 처리에 어려움을 겪을 수 있다. 가이드북은 관리 요령과 함께 허가·신고사항을 안내하고 관련 서식까지 제공해, 소장 현장에서 필요한 정보를 확인할 수 있도록 했다.

국가지정 동산문화유산은 공공의 역사와 문화를 보여주는 자산이지만 개인과 문중, 사찰 등 다양한 주체가 소장하거나 관리하는 경우도 있다. 관리 여건과 관련 경험이 서로 다른 만큼 기본적인 지침을 공유하는 일은 소장자별 관리 수준의 차이를 줄이고 문화유산을 지속적으로 보존하는 데 도움이 될 수 있다.

국립문화유산연구원은 가이드북을 정기조사 과정에서 해당 문화유산의 소유자와 관리자에게 배포한다. 앞으로도 정기조사를 통해 소유자와 관리자의 의견 및 수요를 파악하고 조사 체계를 보완할 방침이다. 현장에서 축적한 조사 성과와 관리 정보를 공유해 국가지정문화유산의 보존·관리에 활용한다는 계획이다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] NCT DREAM(엔시티 드림)이 지난 10년의 찬란한 성장을 집대성한 새 정규앨범과 함께 끝없이 이어질 새로운 꿈의 여정을 시작한다.

16일 SM엔터테인먼트 측은 NCT DREAM이 오는 11월 9일 정규 6집 'DREAM AFTER DREAM(드림 애프터 드림)'을 발표하며 컴백한다고 전했다.

이번 신보는 지난해 11월 선보인 미니 6집 이후 1년 만이자, 같은 해 7월 발매한 정규 5집 이후 약 1년 4개월 만에 발표하는 뜻깊은 정규앨범이다.

타이틀곡 'Boogie Woogie(부기우기)'를 비롯한 총 10곡의 다채로운 트랙으로 꽉 채워진 이번 앨범은 지난 10년간 다져온 NCT DREAM의 폭넓은 음악 세계를 입체적으로 반추하는 작품이다.

2016년 데뷔곡 'Chewing Gum(츄잉검)'으로 풋풋하게 출발해 '맛 (Hot Sauce)', 'Candy(캔디)', 'ISTJ(아이에스티제이)', 전작 'BTTF'에 이르기까지 청춘의 궤적을 그리며 글로벌 팬덤을 구축해 온 이들의 눈부신 성장을 증명함과 동시에, '끝없이 이어지는 꿈'이라는 앨범명처럼 그간의 성취를 넘어 또 다른 꿈을 향해 나아가겠다는 단단한 의지를 오롯이 녹여냈다.

각종 시상식 대상과 밀리언셀러 석권, 국내외 대형 스타디움 및 돔 투어 성료 등 압도적인 기록을 써 내려온 이들이, 올해 다각도로 전개 중인 'NCT 데뷔 10주년 프로젝트'의 거대한 흐름과 맞물려 이번 앨범을 통해 어떠한 찬란한 음악적 시너지를 드러낼 지 기대감이 쏠린다.

한편 NCT DREAM의 정규 6집 'DREAM AFTER DREAM'은 오는 11월 9일 음반으로도 발매된다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[ニュースカルチャー] TWSが、11月2日に発売する2ndシングル『TO US』のコンセプトフォトを公開した。

今回ベールを脱いだのは「Closer」と「Beyond」の2バージョン。シニュ、ドフン、ヨンジェ、ハンジン、ジフン、ギョンミンの自然な表情を生かしたビジュアルとなっている。

14日に公開された「Closer」では、メンバーの顔を間近で捉えたカットが中心。無造作な髪やふとした視線など、作り込まない瞬間がそのまま収められた。

15日の「Beyond」ではさらに肩の力を抜いた姿を披露。ラフなスタイリングの中で、笑顔や何気ない仕草など6人それぞれの表情を見せている。

『TO US』では全4バージョンのコンセプトフォトを展開。「Closer」「Beyond」に続き、「Everglow」「Beside」も公開される予定だ。

TWSにとって『TO US』は『NO TRAGEDY』以来約6カ月ぶりの新作で、今年3度目のカムバックとなる。16日には「BEING MYSELF」も公開され、今後ハイライトメドレーなどのコンテンツも控えている。

2ndシングル『TO US』は11月2日午後6時にリリースされる。

ニュースカルチャー M.J._mj94070777@nc.press

[ニュースカルチャー] ILLITが、5thミニアルバム『BREAK EVEN』の「MAD」コンセプトフォトを公開した。

15日に公開された写真では、ユナ、ミンジュ、モカ、ウォンヒ、イロハが全員ブロンドヘアで登場。レースやパステルカラーを取り入れた衣装に身を包み、これまでのコンセプトとはまた違った姿を見せている。

ドライヤーやスマートフォンを手にしたカットでは、かわいらしいスタイリングとは裏腹に、どこか退屈そうな表情を浮かべるメンバーの姿も。「우리 무슨 사이야?（私たちってどんな関係？）」「사랑 종말（恋の終わり）」「착각 근절（勘違い禁止）」と書かれたフライヤーも登場した。

「MAD」は、『BREAK EVEN』で公開された最後のコンセプト。これまで「BURNING」「GLLIT」「QUIET」が順に公開され、衣装や表情を大きく変えながら新作のビジュアルを見せてきた。

ILLITは17、18日に仁川・INSPIRE ARENAで「ILLIT LIVE ‘PRESS START♥’ ENCORE in KOREA」を開催。公演ではカムバックに向けたスペシャルステージも披露する予定だ。

タイトル曲「You're Under Arrest」のMVティザーは23日と25日に公開。5thミニアルバム『BREAK EVEN』は26日午後6時にリリースされる。

ニュースカルチャー M.J._mj94070777@nc.press

[ニュースカルチャー] tripleSが16日、新曲「Andless」をリリースする。

「Andless」は、新シングル『ASSEMBLE26 LOVE&POP pt.2』の収録曲。24人全員での新曲は、6月に発表した『LOVE&POP pt.1』以来137日ぶりとなる。

今回はエレクトロニックポップを前面に出したサウンドで、制作にはLindgrenが参加。Netflix映画『KPop Demon Hunters』のOSTにも携わったプロデューサーで、「Andless」では作詞・作曲・編曲を担当した。

タイトルは「LOVE&POP」プロジェクトの「&」にちなんだもの。pt.1「LOVE」と、今後予定されているpt.3「POP」の間に位置する作品となる。

公開済みのコンセプトフォトでは、ブラック、ホワイト、レッドを基調にしたビジュアルを披露。MVティザーでは、スピード感のあるトラックに合わせて24人のカットが次々と切り替わる構成が公開された。

新曲は、先に行われたソウル公演「ANDLESS in Seoul」ですでにステージ初披露されている。

tripleSは11月11日のトロントを皮切りに、ニューヨーク、シカゴ、フォートワース、ロサンゼルス、バンクーバーを巡る北米ツアー「ANDLESS in North America」を開催する。

「Andless」は16日にリリースされる。

ニュースカルチャー M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Some apologies are less about regret than survival. When a person has learned that disagreement may bring punishment, rejection or abuse, saying “I’m sorry” can become a way to anticipate danger and keep the peace. In “Fawning,” clinical psychologist Ingrid Clayton argues that such behavior is not simply evidence of low self-esteem or a weak personality, but a protective response shaped by threat.

The book’s full English title is “Fawning: Why the Need to Please Makes Us Lose Ourselves—and How to Find Our Way Back.” Published in Korean by Sensio in a translation by Si-eun Choi, it examines what Clayton describes as an often-overlooked fourth trauma response alongside fight, flight and freeze.

Fawning occurs when someone moves closer to a person or relationship causing harm rather than resisting or withdrawing. The response may take the form of excessive apologizing, conflict avoidance, constant vigilance or caring for others at one’s own expense. In an unsafe environment, winning over a threatening person can reduce immediate danger. The difficulty begins when that once-useful strategy becomes an automatic pattern long after the original threat has passed.

Clayton’s reframing shifts the question from “Why did you allow this to happen?” to “What did you have to do to survive?” That change matters because shame often compounds the original harm. People may blame themselves for remaining in abusive relationships, tolerating mistreatment at work or repeatedly surrendering their own needs, without recognizing that their nervous systems had learned accommodation as a route to safety.

Rather than build the book around clinical theory alone, Clayton draws on her experience as a survivor of sexual abuse, two decades of work in trauma recovery and seven client case studies. They include a Harvard Law School graduate whose perfectionism concealed persistent fear and a woman whose addiction and compulsive lying had become entangled with her attempts to survive. Their stories show how fawning can assume different forms while producing similar losses of agency.

Recovery, Clayton argues, does not begin by condemning the response or demanding immediate confidence. It starts with acknowledging that fawning once served a purpose. Treating the behavior with compassion allows survivors to separate an adaptive strategy from an identity they had come to regard as defective.

That understanding does not require remaining in damaging relationships. Clayton presents boundary-setting as an act of self-protection rather than a campaign to reform another person. Leaving an exploitative relationship, refusing an unreasonable demand or tolerating someone else’s disappointment becomes a way to restore choice.

The process is neither clean nor final. A person may establish a boundary and later retreat from it, or recognize a pattern only after repeating it. Clayton resists turning healing into another standard of perfection, asking readers to treat such reversals as part of recovery rather than proof of failure.

The book also makes room for anger, an emotion chronic fawners often suppress because conflict feels dangerous. Healthy anger can identify a violation, protect a boundary and return attention to needs that have long been subordinated to those of others. Learning to disagree therefore becomes less about provoking confrontation than about accepting that genuine relationships cannot be built on one person’s disappearance.

“Fawning” offers a compassionate account of why people remain agreeable, invisible or endlessly accommodating in situations that hurt them. Its central argument is that survival strategies deserve gratitude for the protection they once provided—but they do not have to govern the rest of a person’s life.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Water settles into the precision of the feet. Wind catches the edge of a fan and carries movement across the stage. Earth gives weight to every step. In Seoul Metropolitan Dance Theatre’s Mimesis, those three images become a way of looking again at gyobangmu, hallyangmu and sogochum — not as preserved forms placed side by side, but as distinct movement languages reimagined through a contemporary choreographic lens.

The title Mimesis refers to imitation or representation, but the work does not attempt a literal reproduction of either nature or traditional dance. Artistic director and choreographer Hye-jung Yoon begins with the formal character of each tradition and draws out a natural image already suggested by its movement: water in the measured delicacy of gyobangmu, wind in the expansive ease of hallyangmu, and earth in the grounded force of sogochum. The three sections retain their individual identities while forming a progression from stillness to movement and, finally, to physical contact with the ground.

The first section, Gyobangmu: Stillness of Water, works through restraint. Fine footwork, the articulation of the beoseon-clad feet and subtle movement through the wrists create an impression of motion held within control. Rather than imitating water through sweeping gestures, the choreography finds its image in smaller changes of weight and direction, allowing the body to suggest a surface that appears calm even as movement continues beneath it.

That sense of contained motion gives gyobangmu its place at the beginning of the sequence. The emphasis falls on how little movement is needed to alter the line of the body: a foot placed with greater care, a wrist turned slightly, a pause extended just long enough to change the rhythm of the phrase. Water becomes less a visual effect than a choreographic principle, giving form to the dance’s refinement and measured flow.

Hallyangmu: Shape of Wind opens that contained space. Drawing on the Hallyangmu tradition associated with Heung-dong Cho, the section takes its cue from the use of the fan and the expansive quality of male dance movement. The fan extends the dancer’s reach, catches the momentum of a turn and makes changes of direction visible, while the broader phrasing introduces the sense of ease and pungnyu associated with hallyangmu.

Here, wind is not something represented from outside. It emerges through the way movement travels. A fan opens and redirects the line; the body follows with a turn or shift of weight; one gesture appears to set the next in motion. After the inward composure of Stillness of Water, Shape of Wind gives the stage a looser and more mobile energy without abandoning the formal discipline of the traditional vocabulary.

The final section, Sogochum: Communion with Earth, brings that energy downward. Strong footwork, clearly articulated rhythm and geometric changes in formation draw attention to the dancers’ relationship with the ground. Inspired by the lives of farmers, the choreography connects physical labor, communal rhythm and the repeated act of planting the body firmly on the earth.

The small hand drum introduces another layer of movement, but the section’s character ultimately comes from its sense of weight. Where gyobangmu refines motion through delicacy and hallyangmu extends it through air and space, sogochum emphasizes impact, alignment and collective momentum. The image of earth is therefore inseparable from the bodies that strike, cross and reorganize the stage above it.

Placed together, water, wind and earth are more than decorative themes. They provide a framework for distinguishing three different ways of organizing the body. Water is expressed through subtle control and continuity, wind through expansion and directional flow, and earth through grounded rhythm and physical force. Nature becomes a means of clarifying what is already embedded in the dances rather than an additional narrative imposed upon them.

That approach is central to Yoon’s reconstruction of Mimesis. Seoul Metropolitan Dance Theatre describes itself as a company rooted in Korean creative dance, and the work follows that trajectory by treating tradition as material for continued choreographic inquiry rather than as an untouchable form.

The differences among the three dances remain essential. Mimesis does not attempt to smooth gyobangmu, hallyangmu and sogochum into a single generalized style. Their contrast is precisely what gives the work its structure: delicacy beside expansiveness, suspended movement beside rhythmic attack, and individual detail beside shifting group formations.

The result is a work in which reinterpretation begins with close attention to form. Contemporary sensibility does not arrive by replacing traditional movement, but by asking what qualities can be brought forward from within it. The imagery of water, wind and earth gives those qualities a new frame while allowing the inherited vocabulary to remain visible.

Presented at the 2026 Korea Traditional Dance Festival, Mimesis offers three different encounters with the Korean dancing body. Water reveals its capacity for restraint, wind its ability to occupy and redirect space, and earth its weight and communal force. Together, they show tradition not as a fixed image of the past, but as movement capable of acquiring another meaning each time it is placed in a new relationship with the present.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 역사 속 위인을 무대에 올리는 방식은 시대에 따라 달라진다. 업적을 재현하고 생애를 따라가는 데서 나아가 인물의 목소리를 오늘의 감각으로 되살리는 시도가 이어지고 있다. 서울예술단의 창작가무극 ‘백범’은 독립운동가 김구의 삶에 랩과 현대적인 음악을 접목하고, 여러 배우가 한 인물을 표현하는 방식으로 역사극에 변화를 준다.

서울예술단 창단 40주년과 백범 김구 탄생 150주년을 기념하는 작품으로 11월 14일부터 21일까지 국립극장 해오름극장에서 진행된다.

■위인의 목소리를 동시대 음악으로 바꾸다

‘백범’의 음악적 시도는 랩과 김구라는 인물의 조합에서 출발한다. 독립운동가의 생애를 다루는 역사극에 현대 대중음악의 표현 방식을 도입해 신념과 고뇌, 시대적 갈등을 전달한다. 과거의 인물을 기념하는 데 머물지 않고 그가 마주했던 문제를 오늘의 관객이 감각적으로 받아들이도록 하려는 접근이다.

랩은 리듬에 맞춰 가사를 전달하며 인물의 생각과 감정을 직접적으로 드러낼 수 있는 형식이다. 독립을 향한 열망과 조국의 미래를 둘러싼 고민이 음악 안에서 어떻게 표현될지가 관람의 주요 관심사다. 구체적인 음악 구성과 창작 과정은 10월 21일 제작발표회에서 공개될 예정이다.

이러한 음악적 선택은 역사극의 동시대성을 확보하려는 시도로 읽힌다. 인물의 업적을 설명하는 대신 음악을 통해 그의 감정과 의지를 전달하고, 역사적 기억을 현재의 문화적 표현과 연결한다. 랩이 작품의 서사와 어떤 방식으로 결합하는지에 따라 김구의 삶을 받아들이는 관객의 경험도 달라질 수 있다.

■한 사람의 생애를 여러 배우가 나누어 연기한다

인물 표현 방식도 눈길을 끈다. 한 배우가 어린 시절부터 노년까지 연기하는 기존 위인극의 형식에서 벗어나 성별과 연령을 넘어 여러 배우가 각기 다른 시기의 백범을 표현한다. 한 인물의 삶을 복수의 배우가 나누어 맡는 다중 캐스팅이다.

이 구성은 김구를 특정 배우의 이미지에 가두지 않는다. 서로 다른 목소리와 신체 표현이 한 인물의 생애를 함께 완성하며, 관객은 여러 배우를 통해 백범의 다양한 면모를 만나게 된다.

서울예술단이 제시한 ‘우리 모두의 이름, 백범’이라는 메시지도 이러한 형식과 연결된다. 독립운동을 한 영웅의 개인사에서 시선을 넓혀 독립된 나라를 만들기 위해 함께했던 사람들의 역사까지 담으려는 것이다. 백범이라는 이름을 한 인물의 상징인 동시에 공동의 역사적 기억으로 확장한다.

■역사적 재현에서 무대예술의 해석으로

무대는 역사의 외형을 사실적으로 재현하는 데 집중하지 않는다. 역동적인 퍼포먼스와 LED 영상을 활용해 인물의 감정과 시대적 에너지를 표현한다. 음악과 움직임, 영상이 결합하는 방식으로 역사적 서사를 전달할 계획이다.

극작은 장성희, 각색·작사와 작곡은 각각 장우성과 원미솔이 맡는다. 연출은 정태영, 안무는 홍유선이 담당한다. 각 분야의 창작진이 김구의 생애를 공연예술의 언어로 재구성한다.

작품의 의미는 새로운 음악을 사용한다는 사실만으로 결정되지 않는다. 랩과 다중 캐스팅, 영상과 퍼포먼스가 김구의 삶을 해석하는 데 얼마나 유기적으로 작동하는지가 관건이다. 익숙한 역사적 인물을 낯선 표현 방식으로 바라보게 하는 시도가 인물에 대한 이해를 넓힐 수 있을지 주목된다.

김구의 생애는 독립운동과 대한민국 임시정부 활동에 그치지 않는다. 광복 이후 분열된 조국의 통합을 위해 노력했던 행적까지 이어진다. ‘백범’은 ‘백범일지’를 바탕으로 소년 김창암에서 독립운동가 김구, 임시정부 주석을 거쳐 해방 이후에 이르는 삶을 다룬다. 독립과 문화의 가치, 통합을 향한 의지를 함께 조명하는 서사다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 박동선 기자] 그룹 엔믹스(NMIXX)가 날것의 보컬에 몽환적인 선율을 덧입힌 오리지널 메들리를 통해 새 앨범이 품은 서정적인 깊이와 다채로운 유닛 케미스트리를 입체적으로 꺼내 놓았다.

JYP엔터테인먼트 측은 지난 15일 공식 SNS를 통해 엔믹스 미니 6집 'Strange Muse(스트레인지 뮤즈)'의 오리지널 하이라이트 메들리를 전격 공개했다.

이번 영상은 앞서 시그니처 콘텐츠인 '아카펠라 하이라이트 메들리'로 증명했던 짙은 보컬 텐션 위에, 앨범 본연의 풍성한 사운드를 결합해 청각적 쾌감을 극대화한다. 타이틀곡 '긴 소원 (Birthday Wish)'의 몽환적인 내레이션과 벅차오르는 멜로디는 물론, 'Kerosene(케로신)', 'RudE TaLK(루드 톡)'의 감각적인 선율이 멤버들의 단단한 화음과 어우러져 신비로운 '뮤즈'의 서사에 생명력을 불어넣는다.

특히 데뷔 이래 처음으로 선보이는 유닛곡 3트랙의 음원 일부가 최초로 공개돼 이목을 집중시킨다. 각 유닛 멤버들이 직접 작사에 참여하고 규진이 작곡까지 힘을 보탠 이 트랙들은 엔믹스의 폭넓은 음악 스펙트럼을 증명한다.

릴리와 해원은 유닛곡 '너는 달 (Sing to the Moon)'에 대해 "발라드를 좋아하시는 분이라면 꼭 들어보셨으면 한다. 음색과 감정 전달에 신경을 많이 쓴 곡"이라고 애정을 드러냈고, 'Hot 'n Unbothered'를 부른 설윤과 배이는 "쿨하면서도 성숙한 매력을 새롭게 보여드릴 수 있을 것 같다. 둘만의 케미스트리를 보여드릴 것"이라고 자신감을 비쳤다.

아울러 '휙 (WHIP)'을 가창한 지우와 규진은 "처음으로 유닛곡을 선보이게 됐는데, 저희 두 사람의 강렬한 목소리와 에너지를 잘 보여주는 곡이다. 기회가 된다면 새로운 조합, 다른 분위기의 유닛곡도 꼭 보여드리고 싶다"라며 그룹의 한계 없는 확장을 향한 당찬 포부를 전했다.

이렇듯 각기 다른 색깔의 유닛 무드와 완전체의 환상적인 하모니가 교차하는 이번 신보는 앞선 히트곡 'Blue Valentine(블루 밸런타인)'과 'Heavy Serenade(헤비 세레나데)'의 흥행 기세를 이으며 한층 진화한 엔믹스의 음악적 세계관으로 팬들을 흠뻑 빠져들게 할 전망이다.

한편 엔믹스의 미니 6집 'Strange Muse'는 오는 19일 오후 정식 발매된다.

뉴스컬처 박동선 dspark@nc.press

[뉴스컬처 권수빈 기자] 잔과 받침을 한 벌로 만든 탁잔은 고려시대 금속공예의 조형 감각과 세공 기술을 함께 보여주는 유물이다. 은으로 형태를 만들고 표면에 금을 입힌 뒤 꽃과 식물 무늬를 정교하게 새겼다. 잔과 받침의 형태부터 표면 장식까지 세심하게 설계해 실용적인 그릇에 장식성을 더했다.

국립박물관문화재단은 최근 10월의 유물로 보물 ‘은제 금도금 잔과 잔 받침’을 소개했다. 국립중앙박물관이 소장한 이 유물은 고려시대에 제작된 금속공예품으로, 높이 12.3㎝, 잔 입구 지름 8.6㎝, 받침 지름 16.5㎝다. 잔과 받침이 한 세트로 구성된 탁잔(托盞)은 잔을 안정적으로 올려놓을 수 있도록 받침 중앙에 고임대를 두고, 아래에는 굽을 붙인 구조가 특징이다.

먼저 눈에 들어오는 것은 꽃잎을 본뜬 형태다. 잔과 받침 모두 여섯 장의 꽃잎을 기본으로 삼았으며, 굴곡진 외곽선이 전체 형태에 리듬감을 준다. 잔과 받침은 서로 닮은 형태를 이루면서도 크기와 높이에 차이를 둬 하나의 기물로서 균형을 갖췄다. 받침의 넓은 테두리와 중앙의 고임대, 그 위에 놓이는 잔까지 이어지는 구조는 기능과 장식이 따로 나뉘지 않고 함께 설계됐음을 보여준다.

표면 장식에는 여러 금속 세공 기법이 쓰였다. 타출(打出)은 금속판의 안쪽이나 바깥쪽에서 정을 두드려 문양을 도드라지게 만드는 방식이다. 평평한 금속 표면에 입체감을 부여할 수 있어 장식의 윤곽과 높낮이를 섬세하게 표현하는 데 적합하다. 이 탁잔에는 타출 기법으로 꽃송이 등을 입체적으로 나타냈으며, 잔과 받침 윗면에는 새김 기법으로 모란 무늬를 더했다. 선으로 새긴 문양과 도드라진 장식이 한 표면에서 어우러져 빛을 받는 방향에 따라 서로 다른 인상을 준다.

은으로 만든 기물에 금을 입힌 마감 방식도 눈여겨볼 만하다. 은의 형태와 세밀한 조각을 바탕으로 금빛을 더해 장식 효과를 높였다. 여섯 꽃잎의 반복적인 윤곽, 모란을 비롯한 식물 무늬, 입체 장식이 한데 어우러지면서 화려함만 앞세우기보다 형태의 질서와 세부 표현을 함께 살렸다. 작은 잔과 받침에 여러 기법을 적용한 점은 고려시대 장인들이 금속의 성질을 이해하고 형태 제작과 표면 장식을 정교하게 다뤘음을 보여준다.

이 같은 탁잔은 당시 생활문화와도 연결된다. 잔과 받침을 함께 사용하는 형식은 고려시대에 금속뿐 아니라 청자로도 제작됐다. 서로 다른 재료로 같은 형태의 그릇을 만들었다는 점은 탁잔이 특정한 재료에 한정되지 않고 당대에 널리 쓰인 기형이었음을 짐작하게 한다. 이 유물 역시 차를 마실 때 사용한 다구의 하나로 추정된다.

고려의 금속공예는 당시 문헌에도 등장한다. 1123년 고려를 방문한 송나라 사신 서긍은 귀국 후 저술한 ‘고려도경’에서 ‘반잔’이라는 이름으로 탁잔을 소개했다. 은으로 만들거나 금을 입힌 그릇에 정교한 무늬를 새겼다는 기록도 남겼다. 당시 외국 사신의 기록에 고려의 금속 그릇이 등장한다는 점은 탁잔이 고려의 기물 문화에서 차지했던 위치를 살펴보는 데 참고가 된다.

‘은제 금도금 잔과 잔 받침’은 생활용기이면서 동시에 금속공예의 기술과 미감을 집약한 작품이다. 잔과 받침이라는 기능적인 구성 안에서 재료와 형태, 장식이 조화를 이룬다는 점에서 고려시대 금속공예의 제작 수준과 생활문화를 함께 읽을 수 있다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 발레를 보기 위해 극장을 찾는 대신, 산책하던 호숫가에서 무용수들의 몸짓을 만나는 경험은 공연예술을 바라보는 시선을 바꾼다. 객석과 무대의 경계를 낮추고 일상의 공간을 예술을 만나는 장소로 바꾸는 시도다. 석촌호수의 가을 풍경을 배경으로 펼쳐진 ‘2026 서울발레페스티벌’은 발레가 전문 공연장을 넘어 시민의 일상으로 다가가는 모습을 보여줬다.

‘2026 서울발레페스티벌’이 지난 15일 서울 송파구 석촌호수 서호 수변무대에서 개막했다. 올해로 4회를 맞은 축제는 국내외 발레단의 공연과 시민 참여 프로그램을 결합한 야외 발레 행사다. 가을 호수라는 열린 공간에서 클래식 발레와 현대적인 춤을 함께 선보이며 관객과의 접점을 넓혔다.

개막 무대는 음악 공연으로 문을 열었다. 아리랑오케스트라가 클래식 명곡 음악회를 선보였고, 팝페라 그룹 제네다가 식전 공연을 이어갔다. 이어진 본공연에는 국내외 발레단이 참여해 각기 다른 작품을 선보였다.

이날 눈길을 끈 공연 가운데 하나는 서울발레시어터와 슬로바키아 국립발레단의 ‘백조의 호수’였다. 고전 발레의 대표작이 석촌호수 수변무대에 오르면서 익숙한 레퍼토리를 야외에서 감상하는 기회를 제공했다. 호수와 가을 풍경을 배경으로 펼쳐진 공연은 발레 특유의 섬세한 동작과 무대의 시각적 매력을 함께 전달했다.

이어 서울유스발레단의 ‘겐자노의 꽃 축제’, 체코 국립발레단의 ‘Grand Pas Classique’, 유미크댄스의 ‘피에스타’가 관객을 만났다. 고전 발레의 정교한 기교를 보여주는 작품부터 현대적인 감각을 담은 무대까지 프로그램을 다양하게 구성해 발레의 폭넓은 표현 방식을 소개했다. 국내 단체와 해외 발레단이 한 축제에 참여했다는 점에서도 여러 무용단의 레퍼토리를 비교해 감상할 기회가 됐다.

야외 발레 축제의 의미는 공연을 관람하는 방식에서도 찾을 수 있다. 극장 공연은 작품에 집중할 수 있는 환경을 제공하지만, 공연장 방문 자체가 익숙하지 않은 시민에게는 진입 장벽이 될 수 있다. 반면 공원과 호숫가 같은 생활 공간에서 열리는 공연은 산책이나 나들이를 계기로 예술을 접하게 한다. 전문 무대에서 발전해 온 발레를 더 넓은 관객층과 연결하려는 시도라는 점에서 야외 축제의 역할을 살펴볼 만하다.

다만 야외 예술축제가 지속적으로 시민과 만나기 위해서는 공연의 완성도와 함께 관람 편의, 프로그램의 다양성, 지역사회와의 협력도 뒷받침돼야 한다. 한 차례의 관람 경험을 발레에 대한 지속적인 관심으로 연결하고, 축제 기간 이후에도 예술을 접할 기회를 넓히는 일이 앞으로 살펴볼 과제다.

서울발레페스티벌조직위원회는 앞으로 기업과의 협업을 확대하고 공연 및 시민 참여 프로그램을 통해 문화예술 향유 기회를 넓혀갈 계획이다. 석촌호수에서 시작된 축제가 야외 발레의 매력을 알리는 동시에 지역과 예술이 함께하는 문화행사로 자리 잡을 수 있을지 주목된다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 김지연 기자] 그룹 모디세이(MODYSSEY)가 한층 진화한 음악과 퍼포먼스를 앞세워 본격적인 컴백 행보에 나섰다. 

모디세이(헝위, 판저이, 리즈하오, 린린, 수런, 이첸, 로완)는 지난 15일 방송된 Mnet '엠카운트다운'에서 첫 번째 EP 'MODYSSEY The 1st EP 2.Multitude: How We Bloom(모디세이 더 퍼스트 EP 2.멀티튜드: 하우 위 블룸)'의 타이틀곡 '타! (CAN YOU HEAR THAT)' 무대를 선보였다.

지난 12일 새 앨범을 발표한 후 첫 음악방송 무대인 만큼 모디세이는 준비해 온 역량을 아낌없이 쏟아내며 강렬한 인상을 남겼다. 이날 일곱 멤버는 블랙 레더를 중심으로 한 스타일링으로 시크하면서도 거친 매력을 발산했다. 의상에 통일성을 부여하면서도 각자의 개성이 드러나는 디테일을 살려 그룹 특유의 감각적인 분위기를 완성했다.

특히 일곱 멤버가 빈틈없이 호흡을 맞춘 군무는 강한 타격감이 느껴지는 동작과 유연한 움직임을 오가며 역동적인 장면을 만들어냈다. 여기에 세련된 사운드와 맞물리는 안무 구성, 각자의 개성을 살린 표현력이 더해지면서 무대의 완성도를 끌어올렸다. 절도 있는 동작 속에서도 자연스러운 연결과 에너지의 변화를 살려 보는 재미를 더했다.

무엇보다 데뷔곡 ‘HOOK(훜)’으로 보여줬던 당찬 매력을 한층 확장했다는 점이 눈길을 끌었다. 신인다운 폭발적인 에너지는 그대로 유지하면서도 무대를 이끄는 여유와 카리스마가 더해져 모디세이의 성장 가능성을 엿보게 했다. 객석에서도 뜨거운 반응이 이어졌다. 

무대를 마친 모디세이는 "열심히 준비한 신곡 '타!'를 선보이게 돼 정말 기쁘다. 첫 음악방송 무대부터 팬 여러분이 보내주신 큰 함성과 응원 덕에 힘이 났다"며 "한층 성장한 음악과 퍼포먼스 보여드릴 테니 많은 기대 부탁드린다"고 이번 활동을 통해 더욱 발전한 모습을 선보이겠다는 각오를 밝혔다.

모디세이는 새 앨범 발매에 앞서 일본 오사카와 요코하마, 서울에서 데뷔 첫 팬콘서트 투어를 진행하며 팬들과 직접 만났다. 국내외 무대를 오가며 공연 경험을 쌓은 이들은 이번 컴백을 통해 활동 영역을 더욱 넓혀갈 계획이다. 무엇보다 팬콘서트 투어를 중화권으로 확장해 올해 하반기 다양한 글로벌 지역에서 팬들을 만날 예정이라 기대를 높인다. 

한편 모디세이는 오는 11월 20일과 21일 일본 교세라 돈 오사카에서 열리는 '2026 MAMA AWARDS(2026 마마 어워즈)'에 출연한다.

뉴스컬처 김지연 starlife6@naver.com

[뉴스컬처 권수빈 기자] 먹음직스럽게 크림을 올린 케이크와 가지런히 놓인 구두, 서로 다른 곳을 바라보는 인물들, 높은 곳에서 내려다본 도시의 풍경. 미국 화가 웨인 티보(Wayne Thiebaud·1920~2021)의 그림에는 일상에서 흔히 마주치는 대상이 등장한다. 두껍게 쌓인 물감은 음식의 질감을 살리고, 사물 아래로 길게 늘어진 그림자는 파랑과 보라, 노랑으로 물든다. 평범한 사물이지만 티보의 붓질과 색채를 거치면 익숙했던 대상도 새로운 모습으로 다가온다.

현대카드 컬처프로젝트 31 웨인 티보 전시가 서울 동대문디자인플라자(DDP)에서 진행 중이다. 2027년 2월 21일까지 이어지는 이번 전시는 1947년 자화상부터 2021년 작가의 마지막 작품까지 60여 년에 걸친 작품 105점을 소개하는 국내 첫 대규모 회고전이다. 정물화와 인물화, 도시 풍경화, 판화 등 다양한 작업을 통해 미국 현대미술을 대표하는 작가의 예술 세계를 살펴볼 수 있다.

초기 작품에서는 티보의 회화가 형성된 과정을 엿볼 수 있다. 1960년대 초 미국 전역에 이름을 알리기 전까지 그는 상업 디자인과 만화, 무대 디자인, 미술 교육 등 여러 분야에서 활동했다. 1940~1950년대 작품에는 추상표현주의의 영향이 남아 있으며, 두꺼운 물감과 흙빛 계열의 색채, 평면적으로 구성한 형태가 눈에 들어온다.

초기작인 ‘자화상’(1947)과 ‘시가 진열대’(1955)에서는 붓질의 흔적이 선명하다. 가로 방향으로 길고 일정하게 이어지는 붓 자국은 반복되는 패턴처럼 보일 정도다. 사물의 윤곽을 매끈하게 다듬기보다 물감이 지나간 흔적을 남겨 대상의 형태와 질감을 함께 드러낸다. 티보는 무엇을 그릴 것인가뿐 아니라 물감을 어떻게 다루고, 붓질로 대상의 형태를 어떻게 만들어낼 것인가에도 관심을 기울였다.

이러한 특징은 음식과 디저트를 그린 정물화에서 더욱 두드러진다. 샐러드와 샌드위치, 케이크, 아이스크림이 등장하는 작품에서는 물감이 실제 음식의 질감을 닮아 있다. ‘무제(식료품)’처럼 샐러드 진열장을 그린 작품을 보고 있으면 수북하게 쌓인 샐러드를 스쿱으로 떠낼 수 있을 것 같은 느낌이 든다. 두껍게 올린 물감은 크림이나 마요네즈처럼 보이고, 대상의 표면을 따라가는 붓질은 사물의 입체감을 살린다. 물감이 대상을 묘사하는 재료인 동시에 그 자체로 만져질 듯한 질감을 만들어낸다.

티보는 사물을 가지런히 배열하면서도 그 안의 미세한 차이를 놓치지 않는다. 비슷한 모양의 케이크도 장식과 색이 조금씩 다르고, 같은 진열대에 놓인 물건들도 저마다 다른 모습을 지닌다. 일상적인 상품을 반복해 그리지만 기계적으로 복제한 듯한 인상은 남지 않는다. 오히려 비슷한 대상 사이에 생기는 작은 차이가 그림을 자세히 들여다보게 한다.

사물의 배열과 그 안의 차이라는 주제는 ‘줄지어 놓인 신발’에서도 확인할 수 있다. 서로 다른 디자인의 구두 여러 개가 하나씩 놓여 있다. 얼핏 비슷해 보이지만 앞코와 굽, 장식 등 세부적인 형태는 제각각이다. 신발이 한 쌍이 아니라 한 짝씩 개별적으로 배치한 점도 눈에 띈다. 가지런히 정돈된 진열 방식과 각기 다른 구두의 모습이 대비되면서 반복되는 사물 속에서도 차이를 발견하는 티보의 관심이 드러난다.

‘질서와 무질서’ 섹션에서는 티보가 다양한 재료를 다루는 방식을 살펴볼 수 있다. 유화뿐 아니라 목탄과 연필 드로잉, 수채, 유채, 파스텔 작품이 함께 전시돼 있다. ‘세 개의 사과 젤리’, ‘예술 서적이 있는 정물’, ‘우상 조형물과 시계’, ‘장난감’ 등은 목탄이나 연필로 형태를 포착한 작품이다. ‘무제(여섯 병의 탄산음료)’와 ‘줄지은 진열’은 수채, ‘사무실 정물’, ‘페퍼민트 캔디 진열대’는 유채로 표현했다. 이처럼 같은 사물의 형태와 배열을 다루더라도 재료에 따라 표현의 느낌이 달라진다. 파스텔로 그린 ‘흩어진 파스텔’은 가지런한 배열에서 벗어나 색색의 파스텔을 여러 방향으로 흩어 놓았다. 규칙적인 배열뿐 아니라 그 질서가 흐트러지는 순간에도 시각적 조화를 만들어낸다.

그림자를 표현하는 방식도 눈길을 끈다. ‘둥글게 놓인 디저트’에서는 디저트 주변의 그림자가 노랑과 연두, 보라 등 다양한 색으로 나타난다. 검은색이나 회색으로 그림자를 처리하는 대신 여러 색을 활용해 대상과 주변의 관계를 표현한다. 이 같은 방식은 다른 작품에서도 반복된다. 밝은 색의 음식과 길게 늘어진 색색의 그림자가 어우러지면서 사물의 입체감뿐 아니라 독특한 색채의 리듬도 만들어진다.

눈길을 끄는 작품 중 하나는 ‘35센트짜리 걸작들’(1970/1972)이다. 철제 진열대에 미술 작품의 이미지가 엽서처럼 나란히 놓여 있고, 위에는 ‘Masterworks 35¢’라는 가격표가 붙어 있다. 미술관에서나 만날 법한 명작들이 저렴한 가격에 판매되는 소비 상품으로 바뀐 장면이다.

작품에는 루소와 세잔, 몬드리안, 모네, 드가, 마티스, 피카소 등 미술사 거장들의 작품이 엽서 형태로 등장한다. 미술사의 중요한 작품들을 누구나 구입할 수 있는 상품으로 배열한 것이다. 티보는 자신이 예술적 영감을 얻은 거장들의 작품을 한자리에 모으면서 미술을 감상하고 소유하는 방식까지 그림의 소재로 삼았다.

원작의 역사적 가치와 엽서의 저렴한 가격 사이에는 큰 간극이 있다. 티보는 이를 무겁게 다루기보다 익숙한 상점 진열대의 모습으로 풀어낸다. 미술사의 걸작도 일상에서 쉽게 접할 수 있는 이미지가 될 수 있다는 점에서 흥미롭다. 예술이 과거의 작품을 감상하는 데 그치지 않고, 이를 바라보고 배우며 새롭게 해석하는 과정 속에서 이어진다는 생각도 읽힌다.

티보는 관람객이 자신의 작품을 보고 보이는 반응에도 관심을 기울였다. 전시장 곳곳에는 작품을 바라보는 그의 태도를 짐작할 수 있는 말들이 놓여 있다.

“나는 사람들이 내 작품을 보고 미소 짓거나 의아해할 때가 좋다. 그런 반응은 내 작업의 중심에 있다.”

익숙한 사물을 보고 미소를 짓다가도 색채와 붓질, 대상의 배치에서 낯선 느낌을 받는 경험은 이 말과 맞닿아 있다. 티보의 그림은 무엇을 그렸는지 알아보는 데서 끝나지 않고, 익숙한 대상을 어떻게 바라볼 것인지 생각하게 한다.

전시의 또 다른 축은 인물화다. 티보는 1960년대 중반부터 인물에 관심을 기울였으며, 정물화에서 사용한 형식적 구성을 인물화에도 적용했다. 밝고 절제된 배경 앞에 인물을 배치하고 강한 명암 대비와 색채로 인물의 존재감을 드러낸다. 특히 붓질이 인물의 윤곽을 따라 이어지면서 인물 주변으로 윤곽선 같은 띠가 형성된다. 후광처럼 보이기도 하는 이 효과는 인물의 존재감을 강조한다. 그러나 그림 속 인물들은 신화 속 존재나 특별한 영웅이 아니라 일상에서 마주칠 법한 사람들이다.

‘앉아 있는 다섯 인물’(1965)을 보면 다섯 사람은 나란히 앉아 있지만 서로 다른 곳을 바라본다. 같은 공간에 머물면서도 시선은 좀처럼 만나지 않는다. 각자 자신의 생각에 잠긴 듯한 모습은 인물 사이의 거리감을 강조한다. ‘초록 드레스’(1966)와 ‘학생’(1968)에서도 인물의 감정은 직접적으로 드러나지 않는다. 표정이나 행동으로 이야기를 설명하기보다 인물의 자세와 시선, 주변의 정적을 통해 고독을 드러낸다.

이러한 인물화에서 느껴지는 낯섦은 전시 후반부의 ‘봉제 장난감’(2004)과 ‘유쾌한 아이스크림 콘’(2000)에서도 다른 방식으로 나타난다. 선반 위에 놓인 봉제 인형은 박제된 동물처럼 보이기도 하고, 어떤 인형은 살아 있는 동물처럼 시선을 보내는 듯하다. 웃는 광대 얼굴을 한 아이스크림도 먹거리와 생명체의 경계를 흐린다. 친숙한 대상이 익숙한 맥락에서 벗어나면 평범한 사물도 어딘가 기묘하게 느껴진다. 티보는 일상의 소재를 낯선 배경에 배치하거나 생명체를 연상시키는 방식으로 표현해 관람객이 대상을 다시 바라보게 한다.

그의 풍경화도 색다르다. 티보는 1970년대부터 공중에서 내려다보는 시점이나 극단적인 원근법을 활용해 도시와 자연을 그렸다. 언덕과 도로, 건축물은 장소를 재현하는 요소인 동시에 기하학적인 형태로 기능한다. 높은 곳에서 내려다본 풍경에서는 들판과 운하가 색면으로 나뉘고, 도시의 도로와 교차로는 가파르게 이어지는 선으로 표현된다.

티보는 풍경을 바라보고 그리는 일에 관해 “나는 그저 아름다운 장소를 보고 그것을 그리는 풍경의 측면에만 관심이 있는 것이 아니다. 어떻게든 풍경을 다루고 변형하면서, 그것을 무엇으로 만들어 낼 수 있는지 보고 싶다”고 말했다. 실제 장소를 바탕으로 하면서도 시점을 바꾸고 형태와 색채를 재구성한 그의 풍경화는 이 말을 구체적으로 보여준다. 티보에게 풍경은 눈앞의 모습을 옮겨놓는 대상인 동시에 회화로 새롭게 구성할 수 있는 소재였다.

‘도시 전경’에서는 샌프란시스코의 언덕과 교차로가 롤러코스터처럼 굽이치는 풍경으로 바뀐다. 실제 거리에서 바라보는 시점과 달리 도시의 구조가 한눈에 들어오도록 구성했다. 건물과 도로의 전체 모습을 높은 곳에서 내려다보거나 고층 레스토랑의 통창 너머로 바깥을 바라보는 듯한 구도도 나타난다.

해변 풍경에서도 이러한 특징이 이어진다. 젊은 시절 캘리포니아 롱비치에서 인명구조원으로 일했던 티보에게 바다는 오랫동안 중요한 소재였다. ‘무릎 꿇은 두 인물’(1966)에서는 해변의 인물 두 명이 강한 햇빛 아래 정물처럼 놓여 있다. 주황색과 노란색, 파란색 수영복의 대비는 인물의 입체감을 강조하고, 길게 뻗은 푸른 그림자는 두 사람이 지면에서 살짝 떠 있는 듯한 인상을 준다. 이후의 ‘삼각 해변’과 ‘바닷가 리조트’에서는 높은 곳에서 내려다본 해변에 작은 인물과 파라솔, 수건이 흩어져 있다. 멀리서 바라보면 이 요소들이 일정한 간격으로 놓인 색과 형태의 배열처럼 읽힌다.

전시장에는 티보의 작업 과정을 담은 아내 베티 진 티보의 다큐멘터리가 상영된다. 젊은 시절 월트 디즈니 스튜디오에서 애니메이션 작업에 참여했던 경험과 상업 분야에서 쌓은 경력이 그의 예술 세계에 어떤 바탕이 됐는지 알 수 있다. 영상 속 작업실에서 붓을 움직이는 모습과 상점, 진열대, 간판을 바라보는 장면은 그의 그림에 등장하는 소재가 특별한 장소가 아닌 일상에서 관찰한 풍경에서 출발했음을 보여준다.

전시의 마지막에는 ‘백 살 광대’(2020)가 놓여 있다. 티보가 세상을 떠나기 1년 전에 그린 작품으로, 그의 마지막 자화상이다. 분장한 나이 든 광대의 모습에는 사람들을 웃게 하는 직업의 유쾌함과 노년의 연약함이 함께 담겨 있다. 100세 생일을 앞둔 인터뷰에서 티보는 “오래도록 행복하게 살고 싶은 여러분들에게 건강을 잘 돌보고, 아름다운 삶을 누리며, 시를 읽고, 좋은 음악을 듣고, 운동을 하라고 말씀드리고 싶어요. 마침 저도 그러려던 참입니다. 지금 테니스 코트로 향하고 있거든요!”라고 말했다.

평생 그림을 그리고 테니스를 즐긴 작가의 말은 그의 작품만큼이나 일상적이고 소박하다. 마지막 자화상에 담긴 나이 든 광대와 여전히 테니스 코트로 향하려던 작가의 모습이 겹쳐진다. 전시는 그렇게 작품을 통해 만난 화가를 그림 밖의 한 사람으로도 떠올리게 한다.

뉴스컬처 권수빈 ppbn0101@nc.press

[News Culture] Museum visitors usually turn to wall text, an audio guide or a scheduled docent tour when a work raises a question. A new AI service at ARKO Art Center is designed to make that exchange immediate: visitors ask the question themselves and choose how detailed an answer they want.

Exhibition-content company Bucket Travel introduced its AI docent, CULF, on Oct. 16 as part of ARKO Art Center’s special exhibition “Collection: Scenes of an Era.” Visitors can access the service on their smartphones, type questions about works on view or select from suggested prompts.

CULF offers two modes aimed at different levels of familiarity with art.

“Poyongi,” built around the idea of inclusion, explains art terminology and individual works in accessible language. “Yuyongi,” whose name reflects the center’s emphasis on usefulness, goes further into an artist’s working process and the historical context surrounding a work.

The distinction allows someone encountering contemporary art for the first time to begin with a straightforward explanation, while visitors looking for more detail can move into a deeper level of interpretation.

Both modes, however, draw from the same source material.

Rather than allowing the AI to answer freely from an open-ended pool of information, CULF is grounded in exhibition materials supplied by the institution. Guidelines are also in place to prevent the system from presenting unverified information or speculation about an artist’s intentions as fact, with responses to major anticipated questions reviewed as part of the process.

That controlled source base is a key part of the service.

The exhibition, on view in ARKO Art Center’s Galleries 1 and 2 through Dec. 6, brings together 70 works by 60 artists alongside archival material on the artists, the museum’s exhibition history and research by outside scholars. The presentation uses the collection to look at shifts in Korean contemporary art as well as the exhibition history accumulated by the institution.

CULF is intended to sit alongside that material rather than replace it.

Visitors can enter a question as it occurs to them in front of a work, filling in information that may not fit into a conventional wall label. Suggested questions also provide an entry point for those unsure where to begin.

The service does not attempt to answer everything.

Its responses are kept within the material and interpretive parameters provided by the institution. That separates the experience from a general-purpose generative AI chatbot, where an answer may draw from a much broader and less exhibition-specific information base.

Bucket Travel developed CULF from its experience producing audio guides and arts-education content. CEO Sun-a Myeong said the two docent modes were designed around the fact that visitors arrive with different questions and want different levels of explanation.

The project also points to a broader shift in how AI is entering museums.

Digital interpretation has long delivered predetermined information through audio guides, apps and QR codes. CULF moves toward a conversational model in which the visitor determines the next question and, to some extent, the depth of the encounter.

At ARKO Art Center, that means the smartphone becomes less a replacement for the docent than another route into the work — one that begins with what the visitor wants to know at that particular moment.

“Collection: Scenes of an Era” runs through Dec. 6 at ARKO Art Center in Seoul.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] A neighborhood store is rarely just a place to buy things. People stop in, exchange news, linger longer than planned and sometimes end up talking to someone they never meant to see. The original Korean musical A Spoonful of Moonlight uses that familiar setting to bring together people still trying to work out what they want—from their careers, their relationships and one another.

Running Oct. 16-18 at Gwanghwamun Art Hall in Seoul, the musical unfolds around Samgeori Supermarket and the people who drift through it. There are no extraordinary heroes or life-altering missions. Instead, the story finds its momentum in missed signals, awkward affection, stalled dreams and the conversations that become harder precisely because the people involved know each other well.

Ordinary People, Very Real Problems

The characters arrive at the supermarket carrying problems that may look small from the outside but feel anything but small to the people living through them.

A dream is not working out as planned. A feeling is difficult to say aloud. A close relationship becomes harder to navigate because too much has gone unsaid. As the characters collide in the same neighborhood space, misunderstandings multiply, advice arrives whether anyone asked for it or not, and romance becomes everyone’s business.

Comedy is the production’s first point of entry. Fast dialogue, sharply drawn personalities and ensemble timing keep the story buoyant before the musical begins to reveal what sits beneath the jokes. A comic mistake may come from insecurity; an overreaction may be the only way a character knows how to protect a feeling they cannot express directly.

The laughter is therefore not separate from the emotional story. It is how the audience gets close enough to see it.

Youth Without a Deadline

A Spoonful of Moonlight does not define youth by age alone.

Its characters struggle with the familiar fear of falling behind, the disappointment of working hard without seeing the result they expected and the hesitation that comes with saying what they really feel. Those experiences may belong to teenagers, but they can return at almost any point in adult life.

Characters including Naru and Da-eun move through different versions of that uncertainty. Some question whether they are making the right choices. Others hide what they want from the people closest to them. What connects them is not a shared answer but the absence of one.

The musical resists giving them a neat solution. Instead, it stays with imperfect people who make mistakes, try again and remain beside one another even when they cannot fix everything. Comfort comes less from a dramatic breakthrough than from the ordinary act of someone listening, laughing with you or refusing to leave.

That places the work at some distance from stories that define youth entirely through ambition or success. What matters here is not simply whether a dream is achieved, but who remains present while someone is trying to reach it.

When the Audience Joins the Room

The production also opens parts of the performance to audience response.

Messages and reactions from the house can feed into the actors’ interactions, giving individual performances a slightly different rhythm depending on the room. The device suits the setting: Samgeori Supermarket is already a place where people interrupt, interfere and become part of one another’s business.

The audience is therefore invited to feel less like an observer looking into a fictional neighborhood and more like another group of people temporarily occupying it.

Music carries the emotional weight that the comedy often keeps hidden. Scenes built around banter and physical energy can give way to songs in which the characters finally say what their ordinary speech has avoided.

The contrast is central to the musical’s rhythm. Comedy keeps the characters approachable; the songs reveal what that ease has been concealing.

From Youth Audiences to a Wider House

A Spoonful of Moonlight has previously been performed in schools and youth-oriented settings, where its themes of dreams, career choices, friendship, love, failure and persistence spoke directly to younger audiences.

The Gwanghwamun run opens the work to a broader mix of theatergoers.

Teenagers may recognize dilemmas they are currently living through. Adults may encounter versions of dreams or relationships they once considered urgent. Friends, couples and families may each find different points of entry into the same story.

That range is part of the production’s appeal. The musical does not ask every audience member to identify with the same character. It creates enough overlapping experiences for people of different ages to recognize something familiar from different points in their lives.

How the show lands may also depend on who is sitting in the next seat. Friends may compare similar mistakes. Couples may recognize things they have avoided saying. Parents and children may leave with different readings of the same character—and perhaps a reason to talk about them afterward.

Min-jung Kim, head of Lumora Company, said the intention was for audiences to enjoy the comedy first and discover their own stories inside it later. Rather than treating dreams and youth as grand abstractions, the production places them inside the daily lives of people who are uncertain, clumsy and still moving forward.

A Small Story in the Middle of Gwanghwamun

The venue also places the production within one of central Seoul’s most familiar cultural districts. Gyeongbokgung Palace and the streets of Seochon are within easy reach, allowing the performance to fit naturally into an autumn day out in the city.

That scale suits the musical.

The changes in A Spoonful of Moonlight are deliberately modest. No one suddenly becomes a different person. One character finally says what they feel. Another begins to understand someone else’s situation. Someone who had stopped moving finds enough courage to start again.

The musical is interested in those smaller shifts—the kind that happen because people spend time together rather than because one person arrives with all the answers.

A Spoonful of Moonlight plays at 7:30 p.m. on Oct. 16 and at 2 p.m. on Oct. 17 and 18 at Gwanghwamun Art Hall in Seoul.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Four musical-theater performers are stepping outside their usual characters for ONEPIECE, a one-day concert built around what happens when their individual voices meet without a scripted role between them.

Woo-hyuk Min, Hyung-kyun Cho, Yuria and Won-bin Kim will perform together Oct. 17 at Nodeul Island Live House in Seoul. The event, the first concert produced by Ieum Entertainment, will feature two substantially different programs: the 2 p.m. show leans toward Korean pop and other popular music, while the 6:30 p.m. performance turns its focus to musical-theater repertoire.

The split format gives the same four performers two different musical settings in a single day. Rather than building both concerts around a fixed greatest-hits program, the performers helped choose the songs and develop the concept, script and staging themselves.

That level of involvement is central to ONEPIECE. The four are not simply appearing on a program assembled for them; they have had a hand in deciding how the evening moves, which songs sit together and what kind of personality each show should have.

Min has worked across musicals, television drama and entertainment programs, moving comfortably between pop material and theater scores. Cho and Yuria have also built their careers around roles that demand both acting and strong vocal work, while Won-bin Kim currently appears as Hans in the Korean production of Frozen.

Together, they bring four distinct performance styles into a concert setting that allows them to sing outside the dramatic constraints of their current stage roles.

Among the songs on the program is “Dreaming of Balhae,” which the performers previously presented on the television music program Immortal Songs. The concert version shifts the number from a broadcast setting to a live room, where the arrangement and interplay with the band can register differently.

An eight-piece band will accompany both performances, giving the afternoon’s pop selections and the evening’s musical numbers their own live sound rather than relying on prerecorded accompaniment. The concert will also include behind-the-scenes talk about rehearsals and the process of building the show.

The performers have approached the project with different shades of anticipation. Min described happiness as time “wasted” with people one likes and said he wanted the concert to become a memorable moment shared with the audience. Cho took a more playful approach, joking that any mistakes during the show should be considered part of the direction.

Yuria spoke of the pleasure of making new memories with people she trusts, while Kim described the audience as the final piece completing ONEPIECE—a fitting image for a concert whose title is built around separate parts forming a single whole.

That idea also defines the show more clearly than any one song. ONEPIECE is less a showcase of four separate résumés than an experiment in combination: four theater voices, two contrasting set lists and a live band assembled around material the performers chose for themselves.

With pop in the afternoon and musical theater after dark, the concert offers two ways of hearing the same quartet—and a chance to see what remains of each performer’s musical identity once the costume, character and production around them fall away.

ONEPIECE will be performed at 2 p.m. and 6:30 p.m. on Oct. 17 at Nodeul Island Live House in Seoul.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Soo-jung Gye has spent two episodes walking into operating rooms and taking charge. In Episode 3 of ‘Doctor X: The Age of the White Mafia,’ she returns to Guseo University Hospital unconscious, covered in blood and unable to save herself.

New stills from the SBS medical noir show Soo-jung (Ji-won Kim) lying motionless on an emergency-room bed as emergency physician Sung-jin Kim (Joon-seok Heo) works to stabilize her. Intern Tae-kyung Park (Woo-seok Kim), who has followed the surgeon through the hospital’s mounting crises, can only watch in shock.

Hospital director Seung-kwon Boo (Hyun-joo Son) also appears in the emergency room, suggesting that Soo-jung’s condition may have consequences far beyond an isolated accident. The circumstances surrounding her injuries remain under wraps.

Since arriving at Guseo University Hospital as a contract surgeon, Soo-jung has disrupted its hierarchy with an approach that puts patients ahead of rank, influence and institutional politics. The first two episodes established her as the hospital’s most formidable surgeon, capable of taking over procedures that senior doctors could not complete.

Episode 3 reverses that dynamic. The doctor who has repeatedly stepped in when others lost control is now the person on the table, leaving her colleagues to make the decisions.

The mystery also arrives as ‘Doctor X’ builds momentum at home and abroad. The drama reached a peak domestic rating of 17.4% with its second episode and ranked No. 1 on Netflix’s global non-English TV chart for the Oct. 5-11 tracking period, according to Tudum.

It also topped Good Data Corporation’s Fundex rankings for TV-OTT drama buzz and combined cast buzz in the second week of October.

Episode 3 airs Oct. 16 at 9:50 p.m. KST on SBS.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] At Cheongju Women’s Prison, the workday begins before officers ever reach the cellblocks. Phones and other prohibited electronics must be left behind, security checks come first, and multiple locked gates separate the outside world from a facility housing more inmates than it was designed to hold.

The Oct. 17 episode of EBS1’s “Extreme JOB” goes inside South Korea’s largest women’s correctional facility, where officers supervise inmates serving sentences ranging from long prison terms to life imprisonment while managing the routine demands and sudden disruptions of daily prison life.

Overcrowding shapes nearly every part of that work. The prison has an official capacity of 619 but currently holds more than 800 inmates, with rooms designed for five sometimes accommodating eight. During overnight duty, a single officer may be responsible for roughly 100 to 150 inmates over a 15-hour shift.

The pressure begins almost as soon as officers report for duty. They review written request slips submitted by inmates, deal with disputes that arose overnight and respond to a steady stream of calls through intercoms connected to the living quarters.

Some requests are mundane, such as retrieving a hair tie left in a bathing area, but the volume adds up. On busy days, officers may process close to 100 requests while continuing to monitor the cellblocks and respond to other problems as they arise.

The prison’s rehabilitation division faces a different kind of workload. One of its regular duties is screening mail sent to inmates, including a large volume of correspondence from men incarcerated at other correctional facilities.

Officers examine roughly 2,000 letters, checking both the contents and anything enclosed inside. The program shows how that work can extend well beyond ordinary paperwork, with prohibited materials sometimes hidden in envelopes, including body hair or bodily fluids.

Security teams also carry out unannounced searches of inmate living areas.

The CRPT unit checks for items that may appear harmless but can be repurposed or concealed in ways that violate prison rules. Officers find improvised cosmetics made from lip balm, medication hidden inside instant-noodle containers and objects that could potentially be used as weapons.

When information about a prohibited item is received, the team can conduct a targeted search to recover it before it leads to an altercation or other safety problem.

The episode presents those inspections as part of a broader effort to maintain order in a facility where physical space is already under strain. Crowding means more people sharing each room, more interactions to monitor and less room for error when tensions escalate.

Night duty makes that strain especially visible.

For up to 15 hours, officers must remain alert to the possibility of fights, medical issues or sudden behavioral incidents while continuing the ordinary work of managing hundreds of inmates. Physical intervention is sometimes required, and officers can be injured while restraining someone whose behavior becomes dangerous.

What makes the job difficult, “Extreme JOB” shows, is not one dramatic task but the accumulation of many different responsibilities. Officers move constantly between inmate requests, correspondence screening, cell inspections, security incidents and the practical management of daily life inside an overcrowded institution.

That combination leaves little separation between routine and emergency. A shift may involve answering a minor request one moment and responding to a potentially dangerous situation the next.

The episode uses Cheongju Women’s Prison to show a side of correctional work that is largely invisible outside the prison gates. Maintaining security depends not only on locks and surveillance, but also on officers repeatedly checking, listening, responding and making judgment calls in an environment where staffing and space are under constant pressure.

With more than 800 inmates living in a facility designed for 619, even ordinary tasks take place against the background of overcrowding. “Extreme JOB” follows the officers responsible for keeping that system functioning from one shift to the next.

EBS1’s “Extreme JOB” airs Saturday, Oct. 17 at 9:05 p.m. KST.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Foreign words, technical jargon and difficult Sino-Korean expressions have become so common in signs, policy names and public notices that many people barely notice them. But familiarity does not always mean understanding, and when that language appears in welfare information, emergency announcements or government services, confusion can become more than an inconvenience.

KBS1’s “DocuON” examines that gap in the second installment of its Hangeul Day special, airing Oct. 17. Narrated by actor Won-young Choi, the documentary looks at how difficult public language can limit access to information, then follows efforts in Korea and abroad to make official communication easier to understand.

The program begins with a simple question: if public information is written for citizens, how many citizens can actually understand it?

When public information becomes a barrier

Street signs, store names and place names increasingly rely on foreign expressions, while government agencies often use specialized vocabulary or unfamiliar Sino-Korean terms in policy names and official notices. Such language may feel routine to people who encounter it frequently, but the program tests whether that apparent familiarity translates into accurate understanding.

The stakes become higher when the information concerns welfare benefits or public safety. Older adults may struggle to interpret the names and descriptions of support programs, while complicated wording in emergency announcements can delay understanding at the moment when clear instructions matter most.

“DocuON” uses experiments to examine how people respond to language that is technically available to everyone but not equally accessible to everyone. The issue is less about banning foreign words than about whether official communication is doing its basic job: allowing the public to understand what is being said.

Britain and the U.S. turned plain language into policy

The documentary places Korea’s debate within a longer international history of plain-language reform.

In Britain, government documents in the 1970s were often filled with difficult Latinate expressions and bureaucratic phrasing. The program revisits a case in which an elderly person reportedly died of hypothermia after being unable to understand the paperwork required to apply for heating support, an episode that became part of a broader debate over whether inaccessible official language could have real consequences for citizens.

The Plain English Campaign began in 1979, pushing public bodies to replace unnecessarily complicated wording with language people could use without specialist knowledge.

The United States later moved in a similar direction. In 2010, the Plain Writing Act required federal agencies to write certain public documents in clear, understandable language and encouraged the development of practical guidelines for officials preparing information for citizens.

Both cases treat language not simply as a matter of style, but as part of public access. A policy can exist on paper, but its value is diminished if the people it is intended to serve cannot understand how it works.

Korea has its own institutional response. Public agencies designate Korean language officers responsible for improving language use within their organizations, including reviewing official terminology and replacing difficult expressions with clearer Korean where possible.

“DocuON” follows that process inside public institutions, showing how language that has long been considered normal within administration can appear very different when viewed from the perspective of the person expected to read it.

Changing a century of billiards vocabulary

The push for clearer and more familiar language is not limited to government.

Korea’s billiards community has spent years reconsidering terminology inherited from Japanese usage, much of which remained common long after the sport became established in the country. In 2022, the industry formally introduced Korean alternatives for a number of those expressions.

Changing the vocabulary, however, has required more than publishing a new list. Players, commentators and recreational billiards communities have had to repeat and normalize the new terms before they can become part of everyday use.

The case shows how deeply language can become embedded in a professional culture. Even when a replacement is available, habits built over decades do not disappear immediately.

“DocuON” uses the billiards example to look at language change as a practical process rather than a symbolic campaign. New words survive only when people actually choose to use them.

Mushvenom builds a musical identity from Korean and dialect

The documentary then moves into popular music, where rapper Mushvenom has developed a distinctive style around Korean-language lyrics and regional dialect.

In a music environment where English phrases are common, Mushvenom draws instead on everyday Korean expressions and local speech, turning words that might sound ordinary in conversation into part of his musical identity.

The point is not that Korean and English exist in opposition. Rather, his work shows how the expressive range of Korean can expand when artists treat familiar vocabulary and dialect not as limitations, but as material with its own rhythm, humor and character.

That places popular music alongside the program’s other examples in an unexpected way. Public agencies may be trying to remove unnecessary complexity, while an artist may be looking for language with more texture and personality, but both cases depend on attention to how words are actually heard and understood.

The future of Hangeul begins with everyday language

Government forms, welfare programs, billiards terminology and hip-hop lyrics appear to belong to entirely different worlds, yet “DocuON” connects them through a common question: who is the language for?

In public institutions, the goal is to make information easier to access. In sports, it is to replace inherited terminology with expressions that can settle into ordinary use. In music, it is to show how Korean and regional speech can become a source of creative identity.

The documentary therefore moves beyond a familiar argument about whether foreign words are being used too often. Its broader concern is whether the language surrounding people every day remains understandable, usable and capable of changing with the society that speaks it.

The second part of KBS1’s Hangeul Day special looks at people already working on that change, from public officials rewriting difficult documents to sports communities reshaping established vocabulary and musicians finding new possibilities in words that have been there all along.

KBS1’s “DocuON” Hangeul Day special, Part 2, airs Saturday, Oct. 17 at 10:15 p.m. KST.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Reports had been filed. Bruises had been noticed. In some cases, children themselves had sought help. Yet the warning signs did not lead to protection before it was too late.

KBS1’s “In-Depth 60 Minutes” examines those failures in episode 1,476, airing Oct. 16. Titled “A Home Turned Into Hell: Why Couldn’t We Prevent the Children’s Deaths?,” the investigation follows cases in which suspected abuse had already come to the attention of adults or authorities, then asks what happened between the first warning and the child’s death.

The program also turns to the courts, analyzing 62 rulings from the past three years involving children who died following abuse by their parents. According to the production’s analysis, 80% of the victims were under age 3, raising questions not only about how the youngest children are protected but also about how abuse resulting in death is punished.

One case in Cheonan centers on an 11-year-old child whose risk of abuse had surfaced more than once. The child had failed to meet attendance requirements at a previous school, and suspected abuse was reported twice after bruising was found on the face. Shortly before the child’s death, the child also left a church and sought help at a restaurant and convenience store, but eventually returned to the church.

The child had previously been diagnosed with a mild intellectual disability and attention-related difficulties and spent more than a year at a psychiatric medical facility. In March, the child was exempted from compulsory schooling following an application by the maternal grandmother. The school later said it had not been aware of the earlier abuse reports, while education authorities acknowledged shortcomings in information sharing among relevant agencies.

The church has said restraints were used because of behavioral difficulties associated with the child’s disability. People who knew the child from kindergarten and private academies, however, told the program that they had not observed significant behavioral problems and instead remembered a child who had difficulty expressing needs.

The case raises a question that runs throughout the episode: when several institutions each hold part of a child’s history, who is responsible for seeing the full picture?

A separate case in Yangju, Gyeonggi Province, concerns a 3-year-old who died at an apartment in April. The child’s father is being held while standing trial on a charge of causing death through child abuse, while the mother is on trial without detention on a charge under the Child Welfare Act. Both parents maintain that the child’s death resulted from an accident rather than abuse.

There had, however, been a previous report of suspected abuse. When the child was taken to a hospital after being injured at daycare the previous year, a doctor noticed injuries and bruising around the eyes and contacted police.

The program reports that a municipal investigation did not proceed properly for about two months after that report. Producers met the mother directly and also received the father’s account in a letter as they reconstructed how the earlier warning was handled.

The issue is not simply whether a report was made, but what happened after it entered the system. “In-Depth 60 Minutes” examines the distance between identifying possible danger and taking measures capable of removing a child from it.

That problem becomes even more difficult when a child cannot easily describe what has happened.

In Seocheon, South Chungcheong Province, the program examines the case of Bitna, a pseudonym for a 7-year-old child with severe autism. A kindergarten teacher reported suspected abuse after finding bruises on the child’s face and body. Medical examinations later found six rib fractures believed to have occurred at different times.

A defendant accused of abusing the child has been detained and indicted, while the child’s mother is standing trial without detention on a neglect charge.

According to the program, the child was not promptly separated from the mother because investigators lacked evidence that she had personally committed the alleged abuse. A specialist agency later assessed that Bitna was capable of communicating nonverbally and had consistently identified the defendant when asked who had caused pain to particular parts of the body.

The case allows the documentary to examine how child protection systems evaluate testimony and behavioral signals from children with limited verbal communication, and whether existing procedures give those signals sufficient weight when immediate safety is at stake.

The second half of the investigation moves from intervention to sentencing.

One case involves Haedeun, who was 133 days old when the infant died in October last year. Examinations found 23 fractures along with extensive bleeding in the brain and other organs. The mother received a life sentence at the first trial, but the sentence was reduced to 35 years on appeal.

The appellate court considered factors including the absence of a finding that the killing had been planned, her admission of the offense and expression of remorse, and the fact that she had no previous criminal record.

Working with an attorney, the production reviewed 62 court rulings from the past three years involving children who died following parental abuse. Thirty-seven involved infants younger than 3 months, and children under age 3 accounted for 80% of all victims in the cases analyzed.

For cases involving victims under 3, the average prison sentence imposed on parents was 6.8 years.

Attorney Myung-sook Lee points to factors appearing in sentencing decisions, including acknowledgment of the offense and remorse, findings that the crime was not premeditated, calls to emergency services and the defendant having no prior convictions.

Rather than considering those factors in isolation, the program asks how sentencing standards operate when the victim is an infant or toddler who has little or no ability to seek help independently.

Across the cases, “In-Depth 60 Minutes” traces the child protection process from the first suspicion of abuse through investigation, emergency separation and, when protection fails, criminal proceedings.

The common thread is not an absence of warning signs. In several of the cases examined, someone had already noticed an injury, made a report or raised concern. What the program investigates is why those signals did not consistently produce intervention strong enough or fast enough to protect the child.

That question becomes particularly urgent for very young children and children with disabilities, whose ability to report abuse or leave a dangerous environment may be severely limited. The episode asks what authorities, schools, medical professionals and child protection agencies must be able to recognize — and share with one another — before another warning becomes part of a record examined only after a child has died.

KBS1’s “In-Depth 60 Minutes,” episode 1,476, airs Friday, Oct. 16 at 10 p.m. KST.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] Chiikawa the Movie: The Secret of the Mermaid Island held onto the top spot in Korea on Oct. 15, maintaining its advantage over The Assassin(s) as weekday traffic eased across the market.

The Japanese animated feature drew 35,422 admissions, bringing its Korean total to 1,450,447, according to the Korean Film Council (KOFIC).

Based on Nagano’s popular manga, the film follows Chiikawa and friends to a mysterious island after the promise of a reward 100 times larger than usual draws them into an unusual mission.

The Assassin(s) remained second with 23,511 admissions, taking its cumulative audience to 3,109,162.

Jin-ho Hur’s historical thriller revisits the unanswered questions surrounding the Aug. 15, 1974 assassination attempt that killed South Korean First Lady Yuk Young-soo. Hae-jin Yoo, Hae-il Park and Min-ho Lee lead the cast.

TAZZA: The Song of Beelzebub stayed third with 16,535 admissions, pushing its total to 1,816,886.

Yo-han Byun plays Jang Tae-young, an online casino entrepreneur who loses everything to his namesake and former friend Park Tae-young, played by Jae-won Noh. Their reunion on the international gambling circuit turns an old betrayal into a high-stakes revenge game.

The Odyssey continued its long run in fourth, adding another 8,610 admissions. Christopher Nolan’s epic has now drawn 12,215,228 moviegoers in Korea.

Matt Damon stars as Odysseus, alongside Tom Holland, Anne Hathaway, Robert Pattinson and Charlize Theron.

Street Fighter rounded out the top five with 7,064 admissions, lifting its cumulative total to 18,107.

Set in 1993, the action film brings Ryu and Ken Masters back into the ring after Chun-Li draws the longtime rivals into a battle royale that conceals a much larger conspiracy.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[News Culture] A boy vanishes in 17th-century Korea and turns up miles away, apparently carried off by a supernatural force. Nearly 400 years later, his mysterious disappearance has become the premise for a theatrical experience that would send audiences walking through the streets of Seoul.

Elsewhere in this imagined entertainment landscape, celebrated Joseon artist Shin Saimdang investigates art crimes, a newly appointed magistrate finds himself at the center of a murder mystery, and a teahouse becomes the setting for a game about listening to strangers' stories.

None of these projects has reached production. But together, they offer a glimpse of how a new generation of Korean storytellers is finding material in an unlikely place: the diaries, personal accounts and everyday records of the Joseon Dynasty.

The ideas emerged from the 12th University Student Content Competition Using Traditional Records, organized by the Korean Studies Institute (KSI) with support from the Ministry of Culture, Sports and Tourism.

The October 10 final brought together eight teams selected from 116 applicants representing 56 universities across South Korea. Their pitches spanned immersive theater, tabletop gaming, television, film, musicals, webtoons and streaming drama, reflecting an increasingly broad approach to adapting Korea's historical heritage.

A 390-Year-Old Mystery Finds a New Audience

The competition's grand prize went to Dokkaebi Yurangan, a four-member team formed by Minji Ko, Yunseo Jung and Jihu Moon of Ewha Womans University and Sangha Park of Yonsei University.

Their project, "Dokkaebi-ui Pan: Hollin Deut Hanyang-eul Geotda," is an immersive theatrical concept inspired by an account from April 8, 1636, in "Gyeam Ilrok," the diary of Joseon scholar Kim Ryeong.

The entry recounts the disappearance of the son of Choi San-hwi, a magistrate in Cheongsong. The boy was reportedly found at Hwangsansa Temple in the Andong region after traveling 60 ri overnight. His feet showed no injuries despite the barefoot journey, and his clothing remained dry even though it had rained. The extraordinary incident was attributed to a dokkaebi, a supernatural being from Korean folklore.

Rather than stage a conventional historical drama, the students have turned the account into a walking performance set in Hanyang, the Joseon-era capital.

The audience would follow a route through the city, encountering sounds, locations and episodes that gradually reveal the story. Movement through the urban landscape would become part of the performance itself.

The historical account takes place in southeastern Korea, but the adaptation relocates the experience to the capital. That creative departure is central to the concept: the team is interested less in reconstructing the original journey than in finding a new way for audiences to encounter an old story.

The result is a proposal that sits somewhere between theater, cultural tourism and an interactive historical mystery.

The first-prize winner, "Muyeonggok-ui Mokmin," approaches audience participation from another direction.

Developed by Dullog, a team comprising Yein Kim of Korea University and Wonkyung Lee of Sungkyul University, the project is a tabletop role-playing mystery in which a newly appointed magistrate arrives in town just as a murder is discovered.

Players take on different roles, investigate the crime and make decisions that determine how events unfold.

Both projects treat audiences as participants rather than passive observers. In one, the story progresses as people move through physical spaces. In the other, players shape the narrative through their choices.

The distinction matters because the students are not simply retelling stories from old manuscripts. They are building experiences around them.

Shin Saimdang, Murder Mysteries and a Joseon Teahouse

The other winning projects show just how far the competition's creators were willing to move beyond familiar historical-drama conventions.

Among the two excellence award recipients was "Saimdang, Nareul Geurida," a drama developed by Ready Action, a team of Yugyeong Choi and Chanmi Shim from Korea National University of Arts.

The series imagines Shin Saimdang, one of Korea's best-known historical artists, reborn in 2026 and working with a team investigating crimes involving artworks and cultural heritage.

Her expertise as a painter becomes the basis for a modern investigative character, allowing the writers to move beyond the conventional portrayal of Saimdang as an exemplary mother and historical figure.

The second excellence award went to "Kkotpuri: Dasi Sseuneun Ilgi," a cozy game devised by Sumin Lee and Hogyeong Lee of Ewha Womans University under the team name Pil Muryeop.

Set in a Joseon-era teahouse, the game asks players to prepare tea, welcome customers and listen to their stories. Its appeal lies in conversation, atmosphere and small personal encounters rather than combat or political intrigue.

The remaining four projects ranged from historical noir to musical theater.

"Kalchum," a film proposal by Geomkeukeu, draws on the geomgye, groups of outlaws active during the late Joseon period, to build a crime story around violence and organized gangs.

Gongsam-ui Sanakhoi turned to the life of Geumwon, a 19th-century female poet who traveled disguised as a man. Her journeys and writings inspired the musical "Hodongseorakgi," which places a woman's pursuit of travel and personal freedom at the center of the stage.

A webtoon titled "Okbunhyangnok," developed by Amagyedon, explores the search for one's own sense of beauty, while Hositamtam's streaming drama "Dongjjogeneun Hogeri Salgo Isseotda" draws on tiger attacks and religious tensions surrounding Catholicism in late-Joseon society.

The eight proposals share a historical foundation but little else in terms of genre or storytelling technique.

Famous figures appear alongside largely forgotten people. Supernatural rumors sit beside everyday domestic experiences. Some projects depend on elaborate fictional conflicts; others find their material in the quieter details of ordinary life.

That range suggests an opportunity for Korean historical storytelling beyond the royal intrigue, dynastic politics and battlefield narratives that have long dominated period entertainment.

Finding Stories Beyond Kings and Heroes

Much of the material available to the students came from Story Theme Park, a digital resource developed by KSI that organizes historical records around subjects including family life, work, travel, local administration, personal relationships and unusual incidents.

Unlike official histories focused on major political events, personal diaries often capture the kinds of details that conventional historical accounts overlook.

They document gossip, disputes, journeys, financial concerns and unexpected encounters. For contemporary creators, those fragments can provide character motivations, narrative conflicts and settings that are not immediately apparent in more familiar historical sources.

But finding an interesting passage is only the beginning.

Adapting a historical account for a modern audience requires decisions about perspective, narrative structure and the boundaries between documented events and fiction. A brief anecdote may support an entire drama, but only if its characters and conflicts can sustain a larger story.

The competition was designed to address that development process.

Starting in June, the eight finalist teams underwent approximately five months of mentoring, training camps and pitching workshops. Working with specialists, they refined their concepts and developed presentations explaining how each project would function in its chosen medium.

At the final event, teams had 10 minutes each to present their ideas before a seven-member judging panel. The organizers awarded 23 million won in total prize money, including 10 million won for the grand prize.

The exercise offered students practical experience in moving from research to a structured entertainment pitch, a process that requires both creative judgment and an understanding of production formats.

The Next Step Is Getting Made

KSI President Jongseop Chung pointed to two notable characteristics of this year's entries: a stronger emphasis on audience participation and greater interest in stories told from women's perspectives.

According to Chung, the range of submissions reflected the increasingly varied ways young creators are approaching Korea's traditional records. He said the institute intends to continue helping emerging storytellers discover material in historical documents and develop it for contemporary cultural platforms.

For now, the eight award-winning projects remain concepts. There have been no confirmed theatrical productions, game launches or television commissions associated with the proposals.

That distinction is important. The competition has demonstrated the range of ideas students can develop from archival material, but their viability as finished entertainment has yet to be tested.

Still, the projects point to a creative resource that is far from exhausted.

A strange incident recorded in 1636 has inspired an immersive theatrical mystery. A renowned female painter has become the heroine of a modern crime drama. A 19th-century woman's travels have provided the basis for a musical, while details of Joseon daily life have found their way into an intimate, character-driven game.

The most promising discovery may not be a particular historical figure or forgotten episode. It is the recognition that Korea's archives contain far more kinds of stories than its period dramas have traditionally told.

Reported by News Culture M.J._mj94070777@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 물은 발끝의 섬세한 움직임으로 고요를 빚고, 바람은 부채를 타고 풍류로 번지며, 흙은 단단한 발디딤에 생명력을 더한다. 서울시무용단의 ‘미메시스’는 자연의 이미지를 빌려 교방무와 한량무, 소고춤에 깃든 서로 다른 아름다움을 펼쳐 보인다. 전통의 몸짓에 오늘의 감각을 더해, 오래된 춤이 지닌 새로운 표정을 만난다.

‘미메시스’는 모방과 재현을 뜻한다. 작품은 기존 춤의 특징을 바탕으로 새로운 안무적 해석을 더한다. 전통춤이 지닌 움직임의 원리를 이어가면서도 자연의 이미지를 빌려 각 춤의 성격을 드러낸다. 교방무에는 물의 고요함을, 한량무에는 바람의 기운을, 소고춤에는 흙과 맞닿은 삶의 감각을 담았다.

세 춤은 서로 다른 움직임과 정서를 지닌다. 섬세한 발놀림으로 물의 이미지를 그리는 교방무, 부채와 호기로운 춤사위로 풍류를 표현하는 한량무, 단단한 발디딤과 기하학적 동작으로 농부들의 삶을 드러내는 소고춤이 차례로 전통춤의 다양한 표현 방식을 보여준다.

교방무 ‘물의 고요’는 절제된 움직임에서 출발한다. 세심한 발디딤과 버선발의 섬세한 표현이 춤의 인상을 형성한다. 큰 동작으로 대상을 직접 묘사하기보다 발끝과 몸의 움직임을 통해 물이 지닌 잔잔한 기운을 나타낸다. 움직임의 크기보다 세밀한 조절에 무게를 두면서 고요한 정서를 춤으로 옮긴다.

한량무 ‘바람의 형상’은 교방무와 다른 활기를 보여준다. 원작인 조흥동류 한량무의 부채 활용과 남성 춤사위에서 모티브를 얻어 풍류와 호방한 기운을 표현한다. 부채를 활용한 동작은 춤의 시각적 특징을 드러내며, 남성 무용수의 호기로운 몸짓은 여유와 활력을 더한다. 바람이 스쳐 지나가는 듯한 이미지는 정형화된 동작에 생동감을 부여한다.

소고춤 ‘흙의 교감’은 땅을 딛고 살아가는 사람들의 삶을 춤으로 나타낸다. 단단한 발디딤과 기하학적인 동작을 활용해 노동과 생활에서 비롯된 신체의 감각을 표현한다. 교방무가 섬세한 발놀림으로, 한량무가 부채와 풍류로 춤의 특성을 드러낸다면 소고춤은 힘 있는 움직임과 명확한 동작의 형태를 앞세운다. 농부들의 삶을 소재로 삼았다는 점에서 자연과 인간의 관계도 작품을 읽는 중요한 실마리가 된다.

세 작품에 부여된 물과 바람, 흙은 자연을 설명하기 위한 배경에 머물지 않는다. 각각의 이미지는 춤사위의 특성을 이해하도록 돕는 표현의 기준이다. 물은 섬세함과 고요함으로, 바람은 움직임의 활기와 풍류로, 흙은 단단한 발디딤과 생활의 감각으로 이어진다. 자연의 이미지를 통해 서로 다른 전통춤의 성격을 구분하고, 움직임에 담긴 의미를 구체화한다.

안무를 재구성한 윤혜정은 기존 춤의 특징을 토대로 세 작품을 새롭게 엮었다. 이 과정에서 전통의 형식을 그대로 반복하기보다 춤의 주요 동작과 정서를 살려 현대 관객이 받아들일 수 있는 표현으로 제시한다. 전통춤의 원형을 존중하면서도 재해석을 시도한다는 점에서 ‘미메시스’라는 작품명은 안무의 방향을 설명한다.

전통춤의 재해석은 원작의 특징을 얼마나 남기고 무엇을 새롭게 표현하느냐에 따라 다양한 결과를 낳는다. ‘미메시스’는 교방무와 한량무, 소고춤이 지닌 고유한 움직임을 토대로 자연의 이미지를 결합한다. 세 춤의 차이를 지우지 않고 각기 다른 신체 표현을 살리는 방식으로 전통춤의 폭넓은 미감을 드러낸다.

2026 대한민국 전통춤 축제에서 선보이는 ‘미메시스’는 전통춤을 과거의 유산으로만 바라보지 않고 현재의 무대에서 다시 읽는 시도다. 물과 바람, 흙이라는 친숙한 자연의 이미지는 전통춤의 움직임을 감각적으로 이해하도록 돕는다. 익숙한 춤사위에 새로운 해석을 더하는 과정에서 전통은 고정된 형식이 아니라 동시대의 관객과 만날 수 있는 예술적 표현으로 이어진다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press

[뉴스컬처 이준섭 기자] 동네 슈퍼는 물건을 사고파는 곳이면서 이웃의 안부를 묻고 소소한 일상을 나누는 장소이기도 하다. 잠깐 들렀다가 예상보다 오래 머물기도 하고, 별다른 용건 없이 마주친 사람과 이야기를 나누기도 한다. 창작뮤지컬 ‘달빛, 한스푼’은 이처럼 익숙한 동네 공간을 무대로 삼아 꿈과 사랑, 우정 사이에서 흔들리는 사람들의 이야기를 펼친다.

16일부터 18일까지 서울 광화문아트홀에서 공연하는 ‘달빛, 한스푼’은 삼거리 슈퍼에 모인 인물들의 일상을 따라가는 작품이다. 거창한 사건이나 비범한 인물 대신 누구나 주변에서 만날 법한 사람들을 내세워 청춘의 고민을 들여다본다. 빠른 대사와 코미디로 관객의 웃음을 끌어내면서 인물들이 감춰온 속마음을 음악과 이야기로 풀어내는 방식이다.

■ 특별한 사람보다 평범한 사람의 이야기에 주목하다

작품 속 인물들은 저마다 해결되지 않은 문제를 안고 살아간다. 원하는 대로 풀리지 않는 꿈과 현실, 쉽게 표현하지 못하는 애정, 가까운 사이일수록 어려워지는 대화가 이들의 일상을 채운다. 다른 사람에게는 대수롭지 않아 보이는 고민도 당사자에게는 좀처럼 가볍게 넘길 수 없는 문제다.

이야기의 무대가 되는 삼거리 슈퍼에는 서로 다른 성격과 사정을 지닌 사람들이 모인다. 사소한 말이 오해를 낳고, 남의 연애에 참견하다 뜻밖의 상황을 만들기도 한다. 각자의 방식으로 마음을 감추는 인물들이 한 공간에서 부딪치면서 웃음이 생긴다. 작품은 이들의 관계를 통해 청춘의 불완전함과 사람 사이의 친밀함을 함께 보여준다.

코미디는 관객이 인물에게 다가가는 첫 번째 통로다. 재치 있는 대사와 배우들의 호흡, 개성이 뚜렷한 캐릭터가 이어지면서 극의 분위기를 유쾌하게 이끈다. 무거운 고민을 앞세워 관객에게 공감을 요구하기보다 인물들의 행동과 관계를 먼저 즐기도록 한 뒤, 그 안에 담긴 감정을 발견하게 하는 구성이다.

웃음을 유발했던 행동이 인물의 불안이나 서툰 표현 방식에서 비롯됐다는 사실을 알게 되면 같은 말과 행동도 다르게 다가온다. 관객은 인물의 실수를 비웃는 데 그치지 않고 그들이 왜 그런 선택을 했는지 살펴보게 된다. 희극적 상황이 인물에 대한 이해로 이어지는 과정은 작품이 지향하는 감정적 경험이다.

■ 꿈을 향한 불안과 사랑 앞의 망설임

‘달빛, 한스푼’이 다루는 청춘은 특정 연령에 한정되지 않는다. 꿈을 찾아가는 시기에 겪는 혼란뿐 아니라 오랜 시간 노력했는데도 기대한 결과를 얻지 못했을 때의 낙담, 마음을 전하고 싶으면서도 선뜻 말을 꺼내지 못하는 망설임이 작품에 담겨 있다.

누군가는 다른 사람보다 뒤처졌다는 불안에 사로잡히고, 누군가는 가까운 사람에게조차 자신의 진심을 감춘다. 인물들의 고민은 서로 다른 모습으로 나타나지만, 자신의 선택이 옳은지 확신하지 못하고 관계 속에서 답을 찾아간다는 점에서 맞닿는다. 관객은 나루와 다은을 비롯한 인물들의 이야기를 통해 자신의 경험이나 주변 사람의 모습을 떠올릴 수 있다.

작품은 이들에게 완벽한 해답을 내놓지 않는다. 대신 서툰 모습으로 살아가는 사람들끼리 서로의 곁을 지키고, 실수한 뒤에도 다시 시작하는 모습을 보여준다. 모든 문제를 해결해 주는 특별한 인물보다 함께 웃어주고 이야기를 들어주는 평범한 관계에 주목한다. 위로가 반드시 거창한 말이나 극적인 변화에서 비롯되는 것은 아니라는 메시지다.

이러한 접근은 청춘을 성공과 성취만으로 설명하는 시선과도 거리를 둔다. 꿈을 이루었는지보다 그 과정에서 어떤 고민을 겪고 누구와 함께 버텨왔는지가 중요하게 다뤄진다. 흔들리는 시간도 삶의 일부로 받아들이는 태도는 아직 자신의 길을 찾는 청소년에게는 공감으로, 청춘을 지나온 성인에게는 지나온 시간을 돌아보는 계기로 이어질 수 있다.

■ 객석의 반응까지 공연의 일부로

‘달빛, 한스푼’은 배우와 관객이 직접 소통하는 참여형 방식도 활용한다. 관객의 메시지와 반응이 배우들의 연기와 어우러지면서 현장에 따라 공연의 분위기가 달라질 수 있다. 무대 위에서 완성된 이야기를 일방적으로 전달하는 데 머물지 않고 객석의 참여를 통해 공연장의 생동감을 살리는 방식이다.

이 같은 구성은 삼거리 슈퍼라는 배경과도 어울린다. 이곳은 인물들이 각자의 고민을 털어놓고 서로의 일에 참견하며 관계를 쌓아가는 장소다. 관객 역시 공연을 지켜보는 데 그치지 않고 그 공간에 함께 머무는 사람처럼 이야기에 참여하게 된다. 현장에서 오가는 반응은 공연을 관람하는 경험에 즉흥성을 더한다.

뮤지컬의 음악은 인물들의 감정을 전달하는 또 다른 수단이다. 대사와 행동으로 웃음을 만들어내던 극은 노래를 통해 말로 다 전하지 못했던 마음을 드러낸다. 코미디의 활기와 감정적인 순간이 교차하면서 관객은 인물들의 고민을 서로 다른 방식으로 받아들이게 된다. 웃음과 음악을 함께 활용하는 구성은 작품이 청춘의 이야기를 무대 위에서 풀어내는 방식이다.

■ 청소년과 만나온 공연, 관객의 범위를 넓히다

‘달빛, 한스푼’은 학교와 청소년 현장에서 공연하며 꿈과 진로, 친구 관계, 사랑, 실패와 도전 같은 주제를 다뤄왔다. 청소년에게 익숙한 고민을 공연으로 풀어내되 교훈을 앞세우기보다 이야기를 즐기는 과정에서 스스로 생각할 기회를 제공하는 데 초점을 맞췄다.

광화문아트홀 공연은 청소년 관객을 중심으로 만나온 작품이 친구와 연인, 가족 등 다양한 관객에게 다가가는 자리다. 청소년에게는 지금 겪는 고민을 다른 사람의 이야기와 함께 바라보는 기회가 되고, 성인에게는 한때의 꿈과 관계를 되짚어보는 시간이 될 수 있다.

함께 관람하는 사람에 따라서도 작품을 받아들이는 방식은 달라진다. 친구와는 서로 닮은 경험을 나눌 수 있고, 연인과는 표현하지 못했던 마음을 돌아볼 수 있다. 부모와 자녀가 함께 본다면 각자가 품은 꿈과 고민에 관해 대화를 시작하는 계기가 될 수도 있다. 공연의 여운을 극장 밖의 대화로 이어가려는 방향은 작품이 관객과 맺고자 하는 관계를 보여준다.

루모라컴퍼니 김민정 대표는 작품을 통해 관객이 먼저 웃고 즐긴 뒤 자신의 이야기를 발견하기를 바란다고 밝혔다. 꿈과 청춘을 거창한 주제로만 다루기보다 서툴고 흔들리는 사람들의 일상에 담아내고 싶었다는 설명이다. 공연을 마친 뒤 함께 온 사람과 인물들의 이야기를 나누고 자신의 경험을 떠올릴 수 있다면 작품의 의도가 전해진 셈이라는 취지다.

■ 가을의 광화문에서 만나는 작은 위로

공연장이 자리한 광화문 일대는 경복궁과 서촌을 함께 둘러볼 수 있는 곳이다. 가을날 궁궐을 산책하고 서촌 골목의 상점과 카페를 찾은 뒤 공연을 관람하는 일정도 가능하다. 공연을 중심으로 하루의 문화 나들이를 계획할 수 있다는 점에서 지역의 가을 풍경과 무대 예술을 함께 즐길 기회다.

삼거리 슈퍼에 모인 사람들은 저마다 다른 고민을 안고 있지만, 서로의 일상에 관여하며 조금씩 관계를 만들어간다. 그 과정에서 누군가는 자신의 마음을 표현하고, 누군가는 다른 사람의 사정을 이해하며, 또 다른 누군가는 다시 시작할 용기를 얻는다. 작품이 그리는 변화는 극적인 성공보다 함께 시간을 보내며 생기는 작은 깨달음에 가깝다.

창작뮤지컬 ‘달빛, 한스푼’은 10월 16일 오후 7시 30분, 17일과 18일 오후 2시 광화문아트홀에서 공연한다. 익숙한 동네 슈퍼를 배경으로 펼쳐지는 청춘들의 이야기는 웃음과 음악을 통해 관계의 의미를 돌아보게 한다. 서로의 고민을 완전히 해결해 주지는 못하더라도 함께 웃고 곁을 지키는 사람의 존재가 얼마나 큰 힘이 되는지 전하는 무대다.

뉴스컬처 이준섭 rhees@nc.press